Un Teatro para la ciudad. Disfruta y comparte la creación contemporánea en Bilbao. Bilboko kreazio garaikiedeak disfrutatzeko eta iritzia emateko. Teléfono: 944 753 327 Fax: 944 759 115 Dirección: Francesc Macià 1-3 48014 Bilbao http://www.lafundicion.org/

Entradas 10€ / Todos los actos comienzan a las 20:00h. excepto domingos 19h. Reservas y venta de entradas: En cajeros Internet en la pg. de La Fundición o en taquillas el día del espectáculo. Reservas en taquilla Tf. 994 753 327 hasta las 1/2 hora antes del comienzo. No se permite la entrada una vez comenzada la representación.


ZIOMARA HORMAETXE "Symbiosis"

18 junio  20:00h 19 junio 19:00h  DANZA
ZIOMARA HORMAETXE / Euskadi
“Symbiosis”


La simbiosis es una forma de interacción biológica que hace referencia a la relación estrecha y persistente entre dos organismos de distintas especies. Es un proceso de asociación íntima, producto de una historia evolutiva entrelazada que, por lo general, acaba siendo beneficioso al menos para uno de los componentes. Symbiosis trata de acercar éste concepto puramente biológico y científico a las relaciones humanas. Dos cuerpos que, frente a frente se atraen o se repelen pero no pueden separarse. Se necesitan. Fundamentalmente, se centra en la necesidad mutua para subsistir y beneficiarse en su desarrollo vital.
Symbiosis habla sobre la dependencia afectiva y emocional e incluso física y lo que ello conlleva. Pero sobre todo busca respuestas a ésa necesidad.

Busca caminos de coexistencia en un entorno hostil como es el ahora. En el que una relación que implique una co-evolución es una meta inalcanzable o al menos complicada.

45min
Idea, coreografía: Ziomara Hormaetxe
Ayudante de dirección: Robert Jackson
Intérpretes: Ziomara Hormaetxe, Robert Jackson
Música original: Rec Overflow, Fernando Carvalho
Visuales/video: Guillermo Sáenz 
Fotografía: Oscar Ricoy
Subvencionado por el Gobierno Vasco - Creación coreográfica 2013 y Producción 2014.
Residencia artística  en: Dansmakers Amsterdam, La Fundición Bilbao, Kurtzio Sopelana.
Colabora: Dantzagunea (Gipuzkoa), Ayuntamiento de Gernika 
"ROCK DE CÁMARA" www.konpartitu.com 
Jueves 9 de Junio / 20h. 
RAPEROS DE LABRANZA
No somos raperos. No labramos la tierra.
Lo que nos encanta es el bluegrass, los sonidos crudos de la guitarra, el contrabajo y el banjo, y nos gusta aullar amores imposibles y otras fantasías.
Somos Raperos de Labranza y venimos a tu barrio para hacerte llorar y bailar.

Raperos de Labranza somos:
Pit Idoyaga: guitarra y voces
Luis Echevarría: guitarra y voz
Juan Gumuzio: banjo, mandolina, voces
Txema Solano: contrabajo y voces
Juan Feijóo Zabalo: voz

Eva Guerrero & Julia Färber "Anotación Nº 7"

Domingo 5  junio 19h DANZA
EVA GUERRERO & JULIA FÄRBER / Euskadi-México
“Anotación Nº 7”

Anotación Nº 7 Es un proyecto transfronterizo Euskadi- México que nace del encuentro de ambas creadoras en el Festival Tintos de Verano´15 (La Fundición, Bilbao)
Anotación Nª 7 es una pieza de danza contemporánea que incluye videoproyecciones, y contenidos de danza documental.
Habla del miedo, de cómo sentimos el miedo. Algo que es común en todas las personas pero cada una lo vivimos a nuestra manera. Habla de las limitaciones que nos provoca, de la lucha a la que nos enfrentamos. Es una conversación. Es una partida. Es un juego y a la vez una pelea. Es una manera de decirte lo que sentimos con este miedo.

Eva Guerrero inicia en Enero 2015 su nuevo proceso creativo “Anotaciones sobre el miedo”. Tras presentar Anotación Nº 4 en Alhóndiga Bilbao-Azkuna Zentroa, y Anotación Nº 5 en Baratza Aretoa-Vitoria, invita a Julia Färber a participar en una nueva anotación, Anotación Nº 7. Ésta comienza a través de la conversación por cartas que entablan Eva y Julia desde Octubre 2015 hasta Febrero 2016, y cuadernos de trabajo que intercambian.
Ese intercambio epistolar se complementa con entrevistas realizadas a personas no relacionadas con la escena. A partir de esas grabaciones y esos movimientos, las artistas realizan un collage físico donde incorporan a sus cuerpos y coreografías esos movimientos de las personas entrevistadas.
En escena 2 personas, bailando, realizando acciones cotidianas, intentando disimular el miedo, enfrentándose o dejándose a él. Dos personas que pueden ser una sola.
Al fondo una proyección donde el público ve otras acciones físicas, lee textos e incluso ven a otras personas que han sido entrevistadas.
Como audio, música de varios autores y voces de varias personas que nos hablan sobre el miedo.
Un trabajo físico a la vez que intimista, donde las intérpretes a través de movimientos que nacen del gesto, palabras que son bailadas, solos y dúos y video... reflexionan sobre el miedo y sobre sus propios miedos.
ella tiene miedo a no poder salir. ella tiene miedo a querer salir
corriendo. Ella tiene miedo a que la vean fracasando. ella tiene miedo a
ser vista débil desapareciendo al miedo.

40´
Creación, Dirección y Textos: Eva Guerrero
Coreografía e Interpretación: Julia Färber y Eva Guerrero
Grabación video: Jemima Cano y Jone Novo
Edición video y audio: Jemima Cano
Diseño iluminación: Arantza Heredia
Producción: DOOS Colectivo
Cuenta con subvención del Dpto. De Cultura del Gobierno Vasco.
Proyecto seleccionado en la convocatoria “Regards Croissé-Miradas Cruzadas, Le Glob  /  Theatre, Bordeaux-Francia.
Proyecto seleccionado en la convocatoria Sortutakoak 8 – Dantzagunea, Errenteria-
Gipuzkoa.
Apoyado por La Fundición Aretoa, Muelle 3 Espacio de Creación, Baratza Aretoa y Bilbaoeszena.

Ana Capilla - Kike Mora "Feedback"

Sábado 4  /  Junio 20.00h   
Ana Capilla - Kike Mora / Bilbao
“Feedback”


Feedback es un espectáculo de música y danza. El bajo eléctrico, contrabajo y guitarra acústica sonorizan el diálogo con el movimiento, la voz y la luz, ofreciendo un paseo placentero para los sentidos, que es la esencia creativa de este proyecto. El lugar al que se dejan ir los creadores, sin exigencias, tan solo estando y disfrutando de lo que hacen, la escucha-feedback entre ellos y la propia creación. Se genera un viaje en la escena, que articula pautas que se dan en la música del jazz. Junto con la investigación sonora y corporal que realizan los intérpretes, se hallan nuevas maneras de conectar, mostrando un diálogo vivo al espectador.

Varias de las canciones del próximo disco de Kike Mora, “Evolución Natural” con producción en 2016 y próximo estreno en otoño, están en este trabajo.
Link: https://vimeo.com/152959357

Idea original: Ana Capilla y Kike Mora
Creación escénica: Ana Capilla 
Creación musical: Kike Mora 
Fotografía: Manuel GB 
Diseño de Luces: Sergio Monge 
Imagen Audiovisual: Roberto Aguilar 
Producción: Ana Capilla y Kike Mora 

Residencia en Histeria Kolektiboa.
Presentado en work in progress en: Azkuna Espazioa 29 de Abril del 2015, La Karpinteria, Bilbao 2 de Mayo del 201 y Sala La Quemá de Jerez de la Frontera 3 de Enero del 2016


Ana Capilla  /  www.anacapilladanza.wordpress.com
Creadora visual en continua experimentación. Desde el lenguaje de la danza y el movimiento, llega al performance, la improvisación y la interpretación. Nace en Huelva y su infancia transcurre en Jerez de la Frontera, cuna del flamenco. Titulada en danza clásica. Formada en contemporáneo en el conservatorio de Madrid. Posteriormente completa su formación en yoga. En 2013 realiza la creación de su primer solo con Taupada, dentro del programa Dantzan Bilaka del Gobierno Vasco. A la vez que entra a formar parte de la Compañía Krego-Martín Danza, con el espectáculo de SpaceKo Zarama. En el 2014 realiza el videodanza Tránsito´s. Seleccionado en el ScreenDance Festival de Estocolmo y en Dança em foco – Festival Internacional de Vídeo & Dança 2015 de Rio de Janeiro. En 2015 colabora como creadora escénica en Apnea, un performance de poética audiovisual junto con el creativo Zigor Moreno. Presentado en el Festival de Electrónica Experimental de Pamplona, 2015. Actualmente está inmersa en diversos proyectos de creación, junto con otros artistas. Además del proyecto Feedback esta presente en: Basati, creación de danza contemporánea junto a Julia Färber con residencia en la Kultur Etxea de Sopela Udala. Con la artista plástica Mirian Martínez Guirao, en su obra “Camisa de Fuerza” de la serie Con Ciencia Psicoterrática. Además realizando inmersiones en espacios no convencionales trabaja en Transito´s in Walk, que ha tenido participación en el Festival Gart de Algorta - 2015, en Subir 100 escaleras de Victoria Ascaso, premiado por Ideiak Martxan - 2015, en BilbaoArte dentro del programa de Puertas Abiertas´15 y en el espacio de arte y creación Okela, Bilbao - 2016. Por otra parte, es intérprete en la Compañía Markeliñe, para su nueva producción y mantiene su actividad de docente en diversos espacios de Bilbao.


Kike Mora  www.kikemora.net

Kike Mora es bajista, contrabajista y guitarrista, con una dilatada experiencia profesional de más de 15 años, tanto en la faceta musical como en la de productor y docente. Licenciado en bajo eléctrico de jazz en el Centro Superior de Estudios Musicales del País Vasco – MUSIKENE. Ha colaborado en destacados proyectos musicales: Beer Mosh, Urgabe, Kepa Junkera (colaborador en el Doble CD en directo "K", galardonado con un Grammy Latino al Mejor Album Folk), Ainhoa Cantalapiedra (ganadora de OT2), Korrontzi, Mubajito, Evidence quartet, Jimmy Barnatán... Es además productor y arreglista, en su propio estudio de grabación K.M.T. Donde ha realizado más de 50 trabajos para diferentes grupos y artistas entre los que destacan: Trikizio, Korrontzi, Hutsa, Urgabe, Des-kontrol, Amaiur y otros. En 2011 editó su 1º disco “Jazz Project”. Con el que estuvo en el XXII Festival de Jazz de Lugo y en el 47. Heineken Jazzaldia de Donostia/San Sebastián, entre otros. En la actualidad, se encuentra preparando su nuevo trabajo “Evolución Natural” que saldrá a la luz en 2016. Algunas de sus composiciones nutren a Feedback. Es miembro fijo en su Trio/Quartet de jazz y en las bandas de Korrontzi, Urtz y The Pushermen. Mientras que eventualmente colabora con artistas como Ainhoa Cantalapiedra, Jimmy Barnatán, Aiko Taldea etc.
Como docente continua en la enseñanza de guitarra, bajo, combo y producción musical en la escuela Muzzik (Bilbao), escuela Julia Foruria (Gernika) y en su estudio K.M.T. e impartiendo seminarios y master class donde es requerido. 

GRUPO CHÉVERE "Citizen"

Mayo 28, 20h / 29, 19h. TEATRO
GRUPO CHÉVERE / Galicia
“Citizen”


http://www.grupochevere.eu

Citizen,  de CHÉVERE

Chévere recupera para su difusión estatal e internacional la primera parte del proyecto Citizen, la que fue el germen de toda la historia, la que no depende de haber visto las otras, la que recibió los elogios más entusiastas y unánimes y la más transportable en tiempos de crisis.

Citizen es teatro de texto. De actor. Es teatro documental. Performance. Comedia. Audiovisual. Pero sobre todo, es teatro. Un juego entre lo que pasa de verdad en el escenario y lo que dudamos si pasó o no en nuestras vidas. Es lo que para nosotros significa hacer teatro aquí y agora. Citizen se inspira en Citizen Kane de Orson Welles. Esta película cuenta la historia de Charles Foster Kane, un empresario norteamericano da comunicación que llegó la ser una de las personas más ricas y poderosas del mundo en primer tercio del siglo XX. Nuestra obra cuenta la historia de A.O., un empresario gallego del textil que se convierte en una de las personas más ricas del mundo el último tercio del siglo XX.

Vamos a contar una historia de la Transición a partir de una extraña coincidencia histórica: la muerte de Franco y la apertura de las primeras tiendas de Zara en A Coruña ocurren en el mismo año, separadas por unas pocas semanas. Estamos en 1975. Franco ha muerto. Sara, una estudiante comprometida en el movimiento antifranquista, huye de la policía y refugiase en una tienda que aunque no abrió. Allí se encuentra con su dueño, A.O., un empresario apartado de la realidad y dispuesto a conquistar un imperio. Ella está exactamente onde le corresponde estar. Él no tiene posición. Ella es de un lugar del que viene huyendo. Él ya ha olvidado de donde viene, pero sabe exactamente a donde quiere llegar.

El proyecto completo de Citizen se compone de tres espectáculos autónomos de pequeño y mediano formato, que se fueron haciendo e estrenando en la Sala Nasa de Santiago de Compostela a lo largo de la temporada 2010-2011, como si se tratase de una obra de teatro por episodios. Cada uno de ellos fue la continuación y la consecuencia del anterior. Y al final, a suma de los tres supuso un nuevo espectáculo de casi cuatro horas de duración. La obra estuvo girando por España hasta finales de 2013, superando las 120 representaciones y los 10. 000 espectadores. Además, consiguió un importante reconocimiento crítico y profesional: fue la obra más votada entre 150 propuestas para acceder a la Red de Teatros Alternativos de España, se presentó en festivales internacionales como Temporada Alta (Cataluña) y Escena Contemporánea (Madrid), recibió el Premio de la Crítica 2011 y 5 premios María Casares en 2012, de la Asociación de Actores e Actrices de Galicia (entre ellos mejor espectáculo, mejor dirección, mejor actriz protagonista).
Una creación propia de Chévere, Compañía residente en el Ayuntamiento de Teo.

En escena: Patricia de Lorenzo, Manuel Cortés 
Dramaturgia y dirección: Xron
Guión: MCortés 
Arreglos sonoros: Xacobe Martínez Antelo
Vídeos: Oroboro Films, Quadra producións 
Sonido/proyecciones e iluminación: Fidel Vázquez
Producción: Juancho Gianzo 
Comunicación: Xana García
Diseño gráfico: Fausto Isorna 

Producida con el apoyo de: AGADIC,
Concello de Santiago de Compostela, INAEM.
Nuestro agradecimiento a Óscar, Paco Bixou, Lola, Dominga, Amalia, Estrella, a las mujeres cooperativistas de Harmonía y Millenium, al Padre Jorge, a Belén, a Fátima.
Sábado 14 de Mayo 20h, Domingo 15 Mayo 19h. TEATRO
Colectivo Armadillo  / Madrid
Raúl Marcos - Jesús Barranco  - Oscar G. Villegas 
"66 Ejercicios de estilo”

http://colectivoarmadillo.blogspot.com.es

Libremente inspirado en el libro Ejercicios de estilo de Raymond Queneau.

Cuenta Queneau que la idea le llegó después de asistir a un concierto de El arte de la fuga de J.S.Bach. Nosotros hemos querido hacer lo mismo sobre una breve escena, un pequeño diálogo banal: practicar 66 variaciones entre lo estrictamente formal y los estilos teatrales que nos han atravesado o inspirado en nuestras trayectorias como intérpretes.
Esta “mise en abisme” o juego ingenioso de superación de un obstáculo intrincado, inventario laberíntico de coerciones previamente impuestas, pretende ser también 66 pequeños y sinceros homenajes al arte dramático.

Dos actores/homo-ludens desbordados por la literatura dramática y la historia del arte escénico, invadidos por voces de todas las épocas, encerrados en el loop de una escena trivial sin resolución.
En este esfuerzo de ingenio actoral y dramatúrgico, donde la dificultad parece un fin en sí mismo, hemos intentado no caer en la parodia, respetando las reglas de cada premisa, estilo, género o autor.
Un juego de apariencia intrascendente jugado con total seriedad, pasatiempo retórico, manierista y extravagante, no exento de comicidad, que tiene también un componente didáctico, exhibiendo sus esquemas y propósitos. Un juego de algo que no llega a ser pieza escénica, sino borrador, esbozo, proyecto, teatro haciéndose ante el espectador, invitándole a que rehaga o complete, a que reconozca y adivine, sin climax ni suspense, rechazando la invisibilidad del soporte expresivo.

Creadores e Intérpretes: Raúl Marcos / Jesús Barranco
Diseño de sonido e iluminación: Óscar G. Villegas
Colaboran: Ainhoa Vilar, Daniel Moreno, Andrea Díaz, Pablo Gómez Pando, Dani Llull, Fabio Mangolini, Ricardo Santana, Patricia Ruz, Adriana Reyes y Santiago Ortiz.


Armadillo es un colectivo formado por: Carlos Rod, Pilar Campos, Oscar G. Villegas, Luciana Pereyra,                           Raúl Marcos y Jesús Barranco.

En noviembre de 2005 Armadillo estrena la obra "Autorretrato doble", que Pilar Campos Gallego y Carlos Rod escriben para los dos actores Raúl Marcos y Jesús Barranco. Este espectáculo, de carácter autobiográfico –una aproximación a la vejez y a la relación entre madres e hijos– es seleccionado en 2006 por la Red de Teatros Alternativos y el INAEM del Ministerio de Cultura.
Asimismo participa en el festival Verano Escénico de la Casa Encendida de Madrid, en la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca y en la Muestra de Teatro Joven de Zamora.

En 2007 Armadillo estrena en la Iglesia de San Nicolás en Segovia "Un mapa de carreteras para regresar", de Carlos Rod, texto que ese mismo año obtuvo el III Premio Casa de América - Festival Escena Contemporánea de Dramaturgia Innovadora. Y en febrero de 2008 se presenta en el Festival Escena Contemporánea de Madrid.
Entre el 2009 y el 2010 Armadillo presentó la pieza "Ascensión" en LaNave, un antiguo taller mecánico de la calle amorhermoso del barrio de Usera de Madrid. Esta pieza junto al texto "Hágase tu voluntad. Una historia de santos" conforman las dos partes de un proyecto interdisciplinar que trata lo sagrado y lo profano en la sociedad contemporánea.
En 2010 son invitados por Casa Encendida a formar parte de los "¿41 creadores de la nueva escena madrileña se equivocan?".
En estos casi diez años -2005/2014- el colectivo Armadillo ha estado muy unido a la editorial La uÑa Rota y ha compartido muchas de las presentaciones públicas de sus libros con la preparación de pequeños experimentos en artes vivas: El aumento (George Perec), Así en la tierra como en el infierno (Thomas Bernhard), Obra Inacabada (Bertold Brecht), Samuel Beckett, el último modernista (Anthony Cronin), La Nada y las Tinieblas (Fridegiso de Tours) e Inquieto (Kenneth Godsmith).
Después de varios re-estrenos de las tres piezas: Teatro de la Abadía, Iglesia de San Nicolás, salas Mirador y Pradillo (Madrid), Festival ZicoSur (Chile), varios componentes del colectivo han preparando una nueva pieza que se estrenó en el ciclo La Palabra en escena (II) en Pradillo en Madrid el 20 de noviembre de 2014: 66 ejercicios de estilo.
"ROCK DE CÁMARA" www.konpartitu.com 
Jueves 12 Mayo 20h 

STILL RIVER

+ Info: http://thestillriver.com/music/ 

Still River se formó a principios de 2011. El norteamericano Dan Cabanela (guitarra rítmica, voz), Txema Solano (bajo, coros), Isi Redondo (batería – también de Travellin’ Brothers), y Juan Gumuzio (guitarra solista, coros) formaron el cuarteto original. En 2013 se une al grupo Isra Redondo (piano, órgano y coros).  Acaban de lanzar su segundo disco, grabado en los Garate Studios de Andoain, con Kaki Arkarazo.

Con su directo potente, han llegado a compartir escenario con algunos músicos de reconocimiento internacional, como son Francisco Simón (guitarrista – Red House), Antonio Serrano (armonicista – Paco de Lucia), Marcos Coll (armonicista – Hohner Masters of Harmonica, Berlin Monday Jelly Roll Session, Los Reyes del KO) y más recientemente, Dani Nel•lo (saxofonista – Mambo Jambo, Los Rebeldes).

La banda toca tanto en formato eléctrico como en acústico, donde introducen el uso de banjo, mandolina, contrabajo, guitarras acústicas, y percusiones varias.

“El quinteto bilbaíno demostrando a las claras que beben de los mejores. Por su música hay ecos de Bob Dylan, Tom Petty y en especial de Neil Young o los Allman Brothers. Rock americano en estado puro pero siempre con un toque de blues o country. Fieles al estilo, Still River tienen canciones elegantes y clásicas tocadas de forma magistral en un muy buen concierto…” –
 Bilsonico, CONCIERTOS ULTRASONICOS (Febrero 2015)

Sábado 7 de Mayo 20h.  / Doming 8 de Mayo  19h.  
Colectivo Cinema Sticado / Vigo
STRPTS (episodio1: Mirlo&Rula)


http://cinemasticado.com/es

Mirlo & Rula es el primer episodio de STRPTS (se lee estriptis), una serie de intriga creada en vivo y en directo sobre el escenario y retransmitida audiovisualmente en tiempo real sobre una gran pantalla.
El colectivo Cinema Sticado combina artes visuales y performativas con la creación de audio y video en tiempo real para desarrollar una particular mirada sobre la narrativa y la representación en el espacio con la que generar en el espectador una experiencia visual y presencial única y asombrosa que estimule su imaginación y, si cabe, inspire a la reflexión.
Toda una aventura.

Un hombre sigiloso (Mirlo) y una mujer soñadora (Rula) cruzarán sus destinos en una huída inesperada por culpa de un secreto a  voces, una huída teñida de intriga y sangre en un mundo en desequilibrio con la naturaleza y los derechos sociales e impregnado de corrupción política.
Prepárate para entrar en un mundo que nunca antes viste. Intriga, corrupción, asesinatos... y una huída inesperada. Querrás ver más!!

Cinema Sticado pone en escena un universo en miniatura hecho de cartón reciclado para contar con una estética particular próxima al cómic una seductora e inquietante historia de intriga teñida de misterio, sexo, corrupción, asesinatos y persecuciones que es creada en vivo y en directo y retransmitida ‘in situ’ en tempo real en una gran pantalla.

60 min
Creación: Xosel Díez  y Helena Varela 
Performers en directo: Xosel Díez y Helena Varela 
Dibujos: Xabi Varela 
Programación pure data: João Pinheiro
Iluminación led: 
Man Núñez
Decorados: Nola Rivera 
Fotografía: Ángel Anónimo 
Agradecimentos especiales: Katja Vetter  por su patch de audio slice/jockey

EL COLECTIVO
El colectivo Cinema Sticado nace en 2012 con el objetivo de explorar las posibilidades expresivas que surgen en las fronteras entre los campos escénico y audiovisual en combinación con herramientas digitales que permiten la creación y edición audiovisual en vivo.

Les interesa especialmente trabajar un límite paradójico entre dos extremos: por un lado, dotar de una función presencial y evidente a los elementos de la representación en vivo (personajes, decorados sonidos, imagen y tecnología), y por otra, mantener el hilo de una ficción a la que el público -aunque consciente de cómo se está gestando- no pueda sustraerse.
El núcleo del colectivo está compuesto por Xosel Díez -ingeniero y creador audiovisual- y Helena Varela -actriz de teatro y cine-.

Ambos ponen en escena el primer espectáculo del colectivo, gestado durante más de dos años en colaboración con otros artistas entre los que destaca el reconocido pintor Xabier Varela, que dibujó los personajes.

TAIAT Dansa / Valencia “Still life (o naturaleza muerta)”


Sábado 30 Abril 20h, Domingo 1 Mayo 19h. DANZA
TAIAT Dansa / Valencia
“Still life (o naturaleza muerta)”


http://www.taiatdansa.com
Hay quienes jurarían que la marginalidad de la danza, eternamente arrinconada en los entresijos, en los intermedios, en los interludios, en los entredichos, en las pausas, en los descansos, en las transiciones, en las aceras, en los marcos, en los bordes, en los pasajes y pasillos de las Artes, ha sido de hecho su baza, su grandeza. Pero hay quienes jurarían que no puede ser de otra manera, y que de entre tantas artes abocadas a perdurar, fue fundamental que la humanidad se dotara, desde el inicio de la deriva llamada historia, de un arte naturalmente enemigo de la perdurabilidad, naturalmente desmemoriado, naturalmente vago; de un arte sin historia en la deriva llamada historia. Es más, fue fundamental que, de entre las artes de la representación, le tocara a la danza encarnar la carencia, la caducidad de toda representación; y hacerlo a través de lo carente, de lo caduco por excelencia, que es el cuerpo mortal.
Libre de imagen, el cuerpo solo sabe hablar de muerte creyéndose que habla de vida. Los cuerpos de los bailarines son como convidados de un festín que solo hablan de temas fúnebres. Es posiblemente en esta “terminalidad del discurso” donde la danza encuentra el bodegón (o still life o naturaleza muerta).

Idea y dirección: Meritxell Barberá and Inma García.
Coreografía: Meritxell Barberá e Inma García en colaboración con los bailarines.
Bailarines: Jon López, Cristina Reolid, Diana Huertas, Cristian González, Laila Tafur, Chey Jurado
Actor: Sergio Ibáñez
Dramaturgia: Roberto Fratini
Música original: Caldo
Vestuario: Siemprevivas
Iluminación: Pablo Fernández
Diseño audiovisual: Sergi Palau
Diseño espacio escénico: Taiat Dansa
Distribución y producción: Diego López
Prensa y comunicación: Inventa
Meritxell Barberá e Inma García, tituladas en Danza Clásica y Contemporánea en la ciudad de Valencia, fundan su propia compañía, Taiat Dansa, en 2003. Desde entonces han presentado sus creaciones en distintos espacios y festivales del territorio nacional como: Dansa València, Mercat de les Flors en Barcelona, Cuarta Pared en Madrid, La Casa Encendida en Madrid, Festival Internacional Masdanza y Teatro Guimerá en Canarias, Teatro Central de Sevilla, Teatro Gayarre en Pamplona, Festival Periferias en Huesca, Festival Alter-Arte en Murcia; en espacios museísticos, acompañados normalmente de un trabajopedagógico, como el IVAM y el MuVIM en Valencia, el MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona, el Museum of the City of New York, el IAACC Pablo Serrano de Zaragoza, el CAAC Centro Andaluz de Arte Contemporáneo de Sevilla, el CAC Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, el Museo Guggenheim Bilbao o el Artium en Vitoria, y en el ámbito internacional han mostrado sus obras en países como Francia, Alemania, Suiza, Reino Unido y EEUU.

Además, desde 2009 trabajan como coreógrafas para otras compañías del panorama nacional e internacional. De manera que han empezado a trasladar el sello tan particular de Taiat a otras compañías como Ballet Hispánico de Nueva York, DanceWorks Chicago y Ballet de la Generalitat Valenciana. Para estas compañías han creado piezas donde los elementos coreográficos de ambas directoras de Taiat siguen en estrecha relación con un intenso trabajo dramatúrgico que se alimenta del cine, la literatura y el arte.
La música es un elemento de vital importancia en todas sus creaciones para lo que cuentan con el músico Caldo que trabaja con ellas en la composición original de todos los trabajos desde sus inicios. En los próximos años seguirán girando y bailando con piezas de su compañía y preparan la creación de diferentes obras para
Taiat y para otras compañías de prestigio internacional.

MIREN GAZTAÑAGA / GABRIEL OCINA (Bilbao)“Solasean” (2012)/ Euskera

Domingo 24 de abril  19h. TEATRO-DANZA
MIREN GAZTAÑAGA / GABRIEL OCINA (Bilbao)
“Solasean”
 (2012)/ Euskera

Es curioso. Ahora nadie nos ve, ni nos oye
¿Hay algún sitio donde te gustaría estar?
¬En mil sitios.
¬Dime uno.
¬Pues… bajo el agua, buceando, viendo mi sombra moverse sobre la arena.
¬A mi me gustaría estar en una noche de verano, con amigos.
¬Hablaríamos de cosas divertidas, de las cosas buenas de la vida.
¬Hablaríamos de historias que nos contaron o que queremos contar.
¬Yo igual hasta me pondría a cantar.
¬¡Y yo! Ja, ja ja…
¬Bueno, ya es la hora…
Es verdad
¬Mucha mierda.
¬Mucha mierda.

“Dialogo” son seis personas que se encuentran en el escenario para hacer una pieza desde el lenguaje de la danza, la música y el teatro. Seis personas que hablan entre si y exponen un proceso escénico abierto a la mirada del público, compartiendo sus experiencias, ideas,   miedos y fantasías sobre temas como la muerte, la amistad, la creación o el paso del tiempo.

Creación colectiva:  Xabier Agirre , Pilar Andrés , Emilio Encabo,  Miren Gaztañaga, Gabriel Ocina,  Gabo Punzo
Fotografías y videos promoción: Adrián Hernández

Proyecto en Residencia de Creación en La Fundición y Muelle 3 
Proyecto subvencionado por el Departamento de Cultura del Gobierno Vasco 


Gabriel Ocina - Gaztañaga 

Con anterioridad a este trabajo compartieron escenario en “8 Olivettis Poéticos” (1999) de Fabrica de Teatro Imaginario, en “Una Sola Noche” (2004) de Amarauma y Moaré Danza, y en “Arquitectura de la Transparencia” (2011), accidente para la creación impulsado por La Fundición de Bilbao. En su recorrido individual como creadores siempre han buscado un camino donde puedan convivir la danza, la acción y la palabra: Gabriel Ocina, en “Gestos Marcados en una Sala Oscura” (2005) y “El lobo y el Alma” (2008), junto a la pianista María Vega y bajo la dirección de Izaskun Santamaría; y Miren Gaztañaga, “Stereo” (2009), en colaboración con la fotógrafa Ainhoa Resano y la actriz Ainhoa Jauregi, y la reciente “Euli-Giro” (2014) creada por Kamikaz Kolektiboa, grupo al que pertenece actualmente.
Progama de: 

Cie.Pedro Pauwels "Triphasé"

PROYECTO  INTERNACIONALIZACIÓN-
REGARDS CROISÉS 2016
Biarritz-Bilbao-Burdeos-Errenteria-Limoges
Sábado 16 de abril 20h./ Domingo 17 de abril 19h. DANZA 
Cie. Pedro Pauwels - Limoges
“Triphasé”


http://www.cie-pedropauwels.fr

La atención y el sentimiento reciproco nacen de la mirada y de la escucha colectiva. La experiencia táctil y visual que se juega entre los cuerpos prolonga de una forma nueva la investigación de piezas precedentes Sens1 y Entre-Mains, que experimentan en el campo de la percepción y el contacto obligado.

Inspirado en La dimension cachée  d’Edward T. Hall, el juego es intentar aclarar esas fronteras invisibles entre los seres vivos, los espacios que se formatean desde su entorno y desde su cultura.
El trío mostrará la exploración de esas diferentes distancias en la dependencia. “En el ser humano el sentido del espacio y la distancia no son estáticos… Su percepción del espacio es dinámica porque está ligado a la acción. ¿Cómo se relacionan la acción individual y la “situacional”?
Tres intérpretes, ligados entre ellos, diseñan espacios posibles, distancias negociables entre los cuerpos y sus aproximaciones múltiples. Como un solo cuerpo , un cuerpo social, símbolo del vinculo que les une? En qué medida este hilo puede hacer que los cuerpos se unan o se distancien?  El triangulo se confronta aquí con los deseos individuales, y con las limitaciones que impone el grupo, hacia solos, dúos o tríos...

Las voces aparecerán como indicadores de la distancia, aquí y allá, lejos y cerca…. Voces interiores, llamadas exteriores… De nuevo se le pide al espectador poner todos sus sentidos en acción. De nuevo, como en anteriores piezas, Pedro Pauwels se rodeará de creadores sonoros para acompañar el viaje de este trío.

Concepto y coreografía: Pedro Pauwels
Intérpretes: Patrick Entat, Lilas Nagoya, Nicolas Fayol
Diseño de iluminación: Evelyne Rubert
Música: Gaspar Claus
Diseño de vestuario: Marie-Christine Franc
40 min

Production: Association PePau
La Compagnie Pedro Pauwels cuenta con el apoyo del Ministère de la Culture et de la Communication - DRAC du Limousincomo compañía convencionada, del Conseil Général de la Haute-Vienne, de la Ville de Limoges, y del Conseil Régional du Limousin en el marco del dispositivo Emplois Associatifs

MAKALA JAZZ FUNK BAND / Jueves 14 Abril


"Programa Rock de Cámara" www.konpartitu.com 
Jueves 14 de abril 20h. 


MAKALA  JAZZ  FUNK  BAND


+ Info: http://www.makala.info/mjfb 

Makala Jazz Funk Band es el nuevo proyecto en formato de grupo de directo de DJ Makala. Viene de Zarautz y está formado por experimentados músicos como Antxon Sarasua (teclados), Ander Zulaika (batería), Oihan Lopetegi (voz), Martin Asarián (guitarra) y Mikel “Makala” Unzurrunzaga (bajo).

Su repertorio abarca estilos que van desde el Jazz y Rhythm’n’Blues de los años 50 y 60 al Groove Funk y Disco Soul de los 70. Hasta la fecha han ofrecido más de 50 conciertos por salas, bares y clubs de la geografía vasca, destacando en el 2013 las actuaciones del Heineken Jazzaldia de Donostia- San Sebastián y el MiniJazz durante el Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz, así como en el año 2014 en el Festival Jazz Fermín de Pamplona.
En el verano del 2013, graban su primera referencia “Orrua” EP Single para el sello Orrua Diskak, incluyendo 3 versiones en clave Jazz-Funk de Young-Holt Unlimited, Eddie Bo y Geraldo Pino, así como un tema original titulado. En la primavera del 2014, publican un segundo EP llamado “Passion Fruit” esta vez incluyendo dos temas originales de adelanto de su primer album y dos remixes de temas del primer EP, producidos por Doctor Stereo de Argentina y el propio Makala.

En la primavera del 2015, la Makala Jazz Funk Band publica “Xake!”, su primer álbum de estudio. Durante los meses de Marzo, Abril y Mayo del 2015 se embarcan en un Tour por el País Vasco, Cataluña, Andalucía y Madrid, donde ofrecerán una veintena de conciertos y showcases de presentación del disco, destacando los siguientes: Teloneros de Fred Wesley Trio en Le Bukowski (Donostia-San Sebastián), Black Music Festival 2015 (Girona), Teloneros de Fundación Tony Manero en Kafe Antzokia (Bilbao), “Enlace Funk Magazine Nº 50 Party” en Siroco (Madrid),…

“La nuit entre deux soleils" Origami – Cie. Gilles Baron / Aquitania

PROYECTO  INTERNACIONALIZACIÓN-REGARDS CROISÉS 2016
Biarritz-Bilbao-Burdeos-Errenteria-Limoges
Abril, 8 viernes 20h.  - 9 sábado 20h.  DANZA 
Origami – Cie. Gilles Baron /  Aquitania
“La nuit  entre  deux  soleils”
http://www.gillesbaron.com

Qué puede decirnos una pareja que se quiere desde hace ya mucho tiempo? Cómo reflejar las vibraciones de una relación cómplice y tranquila? “La nuit entre deux soleils” invita al publico a celebrar la belleza de los cuerpos que aman.

“Hemos subido los escalones corriendo, hasta arriba, hasta el césped del Sacre Coeur, nos hemos colocado en mitad de la gente como en fraternidad, creo que me has cogido la mano.
Los astros se han alineado, las curvas han coincidido, la luz se ha ido haciendo cada vez más fría, los colores tibios del crepúsculo no nos han alcanzado.  La sombra ha marcado su mancha, nos ha separado. Los pájaros se han callado, los perros se han ido a dormir. Las predicciones han alterado nuestros sentidos, en los escalones de la catedral del Sacre Coeur había miedo mezclado con excitación. El planeta luna nos ha separado….
En realidad, no ! Nos ha dejado suspendidos, en silencio, su trayectoria  se ha opuesto a un ritual trágico. Hemos asistido al mismo tiempo a nuestra desaparición y nuestra resurrección, confiados y maravillados como cuando a la mañana siguiente nuestros ojos se abren a un día nuevo.
Me has cogido la mano y me has dicho: la fuente permanece, a través del tiempo, pura y accesible…El 11 de agosto de 1999, lentamente la noche invade al día,  y yo diría que la noche ha atravesado al dia…

Coreografía: Gilles Baron
Bailarines: Aurore Di Bianco, Gilles Baron,
Músico, cantante: Vincent Jouffroy
Concepción sonora: Laurent Sassi
Iluminación: Florent Blanchon
Escenografía: Yann Bridard
Regiduría: Yvan Labasse
Fotografías: © Pierre Planchenault
50 min.

Coproducción : Le Théâtre Olympia - scène conventionnée d’Arcachon // Le Cuvier-Centre de Développement Chorégraphique d’Aquitaine // Festival Novart Bordeaux // l’Iddac Institut Départemental de Développement Artistique et Culturel –Agence Culturelle de la Gironde // Association Origami
Con el apoyo de : la ville d’Eysines dans le cadre de la carte blanche saison 2014/2015 - LePlateau, Théâtre Jean Vilar // La DRAC Aquitaine // la Région Aquitaine // le Conseil général des Landes // la SPEDIDAM
Residencias en : Le Centre National de la Danse de Pantin // Le Cuvier - Centre de
Développement Chorégraphique d’Aquitaine // le Théâtre Olympia - Scène conventionnée d’Arcachon


Gilles Baron, coreógrafo, 
Bailarín de formación clásica que aborda une trayectoria contemporánea como intérprete en el seno de diversas compañías. Desarrolla una escritura coreográfica precisa, sensible y poderosa, con una intención narrativa  que abarca el circo, la danza y el teatro. Sus últimas creaciones están marcadas por el deseo y la intimidad. Concibe el cuerpo como el lugar  del inconsciente y la resonancia de nuestras esperanzas y nuestros íntimos miedos.
Después de Animal attraction y Sunnyboom, solo que él escribe e interpreta, crea Rois en 2013  en el marco del Festival Cadences. En 2014 trabaja en dos proyectos participativos, uno con alumnos de las clases de CP , titulado Mauvais Sucre; el otro con la participación de personas mayores, titulado Senex… Zoé.  Después crea La nuit entre deux soleils.

Aurore Di Bianco,  bailarina
Después de sus estudios en  el CNSM de Lyon y la obtención de su diploma en coregrafía ,  en 1997 se translada a Praga para trabajar con Jean Aviotte, director artístico del Teatro Laterna Magika. Vuelve a Francia en 1999 para formar parte del Ballet de l'Opéra de Lyon y con esta formación explora un largo repertorio coregráfico. En 2013 pasa a formar parte de la Compagnie Emanuel Gat y participa en la pieza The Goldlandbergs  presentada en el festival Montpellier danse,  y trabaja también como intérprete en el espectáculo Révolution, coreografiado por Olivier Dubois.

Vincent Jouffroy, musico 
Tras su formación y el diploma de Master 1 (Media Arts And Production) en la Universidad  UTS de Sydney, se consagra esencialmente a la creación musical y crea en 2008 el Grupo MyAnt. Tras un año en Inglaterra, es en Burdeos donde concretiza  desde hace cuatro años sus numerosos proyectos musicales. Colabora con diferentes formaciones teatrales: le Théâtre du Rivage y el  Collectif Le Dernier Strapontin.

Laurent Sassi, creador sonoro
Explora la práctica del  sonido y su restitución ligada a diversos campos contemporáneos: música improvisada, instrumental, mixta, electrónica, fonografía y arte  sonoro en el teatro…. Trabaja con Jean-Léon Pallandre y Marc Pichelin de la Compagnie Ouïe Dire.

Association ORIGAMI-Cie GILLES  BARON
La compagnie Gilles Baron/Association Origami  se crea en Las Landas, región Aquitaine en 2004. L’association desarrolla esencialmente los proyectos artísticos del coreógrafo Gilles Baron. Implica a artistas coregráficos, de circo, escenógrafos, artistas plásticos, sonoros, actores…, todos reunidos en torno a la voluntad común de dar vida a una idea, a un texto, revelar un espacio…. « Nos anima un sentimiento común : la puesta en acción de cuerpo como materia sensible. Un cuerpo sensitivo que fluctúa sin cesar, muta, resuena, reacciona frente al mundo ».
En el año 2013, la compagnie Gilles Baron  firma un acompañamiento de tres años con el Théâtre Olympia – Scène conventionnée.

La nuit entre deux soleils from Gilles Baron on Vimeo.