Un Teatro para la ciudad. Disfruta y comparte la creación contemporánea en Bilbao. Bilboko kreazio garaikiedeak disfrutatzeko eta iritzia emateko. Teléfono: 944 753 327 Fax: 944 759 115 Dirección: Francesc Macià 1-3 48014 Bilbao http://www.lafundicion.org/

Entradas 10€ / Todos los actos comienzan a las 20:00h. excepto domingos 19h. Reservas y venta de entradas: En cajeros Internet en la pg. de La Fundición o en taquillas el día del espectáculo. Reservas en taquilla Tf. 994 753 327 hasta las 1/2 hora antes del comienzo. No se permite la entrada una vez comenzada la representación.


30 de Mayo a las 20h. 31 de Mayo 19:00h. / Danza
CARMEN WERNER – PROVISIONAL DANZA / Madrid
“En blanco”


Quería tan sólo intentar vivir aquello que tendía a brotar
espontáneamente de mí.
¿Por qué había de serme tan difícil?

Muy pocos saben hoy lo que es el hombre. Muchos lo sienten, y, por
sentirlo, mueren más aliviados, como yo moriré más aliviado cuando
termine de escribir esta historia. (herman hesse)

“No todo esta escrito"

En blanco  (48´)
Coreografía e interpretación : Carmen Werner
Banda sonora editada por Carmen Werner
Fotografía: Patricia Villanueva

Carmen Werner
Nace en Madrid. Licenciada en Educación Física por la Universidad Politécnica de Madrid. Estudia Danza Clásica y Contemporánea en Madrid, Barcelona y Londres.
Desde que creara en 1987 su propia compañía, Provisional Danza, ha puesto en escena más de 60 coreografías: trabajos de sala (de pequeño y gran formato, incluida una ópera-danza), trabajos de calle, vídeo-danzas, un cortometraje, colaboraciones para otras compañías, encargos especiales para distintos festivales y teatros, además de impartir clases y talleres coreográficos.

Su trayectoria artística ha sido reconocida con diferentes premios, entre los que destacan el Premio Nacional de Danza 2007, el Premio Internacional de Danza Onassis en 2001 y el Premio de Cultura en la sección de Danza de la Comunidad de Madrid 2000.


Provisional Danza
Desde la elección de su nombre por Carmen Werner en 1987, Provisional Danza asume una temporalidad que va más allá de sus actividades. Provisional son las relaciones, las vidas, los sentimientos que intérpretes y público construyen interactuando dentro de su escena.

Desde Provisional Danza, y con la ayuda de la Comunidad de Madrid y el Ministerio de Cultura, se han fomentado y desarrollado constantes vínculos de colaboración para contribuir, a través de unos criterios y métodos de máxima exigencia, a la formación de futuras generaciones de artistas tanto nacionales como internacionales.
Jueves 28 Mayo  20h  / TEATRO TEATRO DE AÇÚCAR / Brasil - Euskadi
“Adaptação”
 
de Gabriel F.

Adaptação” se estrenó en Brasília en Enero de 2013
La pieza ha sido galardonada en los Premios SESC de Teatro 2013, con los premios al mejor Actor, Dramaturgia y nominada como mejor Espectáculo.


Después de meses de intentos frustrados, un director teatral se desespera ante su incapacidad de montar un espectáculo, no tiene ideas, ni originales, ni corrientes. Todas han sido ya utilizadas y ahora solo existe un vacío inmenso y blanco: Una hoja de papel A4. En el punto álgido de su falta de inspiración, encuentra en la adaptación literaria la posibilidad de salvarse. Comunicarse con las palabras de otro.
Elegir un texto que ya ha sido escrito, y plasmar sobre él su propia versión, como si fuesen suyos los sentimientos y las ideas de otro autor...pero ya es tarde para intentar cambiar las cosas...el espectáculo se estrena en 15 minutos.
Mediante un lenguaje claro y objetivo, el espectáculo “Adaptação” encuentra en las cuestiones existenciales la materia prima para ahondar en el lado más visionario del ser humano: Esta parte soñadora que contrasta con esta era tan moderna y avanzada, y asusta, el presente que precede al futuro .y la falta de seguridad que provoca en el individuo.
“Adaptação” usa el humor para exponer de forma sutil, musical y divertida el miedo que todos tenemos a un final: dejar de existir, morir, envejecer.o lo que es mas terrible, apenas sobrevivir mientras se vive...el miedo humano a pasar desapercibido en la vida, el miedo constante de no dejar ningún legado. En definitiva, el siempre actual y futurista miedo a la soledad...

“Adaptação” es el espectáculo póstumo de la Cia. Teatro de Açúcar, que decidió morir en 2012, víctima de una crisis crónica que padece el teatro y las artes independientes. El espectáculo cuenta la historia de unos personajes en un momento de adaptación como medio de supervivencia: Un director teatral frustrado, que no consigue salir de una crisis creativa y decide cambiar de profesión; Una actriz recién llegada a la gran ciudad, que necesita acostumbrarse a la soledad del nuevo estilo de vida; Una transexual, que adaptó su cuerpo para poder seguir viviendo en él. Un dinosaurio que no sabe si sobrevivirá a las adaptaciones de su especie. Todos están unidos por un drama común: el miedo de morir, transformarse, dejar de existir… como si un escritor escribiese o adaptase sus historias, recreando, agregando, y lo mas temible, eliminando personajes.

Texto, Dirección e Interpretación: Gabriel F.
Ayud. Dirección e Iluminación: Igor Calonge
Música Original y Dirección Musical: Marco Michelângelo
Producción Musical: Rubi
Escenografía y Vestuario: Gabriel F.
Producción: Gercy Fernandes
Pianista: Renio Quintas
Fotografía:(estudio) Gabriel F. (teatro) Diego Bresani
Subvencionado por la Secretaria de Cultura de Distrito Federal

Adaptação
Monólogo original Duración: aprox 55’ Brasil/España, 2013
Idiomas: Versión en Castellano Versión en Portugués

Gabriel F. (Premio Sesc 2013 a Mejor Actor) es Licenciado en Artes Escénicas (Facultad de Artes Dulcina de Moraes – Brasília), Universidad en la que ejerció como profesor durante dos años. Desde 2007 comparte la dirección con Marco Michelângelo, y ejerce como actor, músico, escenógrafo, productor y dramaturgo para construir los espectáculos de la Cía.Teatro de Açúcar, un nucleo de investigación y producción de espetáculos con dramaturgia original e intenso trabajo interpretativo: “Além do que se vê”(espectáculo de estreno de la cía., cuatro nominaciones a los Premios Sesc de Teatro – 2008; ganador en las categorías: Mejor Escenografía y Mejor actriz); “Tenho febre, mas vou buscar nos sodinheiro”, (Teatro Goldoni, Brasília - 2009); “Máquina de Gargalhadas” (espectáculo seleccionado para los Prêmios Sesc de Teatro – 2009); “Movie about theCity”, (estrenado en en Cine Brasília, dentro de la programación del Festival Internacional Cena Contemporânea – 2010); “A Vida Impressa em Xerox”(Teatro Plínio Marcos, Funarte - 2012) y “Adaptación” (estrenado en Brasília en Abril y en Madrid en Junio de 2013), en coproducción con la cía. Cielo Raso (País Vasco). Los espectáculos de Teatro de Açúcar se caracterizan por su intenso trabajo de dirección de actores y dramaturgia original, unido a una puesta en escena de excepcional belleza estética, siempre centrados en temáticas que investigan y discuten la complejidad humana, de una manera sutil, musical y divertida, pero sin perder el peso de cada discurso.
23 de Mayo a las 20h. / 24 de Mayo 19h.  Danza


CÍA. EL PUNTO! DANZA TEATRO / Sevilla
”El olimpo no es aquí”
Dirección, idea original y coreografía: Fernando LimaUn espectáculo de danza contemporánea y danzas urbanas

Citius, altius, fortius (Más rápido, más alto, más fuerte)

La presencia del deporte en la sociedad contemporánea es sin duda cada vez mayor. Los deportistas son ídolos con una presencia cada vez más amplia. Son los nuevos dioses del Olimpo, pero muchas veces no por su conducta ejemplar. Son un espejo de una sociedad competitiva, en la que se premia el juego hediondo, siempre que el resultado final sea el triunfo...

La descontextualización de las esencias del deporte se ha generalizado tanto que ya es otra cosa diferente, con reglas diferentes. Más cerca del espectáculo y del negocio que de una competición para mejorarse a uno mismo. En esta obra, Fernando Lima y su compañía, El Punto! Danza Teatro, abordan a este mundo a través de la danza y de los lenguajes urbanos, como el breakdance y el hip-hop, que han dejado de ser materiales exclusivamente urbanos para asociarse con otras expresiones creativas en el terreno del baile.


“EL OLIMPO NO ES AQUÍ”

Ficha artística y técnica
Dirección, idea original y coreografía: Fernando Lima
Intérpretes: Álvaro Silva, Daniel Gómez, Manuel Acuña, Sergio Fuentes
Diseño de iluminación: Diego Cousido
Música original y mezclas: Depipió
Vestuario: El Punto! Danza Teatro
Fotografía: Daniel Gómez
Gestoria y administración: Swot Elipse Consultores

Residencias de creación: Casa de las Artes de Alanís, Conservatorio Profesional de Danza de Sevilla
Producción y comunicación: Alysson Maia – Eléctrica Proyectos Culturales
En colaboración con Agencia Andaluza de Instituciones Culturales/Consejería de Cultura de la
Junta de Andalucía.

El Punto! Danza Teatro es una compañía gestionada por Eléctrica Proyectos Culturales,
Asociación Cultural que tiene como objetivo difundir y promocionar las artes y culturas
contemporáneas y del cuerpo en movimiento, diseñando y produciendo eventos, programas y
creaciones propias.


El Punto! Danza Teatro se forma en Sevilla en 1997 dando continuidad al trabajo que el coreógrafo, actor y gestor cultural brasileño Fernando Lima viene desarrollando en España desde 1992. La compañía adopta un lenguaje personal que nace de la necesidad de mezclar distintas disciplinas artísticas.

“Crear partituras coreográficas con nuestra propia cotidianidad como telón de fondo para las discusiones y reflexiones que planteamos, pues lo que sugerimos no es más que la confrontación con una parte de nosotros mismos”, explica el coreógrafo.

El diseño de sus piezas navega en una atmósfera onírica donde elementos muy cercanos a nosotros ganan una dimensión lírica, cargada de simbología. El trabajo dramatúrgico, como búsqueda de un diálogo que sirva para conectar y comunicar, es el punto de partida para la
creación de sus espectáculos.

Desde su inicio la compañía ha creado los siguientes espectáculos: Las tres miradas de un Dandy; Una Piedra en mi Zapato; Jaula de Grillos; Otra Metamorfosis; I.S.L.A. My, Your, Our Landscape; Una palabra siete pecados; Sobre el peso de la luz; Animals`Party; En construcción, dentro de la voz; Reconstrucción; entre varios otros. Estas obras han estado presentes en distintos festivales nacionales e internacionales.




RESIDENCIA DE CREACIÓN  11 al 17 de Mayo   TEATRO
Presentación: Sábado 16, 20h. Domingo 17, 19h.

TEATRO XTREMOS  / Jaén
“Oblivion o Cisnes que se reflejan como Elefantes”
dirección: Ricardo  Campelo Parabavides

LA FUNDICIÓN
,  en su apartado de acción como Centro de Recursos, y en relación a los procesos de investigación, creación y producción, conecta con la necesidad de las compañías de disponer de un espacio para llevar a cabo estas fases de su/s proceso/s, para lo cual se propone colaborar con éstas ofreciendo equipamiento y espacio de trabajo en las fechas previas a la presentación de la pieza en el programa de  La Fundición.
Por otro lado, como Espacio interesado en desarrollar la conexión con las audiencias y otros profesionales, La Fundición plantea la Residencia como una herramienta de acercamiento que tienda puentes entre los procesos creativos, los artistas invitados y los locales, y todo aquel interesado en conocer más de cerca el entramado de la puesta en marcha y/o en escena de una nueva creación y su dramaturgia.


¿Cuánto más podré vivir? ¿cuánto más podré soportar?
En L'incoronazione di Poppea de Claudio Monteverdi hay una bella nana que canta Arnalta a Poppea “oblivion soave”, cada noche necesito oírla para poder dormir…, la vida me pesa, nos pesa.
Hay otro Oblivion el “oblivion eterno”… éste trata sobre la no existencia, sobre ese estado al que llegamos una vez muertos.
No sé cuál de esos oblivion busco, no sé qué significa este cansancio crónico.
Siempre he pensado que la mayéutica es la mejor formar de hacer aflorar el conocimiento: la pregunta adecuada en el estado adecuado debe generar la respuesta adecuada. Pero esta vez ha fallado.
De repente en mitad de la noche surge un recuerdo, un lago de espejos, tres cisnes, algunos árboles secos… no sé si somos eso, o los elefantes de sus reflejos.
Paranoico-crítico, acertado nombre para un método.
Dalí no viene al rescate, solo me da un sueño.

Necesito olvidar, cómo coño hago esto,
Necesito dormir, cómo coño hago esto.
Muerte, sueño eterno.
Quisiera ser puro como un átomo, puro como un cerdo.
Olvido, dulce olvido.
El día es luminoso a pesar de que el sol se ha dormido.


En escena: Ruth González, Juan Carlos Blancas / Coeval, Luiggi Falcone y Ricardo Campelo Parabavides
Coordinación técnica: Fernando Gómez Cobo
Música, paisajes sonoros: Juan Carlos Blancas / Coeval
Iluminación: Luiggi Falcone
Fotografías: Miguel Ángel García
Espacio escénico, dramaturgia y dirección: Ricardo Campelo Parabavides


RICARDO CAMPELO PARABAVIDES
Director de escena formado en la fundación Rajatabla de Caracas, Venezuela. Director de Teatro Xtremo. XXIII edición Premio “José Luis Alonso” para jóvenes directores otorgado por Asociación de Directores de Escena de España. III edición Premio Emprende otorgado por el Ayto. de Jaén. IX edición Premios Jóvenes Jaén modalidad Arte otorgado por el Instituto Andaluz de la Juventud. Mención especial del jurado a la propuesta más provocadora y arriesgada del VII Festival Iberoamericano de Mar del Plata – Argentina.

RUTH GONZÁLEZ
Estudió canto con Raúl Giménez, Josefina Arregui y Ángeles Chamorro.
Se especializa en repertorio contemporáneo con el VocaalLab (Holanda)
Ha cantado en diversos Teatros de la Opera en España, Costa Rica y Argentina.
Premio a la “Mejor Actriz de Reparto” en los Premios Gran Via de Teatro por su papel de Toby en “Sweeney Tood” de Estephen Sondheim.

JUAN CARLOS BLANCAS / COEVAL

Técnico de sonido y músico electrónico. Con el alias de Coeval, desde mediados de los noventa, primero junto a José Alberto Gaspar y luego en solitario, viene creando música digital e impartiendo diversos talleres relacionados con la música con ordenador y la fonografía, además de organizar desde el año 2003 el festival Sonikas. Profesor en el Master en Composición Electroacústica y en el Master en Composición para medios Audiovisuales: MCAV, ambos en el CSKG.

LUÍS GARCÍA SÁNCHEZ
Formado en Iluminación en el CTE -Centro Técnico del Espectáculo- . Ha trabajado con numerosas compañías y Teatros. Actualmente es Iluminador y técnico de iluminación en el Teatro del Barrio de Madrid y Profesor Colaborador de Cursos Iluminación en el CTE.

 
REGARDS CROISÉS/MIRADAS CRUZADAS/BEGIRADA GURUTZATUAK
Sábado 9 mayo 20h.,  Domingo 10 mayo 19h. DANZA

CIE de SONGES  (Burdeos)
DONC EN RÉSUMÉ,JE CONTINUE À RÊVER...
“me gustaría salir… no sé… ir a ver las pirámides…”

Con este nuevo proyecto, que toma como punto de partida una serie de testimonios recogidos en Cuba y en Francia, antes de deshacerse de ellos poco a poco la compañía desea explorar la relación del individuo con el mundo que lo rodea, su capacidad para responder, para crear en su vida cotidiana unas ventanas para respirar.
En el escenario, tres intérpretes inician un vaivén entre el tiempo de la actuación y del testimonio, hasta dejarse invadir por la ficción. Y aquella historia que se inventa, es la de un encuentro, la de encuentros cruzados, la inmensa esperanza depositada en el « allá », la oportunidad de medir los límites de determinados ideales.
Aquí las palabras y los cuerpos dialogan para inventar un tiempo en el que valdría la pena aprovechar cada intento para existir.

Ella y él se conocen desde hace mucho tiempo. Se han construido juntos, se han vuelto a reunir, han tomado caminos diferentes.. Ella, muy pronto 35 años está como paralizada por el miedo, por la pérdida de confianza y por la desilusión. El, igualmente en la treintena, es más combativo , más confiado, se adapta mejor a la velocidad de su época. Son como dos polos alejados, casi como dos simbolos : el que detiene la acción, que se para ante el peligro, y el que corre, riéndose y cerrando los ojos, sin preocuparse por lo que vendrá….

El otro (el que baila) viene de mas lejos y « no ha visto nunca la nieve » . Los tres se relacionan a través de la voz y el movimiento con esa filigrana de situaciones que está en la base de nuestras sociedades : cada uno desconfía del otro,  de su forma de ser, de pensar, de sus diferencias, …, hasta que ya cansados, deciden dejar que ocurra el cambio…

Dirección: Thibault Lebert
Con los intérpretes: Laëtitia Andrieu, Jérôme Thibault, Ismel Gonzalez Perez
Coreografía: Lauriane Chamming’s
Sonido: Karina Ketz
Iluminación: Jo´se Victorien
Escenografía: Thibault Lebert
Escritura colectiva: Laëtitia Andrieu, Thibault Lebert

LA COMPAÑIA
La Compagnie des Songes fué fundada en 2003 por Thibault Lebert, tras sus estudios en los Conservatorios de Limoges y de Bordeaux.
Creaciones bajo la dirección de Thibault Lebert :
Triptyque 2005 : Stabat Mater Furiosa de Jean-Pierre Siméon
2006 : Aïe un poète de Jean-Pierre Siméon.
2007 : La lune des pauvres de Jean-Pierre Siméon
2008 : 4.48 Psychose de Sarah Kane
2009 : Des couteaux dans les poules de David Harrower
2011 : Le jour des meurtres dans l’histoire d’Hamlet de Bernard-Marie Koltès
Con el apoyo de:
l'Office Artistique de la Région Aquitaine /la Région Aquitaine /le Conseil Général de la Gironde / la Compagnie des Songes /
 
LA FUNDICIÓN CREA UN TALLER DE ESPECTADORES
Jueves 7  de MAYO / 20h   ENTRA DA LIBRE


 - Ana López Asensio, Directora de Cultura y Juventud del Ayuntamiento de Leioa que nos acompañará para hablar de su trabajo: la gestión y la programación y también para explicarnos un formato de programación especial: la Feria HUMORE AZOKA de Leioa que tendrá lugar del 21 al 24 de mayo
- El Master de Artes Escénicas de la UPV , representado por Eneko Lorente
como director del mismo, y “las diferentes estrategias para pensar y poner en práctica la escenificación de un texto dramático, en este caso La Tempestad, mediante la investigación en la práctica, a través del propio proceso creativo”. Le acompaña Maria Fdez. de Viana como implicada en el proceso.
- Retomaremos el análisis de las piezas propuestas anteriormente (si , esas que el entusiasmo de las intervenciones nos ha hecho posponer)
Como siempre, os esperamos.



La Fundición “Taller de espectadores” de creaciones contemporáneas en artes escénicas.
Lo plantea como un club para personas, de todos los horizontes profesionales, interesadas en debatir y analizar temas como: artes escénicas, nuevas tendencias escénicas, nuevas tecnologías, nuevas propuestas en danza y teatro, relación con el público o la programación de La Fundición, además de otros posibles asuntos para la discusión creativa

En las reuniones, se disfrutará también de encuentros con coreógrafos, directores, bailarines, representantes de medios de comunicación, de Talleres de mediación, y expertos en la práctica teatral

Este Taller de espectadores de La Fundición se abre como un espacio para el enriquecimiento personal y la formación técnica de sus participantes como interesados en estas cuestiones artísticas de vanguardia, a través del debate, la exposición, el análisis, el descubrimiento de nuevas formas, el intercambio de opiniones y los encuentros con destacados creadores e intérpretes actuales de las diferentes ramas de las artes escénicas Los debates serán conducidos por David Barbero. En ellos, contaremos, además, con la presencia de críticos y/o periodistas especializados en cultura, creadores y/o compañías, que presenten sus estrenos y procesos y procesos de creación.
Dia 28 de abril, a las 20h  / CINE DE DANZA /  Entrada libre
Para sumarse a la celebración del Día Internacional de la Danza, La Fundición propone en este aniversario  la presentación de una serie de Cortos de Danza (la selección de cortos de CHOREOSCOPE, festival para la divulgación de esta especialidad)

http://choreoscope.com
Choreoscope, Festival Internacional de Cine de Danza de Barcelona. Tiene una filosofía clara: dar a conocer el cine de danza en el Mediterráneo y acercarse, no solo a un público experto, sino también a aquel poco habituado con el género. Choreoscope es para aquellos que exigen algo diferente, único y especial, en definitiva, para los que “se mueven”.
Presentado por el director de Choreoscope: Janos Loránd


LISTA de películas que se proyectarán (en orden alfabético, no de proyección)
   1.    BUTTERFLY
Nueva Zelanda, 2004 / 5 ´55´
Director JOEY DE GUZMAN
Coreógrafo KIMMY YOUNG


De niño, mis amigos y yo soliamos cazar insectos como escarabajos y libélulas arrancándoles las patas y la alas sin ningún sentido de la compasión. Eso era la inocencia. Ahora, de adulto, me parece horroroso y casi diabólico. …. Butterfly es un oscuro poema visual que encapsula esta pérdida de la inocencia.

2.    DANCE WITH ME
España, 2014 / 4´30´
Director CRISTINA MOLINO
Coreógrafo SAMUEL RETORTILLO


Ella y Eric viven una  intensa historia de amor. Con una promesa que  lo hará eterno.

3.    DANCE MACABRE
Canadá,   2009 / 5´35´´
Director PEDRO PIRES concepto ROBERT LEPAGE
Coreógrafo ANNEBRUCE FALCONER

Por un momento, mientras parece que todo está perfectamente quieto, la carne sin vida responde, se estira y se contorsiona en un ballet macabro. Estos espasmos son meros movimientos erráticos, o son el eco de torsiones y giros de una vida anterior?

4.    DANCER À PARIS
Canadá, 2013 / 5´35´´
Director ELISABETH DESBIES
Coreografia grupal


10 bailarines, en 10 lugares distintos de una ciudad, improvisan durante una hora. Un encuentro sensual, sensible y carnal entre el intérprete y la ciudad. Una ósmosis natural que revela la influencia del entorno sobre el comportamiento.

5.    INERTIAL LOVE
España, 2013 / 6´35´
Director HERMANOS ALENDA
Con JAVIER REY, ANNA ALEN, MANUELA VELLÉS
La relación de Anna y Javier se queda sin gasolina. Anna pisa el freno y Javier
será arrastrado por la inercia hasta que aprenda a superarlo.

6.    LIKE MIKE
EUA,  2011 / 6´36´´
Director DANIEL CLOUD CAMPOS
Coreógrafo DANIEL CLUD CAMPOS


Hay cosas que nunca deberían encontrarse, cosas que nunca deberían abrirse, cosas que nunca deberían robarse. Nunca habrá otro como Mike. Se auténtico contigo mismo y nunca habrá otro como TU….

7.    ME - STORY OF A PERFORMANCE
Finnlandi, Japón, Estonia, 2013 / 7´30´´
Director JOPSU MRAMU, TIMO RAMU
Coreógrafo JOHANNA MUUTINEN


La performance desde diferentes perspectivas: cómo es percibida por el intérprete, por la audiencia, y cómo se puede ver desde la objetividad del mero código. A través de esto llegamos a la interpretación de otro universo: la pieza es creada y nos absorbe para que formemos parte de ella.

8.    OFF GROUND
Holanda, 2013 / 12´32´´
Director BOUDEWIJN KOOLE
Coreógrafo JAKOP AHLBOM

Una habitación gris claro. Una mujer delgada, de unos 50 años y un niño de 12. Unidos como los eslabones de una cadena. Cambiando de posición continuamente. Un movimiento fluido: sin perder el contacto. Un juego entre la madre y el hijo. Una especie de tango. El sonido de los pies. De la respiración. Sonrisas. Hasta que de repente la madre suelta las manos…

9.    SPIN
Alemania, 2010 / 3´55´´
Director MAX HATTLER


Soldaditos de juguete andando y moviéndose  armónicamente, girando y dando vueltas… y explotando. Cuando el conflicto se convierte en espectáculo, las líneas entre destrucción y entretenimiento se desdibujan…


10.    SUMO LAKE
Australia, 2011 / 3´00´´
Director GREC HOLFELD


Lo que querían hacer era luchar: un trabajo de animación para re-leer “El lago de los cisnes” con luchadores de  sumo.

11.    VANISHING POINTS
Canada, 2014 / 8´42´´
Director MARITES CARINO
Coreógrafo TENTACLE TRIBE

Como dos moléculas que, sin saberlo, afectan la una a la otra en su espacio y que cruzan brevemente sus caminos, estos bailarines de  hip-hop chocan y comparten fugaces  momentos de sincronicidad muy íntima en las calles de Montreal.


choreoscope.com
Si hay algo que todos tenemos en común, es el movimiento. Según diceAkram Khan: "El movimiento es el ingrediente esencial con el que el mundocontinúa, o sobrevive."

Cuando el movimiento del cuerpo se fusiona con el movimiento
cinematográfico nace uno de los géneros audiovisuales más auténticos: el cine de danza. Mientras que las palabras pueden engañar, el lenguajecorporal, no.

Choreoscope es el Festival Internacional de Cine de Danza de Barcelona.
Tiene una filosofía clara: democratizar el cine de danza en el Mediterráneo y acercarse, no solo a un público experto, sino también a aquel poco habituadocon el género. Choreoscope es para los que exigen algo diferente, único y especial; en definitiva, a los que se mueven.
A pesar de ser un festival joven (su primera edición se celebró en 2013),Choreoscope ha sabido destacar dentro del panorama internacional parasituarse poco a poco como un festival de referencia sui generis.

Choreoscope no solo apuesta y apoya a los creadores y artistas del sectorpara que se comuniquen con el público a través de sus obras, el festival también trabaja activamente en ofrecer una propuesta nueva y de calidad para la ciudad de Barcelona y pretende contribuir en la vertiente académica de la investigación del movimiento.

Con el objetivo de hacer llegar estas joyas cinematográficas a un público más amplio posible, Choreoscope Barcelona está trabajando en la creación de una red internacional de colaboraciones, cuyo objetivo es llevar las selecciones oficiales del festival a otras ciudades y países del mundo. Al fin y al cabo, el movimiento es un lenguaje universal. Tal y como pronunció Merce Cunningham: "Estamos acostumbrados a que las cosas se expliquen con palabras, pero para mí ha sido siempre a través del movimiento." Para Choreoscope, también.
 
25 de Abril 20h. / 26 de Abril 19h. DANZA
BLANCA ARRIETA - Bilbao
Argh!


La determinación de estar, respirar y jugar en el lugar que ocupamos, sabiendo que aquello que se repite se experimenta siempre de forma diferente. La reivindicación de un tiempo y un espacio para imaginar y sentir.

Desde ahí crear vínculos. Buscamos ese momento insólito, ese estar con el otro en completo equilibrio y absoluta complicidad.


Un lenguaje coreográfico que articulamos a través de un tiempo que va y vuelve, desplegándose en un espacio sonoro de recorridos cortos, fracturado y en continuo juego con el silencio. Seguimos hablando del conflicto en cualquiera de sus formas, buscando un equilibrio sin olvidar lo ambiguo, lo inestable y todo aquello que nos define.
Todo comienza con un suspiro y también todo parece querer terminar con otro, ambos igual de importantes, aunque disímiles. En el camino, un deambular de respiraciones. ¿Acaso no nos hemos sentido así alguna vez?. ¿Acaso hemos olvidado la manera de estar juntos?.

Coreografía y dirección: Blanca Arrieta
Creación: Pilar Andrés, Robert Jackson, Blanca Arrieta
Intérpretes: Pilar Andrés, Robert Jackson
Música original: Itziar Madariaga
Diseño de iluminación: Oscar Grijalba
Espacio escénico: Marc Cano

Producción: Mauma Kultur Elkartea
Videocreación: Ana F Henry, Beatriz Catalán / Dreaminpictures
Fotografía: Juan Félix Ruiz
Subvenciona: Gobierno Vasco-Eusko Jaurlaritza
Residencia artística: Muelle3, espacio de danza y creación,
Residencia artístico-técnica: Kurtzio Kultur Etxea, Sopela
Colabora: CDART, Erandio

Blanca Arrieta
Coreógrafa e intérprete. Desde el año 2000 Blanca Arrieta investiga sobre las particularidades del movimiento y la percepción del tiempo tanto escénico como interpretativo. Arriesga en la búsqueda de una metodología que le permita crear pequeños mundos desde lo físico, llenando el espacio de tensiones y cuestionando nuestros límites, persiguiendo el detalle y las sutilezas. Los trabajos de Blanca son el resultado de una minuciosa investigación donde se juega con el equilibrio entre movimiento y gesto profundizando en un lenguaje siempre personal que nace del propio cuerpo.

Obras creadas: “Frágil“ (2008-10) coproducida por Montréal Danse (Canada), “Chalada” (2009), “En la ciudad de los ángeles” (2008), “Rest” (2007) coproducida por Teatre Mercat de Les Flors (Barcelona), “Muda” (2007), “Memoria” (2005), “Efecto mariposa” (2005), “3.600” (2004), “Zero” (2002), “Vértigo” (2000).
Jueves 23 Abril 20h / TEATRO
TEATRO DE AÇÚCAR / Brasil- Euskadi
“Adaptação”

de Gabriel F.




Adaptação” se estrenó en Brasília en Enero de 2013
La pieza ha sido galardonada en los Premios SESC de Teatro 2013, con los premios al mejor Actor, Dramaturgia y nominada como mejor Espectáculo.


Después de meses de intentos frustrados, un director teatral se desespera ante su incapacidad de montar un espectáculo, no tiene ideas, ni originales, ni corrientes. Todas han sido ya utilizadas y ahora solo existe un vacío inmenso y blanco: Una hoja de papel A4. En el punto álgido de su falta de inspiración, encuentra en la adaptación literaria la posibilidad de salvarse. Comunicarse con las palabras de otro.
Elegir un texto que ya ha sido escrito, y plasmar sobre él su propia versión, como si fuesen suyos los sentimientos y las ideas de otro autor...pero ya es tarde para intentar cambiar las cosas...el espectáculo se estrena en 15 minutos.
Mediante un lenguaje claro y objetivo, el espectáculo “Adaptação” encuentra en las cuestiones existenciales la materia prima para ahondar en el lado más visionario del ser humano: Esta parte soñadora que contrasta con esta era tan moderna y avanzada, y asusta, el presente que precede al futuro .y la falta de seguridad que provoca en el individuo.
“Adaptação” usa el humor para exponer de forma sutil, musical y divertida el miedo que todos tenemos a un final: dejar de existir, morir, envejecer.o lo que es mas terrible, apenas sobrevivir mientras se vive...el miedo humano a pasar desapercibido en la vida, el miedo constante de no dejar ningún legado. En definitiva, el siempre actual y futurista miedo a la soledad...

“Adaptação” es el espectáculo póstumo de la Cia. Teatro de Açúcar, que decidió morir en 2012, víctima de una crisis crónica que padece el teatro y las artes independientes. El espectáculo cuenta la historia de unos personajes en un momento de adaptación como medio de supervivencia: Un director teatral frustrado, que no consigue salir de una crisis creativa y decide cambiar de profesión; Una actriz recién llegada a la gran ciudad, que necesita acostumbrarse a la soledad del nuevo estilo de vida; Una transexual, que adaptó su cuerpo para poder seguir viviendo en él. Un dinosaurio que no sabe si sobrevivirá a las adaptaciones de su especie. Todos están unidos por un drama común: el miedo de morir, transformarse, dejar de existir… como si un escritor escribiese o adaptase sus historias, recreando, agregando, y lo mas temible, eliminando personajes.

Texto, Dirección e Interpretación: Gabriel F.
Ayud. Dirección e Iluminación: Igor Calonge
Música Original y Dirección Musical: Marco Michelângelo
Producción Musical: Rubi
Escenografía y Vestuario: Gabriel F.
Producción: Gercy Fernandes
Pianista: Renio Quintas
Fotografía:(estudio) Gabriel F. (teatro) Diego Bresani
Subvencionado por la Secretaria de Cultura de Distrito Federal

Adaptação
Monólogo original Duración: aprox 55’ Brasil/España, 2013
Idiomas: Versión en Castellano Versión en Portugués

Gabriel F. (Premio Sesc 2013 a Mejor Actor) es Licenciado en Artes Escénicas (Facultad de Artes Dulcina de Moraes – Brasília), Universidad en la que ejerció como profesor durante dos años. Desde 2007 comparte la dirección con Marco Michelângelo, y ejerce como actor, músico, escenógrafo, productor y dramaturgo para construir los espectáculos de la Cía.Teatro de Açúcar, un nucleo de investigación y producción de espetáculos con dramaturgia original e intenso trabajo interpretativo: “Além do que se vê”(espectáculo de estreno de la cía., cuatro nominaciones a los Premios Sesc de Teatro – 2008; ganador en las categorías: Mejor Escenografía y Mejor actriz); “Tenho febre, mas vou buscar nos sodinheiro”, (Teatro Goldoni, Brasília - 2009); “Máquina de Gargalhadas” (espectáculo seleccionado para los Prêmios Sesc de Teatro – 2009); “Movie about theCity”, (estrenado en en Cine Brasília, dentro de la programación del Festival Internacional Cena Contemporânea – 2010); “A Vida Impressa em Xerox”(Teatro Plínio Marcos, Funarte - 2012) y “Adaptación” (estrenado en Brasília en Abril y en Madrid en Junio de 2013), en coproducción con la cía. Cielo Raso (País Vasco). Los espectáculos de Teatro de Açúcar se caracterizan por su intenso trabajo de dirección de actores y dramaturgia original, unido a una puesta en escena de excepcional belleza estética, siempre centrados en temáticas que investigan y discuten la complejidad humana, de una manera sutil, musical y divertida, pero sin perder el peso de cada discurso.
18 de Abril 20h. 19 de Abril 19:00h. Teatro de Humor
PEZA EN RAYA / Sevilla
"Mr. Kebab"


Mr. Kebab llega sin ninguna estrella Michelin para deleitarnos con una velada de humor, magia y mucho surrealismo que absurdamente intenta darnos gato por liebre a base de carcajada limpia.
“… Irreverente, maravillosamente absurdo y simplemente brillante.” (Süddeutsche Zeitung)
“Joan Estrader es un pan tumaca de Carol Burnett y Lucille Ball. Y ahí quede eso dicho para la posteridad.” (La Clá)

Joan Estrader. En 1997 funda junto a Cristina Medina, Pez en Raya. Desde entonces 9 espectáculos de creación y producción propia que les ha hecho girar por los escenarios de medio mundo. Festival Internacional de Clown de Nueva York, Festival Internacional de Teatro de Shanghai (China), Festival Internacional de Teatro de Edimburgo (Escocia), Festival de Teatro del Absurdo de Castelvetro (Italia), Festival de clown de Zurich (Suiza), Festival Internacional de Humor de Madrid, Venezuela, Colombia, Costa Rica, El Salvador, Inglaterra, … y un largo etc dentro de nuestras fronteras…
 
“CURSO DE HUMOR PARA TORPES”
Impartido por: Joan Estrader

Día: sábado 18 de Abril
Horario: 10.00 / 14.00
Precio: 25€

Dirigido: Para todos aquellos interesados en conocer como se construye el humor.
Fecha limite de inscripción: viernes 10 de Abril.
Más información: tf. 94. 475 3327 (mañanas)


Un curso de humor práctico y poco teórico donde descubrimos la forma en que “Pez en Raya” elabora sus espectáculos, con su particular humor absurdo.
Taller diseñado para a todo aquel que busca descubrir y desarrollar sus habilidades cómicas utilizando como herramientas la improvisación, el juego y la complicidad con el compañero y el público.
El objetivo del curso es encontrar el placer en nuestra propia estupidez, disfrutar del fracaso y potenciar las cualidades cómicas de cada uno, sin miedo al ridículo.


Joan Estrader estudió en el Instituto de Teatro de Barcelona y se formó como clown en la École Philippe Gaulier en Londres. Ha realizado cursos con Theatre de Complicite, Monika Pagneux, Marcello Magni… En 1997 funda junto a Cristina Medina “Pez en Raya”. Desde entonces 9 espectáculos de creación y producción propia que les ha hecho girar por los escenarios de medio mundo.
 
LA FUNDICIÓN CREA UN TALLER DE ESPECTADORES
Jueves 16  de Abril  / 20h / ENTRA DA LIBRE



La Fundición “Taller de espectadores” de creaciones contemporáneas en artes escénicas.
Lo plantea como un club para personas, de todos los horizontes profesionales, interesadas en debatir y analizar temas como: artes escénicas, nuevas tendencias escénicas, nuevas tecnologías, nuevas propuestas en danza y teatro, relación con el público o la programación de La Fundición, además de otros posibles asuntos para la discusión creativa

En las reuniones, se disfrutará también de encuentros con coreógrafos, directores, bailarines, representantes de medios de comunicación, de Talleres de mediación, y expertos en la práctica teatral

Este Taller de espectadores de La Fundición se abre como un espacio para el enriquecimiento personal y la formación técnica de sus participantes como interesados en estas cuestiones artísticas de vanguardia, a través del debate, la exposición, el análisis, el descubrimiento de nuevas formas, el intercambio de opiniones y los encuentros con destacados creadores e intérpretes actuales de las diferentes ramas de las artes escénicas Los debates serán conducidos por David Barbero. En ellos, contaremos, además, con la presencia de críticos y/o periodistas especializados en cultura, creadores y/o compañías, que presenten sus estrenos y procesos y procesos de creación.

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Residencia de Creación  del 6 al 17 de Abril
Presentación de Residencia  17 a las 13.00h.  / Entrada libre

“La Casa de Asterión”
Una producción de Teatro de la Arena  /  Valladolid – Bilbao
Dirección del montaje: Miguel Jerez
Interpretación: Josu Angulo

Grupo Teatro de la Arena, fundado en 2014 por Miguel Jerez en Valladolid. Está pensado como Grupo de Teatro y no como compañía teatral tomando términos heredados del OdinTeatret, Eugenio Barba y el Tercer Teatro que fue definido como esa subcultura de grupos teatrales no comerciales y no vanguardistas cuyas inquietudes y motivaciones personales y artísticas vertebran y guían su trabajo.
Islotes aislados e interrelacionados dentro de la comunidad teatral que priorizan y dan el espacio suficiente para la investigación y el desarrollo de procesos artísticos anclados y arraigados en la tradición del arte del actor/bailarían de cualquier cultura.

Teatro de la Arena pretende ser un tiempo, un espacio y un lugar donde poder llevar a cabo proyectos que desarrollen personal y artísticamente a los miembros del grupo respetando y utilizando sus diferencias como punto de partida e investigando y rompiendo los límites de lo conocido como proceso.

Origen del Proyecto
La Casa de Asterión
es un proyecto experimental de creación teatral contemporánea. Se inició en Julio de 2014 en Valladolid con un laboratorio de entrenamiento actoral en el que se trabajó desde diferentes enfoques y maneras sobre las acciones físicas y la creación de materiales escénicos que coordinó el director del Grupo Teatro de la Arena, Miguel Jerez.
Se le pidió al actor participante que trajese “materiales” sobre los que trabajar como textos, canciones, músicas, vestuario, objetos, etc… y como única premisa temática se propuso el tema de lo que se llamó “Los Autsiders”: los desheredados, los sin nombre, los exiliados, los héroes, los rechazados, aquellos que luchan solos, contra todo, contra la propia corriente, contra su propia tendencia. Los mal nacidos, los malditos, los salvadores del mundo y los mesías.
Este tema será la primera columna vertebral del proyecto.


Miguel Jerez, actor, pedagogo y director del Grupo Teatro de la Arena. Formado en la Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León y en el Odin Teatret durante 3 años como parte del OTA. Complementa su formación en otras disciplinas como la danza y el circo ampliamente.

Josu Angulo actor y pedagogo teatral. Formado en la Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León, habiendo cursado previamente estudios en la Ecuela de Artes Escénicas Artebi (Bilbao) y realizando talleres con Ricardo Iniesta (Atalaya T.N.T) entre otros.




La FuNdiciIOn  programación para los meses de Abril, Mayo, Junio 2015
MOVILIDAD e INTERNACIONALIZACION
 
En este trimestre La Fundición mantiene la continudad de los proyectos para la movilidad  e internacionalización de l@s artistas vascos,  especialmente con Francia en este caso.
Proyectos que desarrollan presencias globales : presentación a las audiencias, sensibilización, encuentros y talleres para profesionales y estudiantes, además de las piezas coreográficas propiamente dichas.
En mayo disfrutamos de la segunda fase de la 4ª edición 2015 del proyecto REGARDS CROISÉS /MIRADAS CRUZADAS/ BEGIRADA GURUTZATUAK, organizado en colaboración con LE LABO del MalandainBalletBiarritz de Biarritz y el Teatro Le GLOB de Burdeos, el nuevo socio en esta edición.
BLANCA ARRIETA y LASALA, que  llevaron ya su trabajo a Biarritz en marzo se presentarán ahora en el Teatro Le GLOBE de Burdeos, del 4 al 7.
El equipo artistico francés seleccionado para Bilbao, la Cie. des SONGES, vendrá a La Fundición los dias 8, 9 y 10 de mayo con una pieza que hace referencia al encuentro con el otro, con el « extraño », sobre testimonios de personajes de Cuba y Francia, dos países que han hecho la Revolución.