Un Teatro para la ciudad. Disfruta y comparte la creación contemporánea en Bilbao. Bilboko kreazio garaikiedeak disfrutatzeko eta iritzia emateko. Teléfono: 944 753 327 Fax: 944 759 115 Dirección: Francesc Macià 1-3 48014 Bilbao http://www.lafundicion.org/

Entradas 10€ / Todos los actos comienzan a las 20:00h. excepto domingos 19h. Reservas y venta de entradas: En cajeros Internet en la pg. de La Fundición o en taquillas el día del espectáculo. Reservas en taquilla Tf. 994 753 327 hasta las 1/2 hora antes del comienzo. No se permite la entrada una vez comenzada la representación.


EL CONDE DE TORREFIEL / Barcelona ESIDENCIA DE CREACIÓN: 23 al 29 de Marzo

RESIDENCIA DE CREACIÓN: 23 al 29 de  Marzo 
Presentación de residencia: 

Viernes 27, sábado 28  20h. domingo 20  19h.
EL CONDE DE TORREFIEL / Barcelona
“Gerrilla 4”

http://www.elcondedetorrefiel.com/

“GUERRILLA 4”
El Conde de Torrefiel está creando una serie de piezas tituladas Guerrilla, en vista de un  próximo estreno en junio del 2015. Hasta ahora las Guerrilla han sido propuestas que atacan la relación existente entre la acción masiva y el pensamiento individual, y cuya forma y dinámica se acerca a la acción performativa. Guerrilla 4 se caracteriza en cambio por ser la primera entrega cuyo trabajo se centrará en aspectos más teatrales y relacionados con el trabajo de los intérpretes. Seguimos investigando escénicamente las posibilidades de representar en escena la doble vida de los tiempos actuales, la vida real y la vida deseada: la acción y los pensamientos. Después de una residencia de una semana de duración en La Fundición, El Conde de Torrefiel presentará una propuesta de momentos individuales, textos y acciones que empezarán a dar forma y desarrollar la trama que  vertebrará el futuro espectáculo.
Hasta el momento Guerrilla ha sido un ciclo performático de conferencias en el Espai Nyam Nyam de Barcelona, una conferencia en Manchester, un concierto en Pamplona y una sesión de electrónica en el Antic Teatre de Barcelona.

Idea y creación: El Conde de Torrefiel
Dirección y dramaturgia:  Tanya Beyeler y Pablo Gisbert
Texto: Pablo Gisbert
Intérpretes:  Nicolás Carbajal, Albert Pérez, Pablo Gisbert
Iluminación:  Octavio Más
Música y Espacio sonoro: Rebecca Praga, Rafael Quiñonero.
Producción ejecutiva:  Tanya Beyeler 
Fotografía:  Vincent Távola 

El Conde de Torrefiel 
es un grupo de artistas residentes en Barcelona que se reúnen para trabajar en escena. Sus creaciones tienen como punto de partida el arte plástico, la literatura contemporánea y la performance. Su finalidad es confrontar realidades y trascender los parámetros del lenguaje verbal, para convertir las constantes de la comunidad en poesía escénica.
El Conde de Torrefiel se propone desmembrar y analizar la realidad del tiempo actual o ciertas partes que la constituyen, tal y como la experimentamos en cuanto seres humanos; para disociarla y trasladarla después a la acción, construyendo su discurso a través de la palabra y la abstracción del movimiento.
Su trayectoria se inicia con las piezas cortas La Discreción, La Vulgaridad y El Entretenimiento (que componen la trilogía La historia del rey vencido por el aburrimiento, 2010, l’Antic Teatre). En 2011 La Porta Barcelona comisaría un video para la IV edición de su ciclo Sobrenatural: Morir Nunca (Festival LP’11, Barcelona). Ese mismo año Pablo Gisbert recibe el accésit del Premio Marquès de Bradomín por su texto Un cine arde y diez personas arden; y se presenta la primera versión de Observen cómo el cansancio derrota al pensamiento (La Porta BCN, Festival SISMO-Matadero Madrid, Teatro Glej de Ljubljana, Noves Escenes Noves Mirades de La Pedrera y Festival NEO – Mercat de les Flors).
Paralelamente a El Conde de Torrefiel, Pablo Gisbert y Tanya Beyeler forman parte del equipo artístico de la compañía de danza La Veronal.

RESIDENCIA DE CREACIÓN: 10 al 13 de marzo / COLLECTIF a.a.O (Francia)






RESIDENCIA DE CREACIÓN: 10 al 13 de marzo 
Viernes:   13 Marzo  
TALLER abierto a profesionales y estudiantes + conversación abierta con público interesado

Sábado 14 de Marzo a las 20h.  DANZA
COLLECTIF  a.a.O (Francia)
“Ether”
Carole Vergne

Una pieza sensorial en el cruce  de la danza y la informática…

ETHER es una inmersión coreográfica y virtual que tiene su fuente en la exploración espacial de un territorio gráfico y onírico llamado Western.
Western teje una topografía alegórica que pone en cuestión nuestra capacidad de adecuación y domesticación en esto que se revela como “el lugar del después”, donde se reflejan, se chocan, se entrelazan y se separan formas de ausencia y de presencia encarnadas por identidades solitarias. ETHER es una de ellas.
Es el primer personaje de la serie Western. Un ser cuyo potencial de adaptación está a la escucha del entorno inestable, de un paisaje en flujo inasible… Ether es la experiencia de un desequilibrio, de un diálogo flexible con el peso, de un ir y venir que se inscribe en la profundidad de campo...

Intérpretes: Carole Vergne y Hugo Dayot
Colaboración artistica: Bastien Capela y Hugo Dayot 
Iluminación: Fabrice Barbotin 
Sonido: Benjamin Wunsch 
Escenografía: Carole Vergne et Hugo Dayot
Creación de imagen y video Western: Carole Vergne 
Realización de escenografía: Philippe Debon 
Colaboradores :
Agence Culturelle Dordogne-Périgord ; Agglomération Sud Pays Basque ; Agora de Boulazac Scène conventionnée Arts du cirque ; CCN de Biarritz / Malandain Ballet ; CCN de Roubaix / Ballet du Nord ; Centre culturel Michel Manet – Bergerac ; Conseil Général des Landes ; Conservatoire à rayonnement  Régional de Bordeaux - Jacques Thibaud ; L’étoile du Nord - CDC Paris Réseau ; La Grainerie - fabrique des arts du cirque et de l’itinérance – Balma ; Le Parnasse - Mimizan ; Melkior théâtre/La Gare Mondiale – Bergerac ; OARA Office Artistique de la Région Aquitaine ; TEEM Territoires d’écritures en Mouvement – Quimper ; Ville de Bordeaux

Cia. Cielo Raoso - Euskadi / Sábado 7 marzo , 20h. / Domingo 8 de marzo , 19h. / DANZA



Sábado 7 marzo , 20h. /  Domingo 8 de marzo , 19h. /  DANZA 
Cia. Cielo Raoso  - Euskadi
"Karaoke"

Apartado observas al que canta, el dibujo de la moqueta del suelo se repite en los sillones y en unas cortinas que ocultan un cuadro eléctrico, el resto del espacio está pintado de un color oscuro, la rueda de luces gira de manera violenta sus colores artificiales golpean sobre los rostros de las otras personas, ves rostros desconocidos, vestidos elegantemente, algunos te sonríen educadamente, tu eres el siguiente, te concentras en las luces para no pensar.

Intérpretes: Dácil Gonzales, Beñat Urretabizkaia, Igor Calonge
Diseño de Iluminación: 
Pedro Fresneda
Ayud. de Dirección: Gabriel F.
Dirección: Igor Calonge
Fotografía: Gabriel F.

Espectáculo subvencionado por el Gobierno Vasco - Ayudas a la Producción de la Danza
Colaboran: Centro de Danza Canal (Madrid), Teatro Ensalle (Vigo), Dantzagunea (San Sebastian), Instituto Vasco Etxepare.


Cielo Raso es una compañía de Danza Contemporánea creada en 2009, fruto del encuentro de intereses artísticos, pedagógicos y sociales de dos compañías: “Teatro de Açúcar” (Brasil) y “Cía. Igor Calonge” (España). A través del intercambio de lenguajes, investigación y producción, surge un espacio común de creación. Esta fusión se ha materializado en obras teatrales, obras de danza, cursos y talleres en España y Brasil. En 4 años de colaboración las compañías han producido juntas 8 espectáculos de distintos formatos. La línea de la Compañía se va definiendo y asentando a través de sus creaciones. La inversión en un lenguaje propio, coherente con nuestra propuesta escénica, ahondando en el uso de una delicada poética visual. El equipo destaca por su fuerza interpretativa y emocional, por su calidad técnica, y por su capacidad de investigación.

TALLER DE ESPECTADORES 5 Marzo /

LA FUNDICIÓN CREA UN TALLER DE ESPECTADORES
Jueves 5 de marzo / 20h / ENTRA DA LIBRE



La Fundición “Taller de espectadores” de creaciones contemporáneas en artes escénicas.
Lo plantea como un club para personas, de todos los horizontes profesionales, interesadas en debatir y analizar temas como: artes escénicas, nuevas tendencias escénicas, nuevas tecnologías, nuevas propuestas en danza y teatro, relación con el público o la programación de La Fundición, además de otros posibles asuntos para la discusión creativa

En las reuniones, se disfrutará también de encuentros con coreógrafos, directores, bailarines, representantes de medios de comunicación, de Talleres de mediación, y expertos en la práctica teatral

Este Taller de espectadores de La Fundición se abre como un espacio para el enriquecimiento personal y la formación técnica de sus participantes como interesados en estas cuestiones artísticas de vanguardia, a través del debate, la exposición, el análisis, el descubrimiento de nuevas formas, el intercambio de opiniones y los encuentros con destacados creadores e intérpretes actuales de las diferentes ramas de las artes escénicas Los debates serán conducidos por David Barbero. En ellos, contaremos, además, con la presencia de críticos y/o periodistas especializados en cultura, creadores y/o compañías, que presenten sus estrenos y procesos y procesos de creación.

DAVID ESPINOSA / Barcelona sábado 28 de febrero / dos pases: 18h. y 2Oh. TEATRO domingo 1 de Marzo / dos pases : 18h. y 20h.


sábado 28 de febrero / dos pases: 18h. y 2Oh. TEATRO
domingo 1 de Marzo / dos pases : 18h. y 20h. 
Aforo reducido 15 personsa por pase. 

DAVID ESPINOSA / Barcelona
“Mi gran obra “ Un proyecto ambicioso

Mi Gran Obra es lo que yo haría si tuviera un presupuesto ilimitado, el teatro más grande del planeta, 300 actores en escena, una orquesta militar, una banda de rock, animales, coches y un helicóptero. Mi Gran Obra es una utopía. La realidad en la que siempre nos hemos movido como artistas se caracteriza por la precariedad y la escasez de medios, y precisamente ahí ha estado siempre el acento de nuestros trabajos: ingeniar mecanismos para resolver la falta de recursos, convertir la necesidad en virtud, subrayando las carencias para potenciar el fracaso como interés y motor de la creación.

En “Mi Gran Obra” nos planteamos construir un espectáculo de gran formato, sin escatimar en gastos, desarrollando todas las ideas que aparecieran por muy caras que pudieran resultar, con material y un equipo artístico ilimitado. Pero, obviamente, con un ligero matiz: a escala. 

Creación y dirección: David Espinosa 
Interpretación: David Espinosa / Cía. Hekinah Degul 
Ayudante de dirección: África Navarro 
Música y sonido: Santos Martínez / David Espinosa 
Espacio Escénico: David Espinosa / AiR Maquetas y Proyectos de Arquitectura. 
Producción: El Local E.C. / C.A.E.T., con la colaboración del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya 
Distribución: M.O.M.-El Vivero 
Proyecto becado por el Programa de Artistas en Residencia de Bilbaoeszena

El Proyecto
Por eso ahora que nos encontramos en una complicada situación socio-económica, en la que muy pocos se pueden permitir este lujo, nos parece el momento idóneo para abordar nuestro primer gran proyecto, un proyecto ambicioso.
Es decir, pensando en grande y haciendo en pequeño, usando para ello planteamientos y técnicas propias de un arquitecto. 
«Trata nada menos, que de averiguar hasta qué punto puede mejorarse la condición moral y física de la especie humana, oponiendo a la vez un dique a las guerras, a las revoluciones, y a los motines. Es la empresa más santa de cuantas han podido imaginarse; pues sus beneficios deben alcanzar, no a un solo pueblo, provincia o nación, sino a la humanidad entera, sin que cueste una gota de sangre, ni una lágrima» Manuel Sagrario de Veloy 
Planeamos de inicio la construcción de un espacio, de un lugar utópico, que respondiera a lo que nos cuestionamos nosotros como teatro, a lo que nos gustaría que fuese ahora mismo y deseamos que pueda ser en un futuro. Teniendo presente todo el proceso artístico e industrial que envuelve a la creación y exhibición de las artes escénicas, diseñamos un edificio que resolviera nuestras necesidades. 
David Espinosa 
Licenciado en Interpretación Textual por la E.S.A.D de Valencia en 1998. Desde 1994 estudia Danza Contemporánea, Improvisación, C.I. y Capoeira en Valencia, Bruselas y Barcelona. Intérprete en diferentes compañías de danza: Mal Pelo, Las Malqueridas, Osmosis cie. (Francia), Lapsus-Alexis Eupierre y Sònia Gómez/General Elèctrica. Como actor, trabaja en Z, Duques de Vergara Unplugged y De los Condenados, dirigidas por Sergi Fäustino, El enemigo de la clase, dirigida por Paul Weibel, y Joan el cendrós, de Carles Alberola, entre otras. En 2006 forma junto a África Navarro la Asociación El Local Espacio de Creacion, con la que han creado los espectáculos: Desconcierto nº1 para teclado y fracasado (2011), La Procesadora (2010), Felicidad.es (2009), Deliriosdegrandez@hotmail.com (2008), Desaladas Club (2007) y Propiedad Privada (2005), y las piezas de calle Summertime (2008) y Agonías de lo imposible (2006). 
Paralelamente, participa junto a diferentes artistas en piezas cortas y diversos proyectos de investigación y creación (Pompeia, Space Invaders, La Pajarera, Enterrats en viu, A trizas feliz, De pan y cebolla…)
De 2006 a 2008 colabora con el colectivo Bipol•art, en la gestión del Festival d'Art al Carrer de l'Hospitalet y dirigiendo el Programa de Creadors en Residència de la Generalitat de Cataluña en el Centre Cultural la Bòbila. Desde 2002 imparte clases de improvisación y movimiento en distintos centros de Barcelona, y talleres de creación para diversos proyectos.

Societat Doctor Alonso / Barcelona / Sábado 21 de febrero 20h. domingo 22 19h. DANZA

Sábado 21 de febrero 20h. domingo 22 19h. DANZA 
Societat Doctor Alonso / Barcelona

“Introducción a la introducción”

Tomás Aragay y Sofía Asencio presentan un nuevo proyecto de investigación sobre el movimiento en construcción permanente, a partir de dos conceptos fundamentales de la metafísica de Aristóteles: la sustancia y el accidente como formas del ser.
El filósofo griego afirma que todos los seres naturales están sujetos a constante movimiento y cambio y que todo movimiento requiere la presencia de una potencia y un acto. A partir de estas premisas, la Sociedad Doctor Alonso construye un lenguaje con la clave fundamental que es el concepto de desplazamiento.
Situar algo fuera de su lugar, ámbito o espacio propio, para indagar cómo modifica el lenguaje tanto en su gramática constitutiva como en la lectura que un observador puede hacer. Desplazarse por desvelar, generando espacios de discurso poético que pongan en cuestión el status quo de nuestra comprensión de la realidad.

dirección: Tomàs Aragay
creación e interpretación: Sofía Asencio
espacio escènico e iluminación: CUBE. bz
producción: Sònia Isart
management: Iva Horvat. ivahorvat72@gmail.com
*foto : Maria de la Camara, Urska Boljkovac

con la colaboración de : BUNKER, Liubjiana, L'Agora de la Danse, Montreal, Teatro Pradillo, Madrid
con el soporte de la Generalitat de Catalunya y el INAEM


Societat Doctor Alonso 
La Societat Doctor Alonso (SDA) la dirigimos el director escénico Tomas Aragay y la bailarina y dramaturga Sofia Asencio. Nos planteamos cada espectáculo o proyecto desde el punto 0, para volver a replantearnos nuestro lenguaje cada vez. Mezclamos géneros, formas escénicas, y tipos de gente diferente creando nuestra propia forma de habitar el escenario. Nos gusta plantear la escena como un lugar donde colocar: donde tendría que haber espectacularidad, aquello menos espectacular, creando así un desplazamiento en la percepción del espectador.

KHEA ZIATER / Euskadi “NOTnever on time”sábado 7 febrero 20 h / domingo 8 febrero 19h. TEATRO


sábado 7 febrero 20 h / domingo 8 febrero 19h. TEATRO
KHEA ZIATER / Euskadi
“NOTnever on time”
http://www.kheaziater.com

La compañía nace en 2010 como un proyecto independiente que basa sus propuestas en la búsqueda de códigos de relación entre el lenguaje escénico y el lenguaje cinematográfico, tanto en el plano estético como en el narrativo. Creaciones propias, que hablan de lo que nos ocurre, de lo que las personas pensamos y sentimos.
De la mano de Alex Gerediaga, la compañía Khea Ziater se crea en base a un equipo que viene de haber compartido trayectoria en la FTI, y que está compuesto por creadores a los que les gusta hacer lo que hacen, y lo viven como su oficio.

"NOTnever on time"
Un FILM ESCÉNICO de KHEA ZIATER

Isbelle es una mujer de unos 40 años. Hace un tiempo sufrió una importante pérdida en su vida; después de aquello, y a pesar de sus esfuerzos por encontrar la manera de seguir adelante, han sido varios y diversos sus intentos de suicidio. No es capaz de rescatarse de la sensación de que la vida carece de sentido para ella, de que la vida le supera, que no la entiende. Hoy, en el preludio y preparación de su próximo intento, Isbelle nos concede la oportunidad de conocer la delicada arquitectura de sus pensamientos.

Isbelle: Arrate Etxeberria
FotografÍa: Son Aoujil
Vestuario y Atrezzo: Azegiñe Urigoitia
Espacio Sonoro: Joke de Vriese
Iluminación: Oier Ituarte Edición de Imágenes: Nouvelle Basque
Textos: Mikel Somiñona
Técnico de Proyecciones: Javi Andraka
Auxiliar de Producción: Beatriz Nieto
Producción y Distribución: KHEA ZIATER
Dirección y Dramaturgia: Alex Gerediaga

en las fotos:
Kattalin Etxeberria e Iker Garcia, Beatriz Nieto, Leire Ucha, Na Gomes y June Gómez, Mirian K .Martxante, Zuriñe Goikoetxea, Mikel Somiñona, Mamen Aranda, Lucia Garaizar y Ximone, Almamy Ndiaye.

Bilbaoeszena: Ayuda artistas en Residencia 2013
Gobierno Vasco: Ayuda a la creción de nuevos textos teatrales 2013 + AYUDA A LA PRODUCCIÓN TEATRAL 2014; Pez Limbo / Factoría de Fuegos: AYUDA A LA PRODUCCIÓN 150gr; ARTES ESCÉNICAS EN EL MERCADO 2014; Bar tetería baobab; Urdulizko Kultur Etxea; Zornotza Aretoa


Agradecimientos:
Maria Urcelay, Jesús Pueyo, Naica, Jon Gerediaga, Ibon Aguirre, Ainhoa Jáuregui, Patirke Etxeberria, Iratxe Etxeberria, Begoña Ortuondo, Koldo Etxeberria, Isabel Gerediaga, Eduardo Diaz, Lara Alonso, Arantza Arrazola, Luisja Ugarte, Clara Gomes, Paula Bañuelos, Eriz De La Fuente , Almamy Ndiaye, Zuria Arzua, Félix Barand
iaran.

TALLER DEL ESPECTADOR 5 de Febrero


LA FUNDICIÓN CREA UN TALLER DE ESPECTADORES
Jueves 5 de febrero / 20h / ENTRA DA LIBRE



La Fundición “Taller de espectadores” de creaciones contemporáneas en artes escénicas.
Lo plantea como un club para personas, de todos los horizontes profesionales, interesadas en debatir y analizar temas como: artes escénicas, nuevas tendencias escénicas, nuevas tecnologías, nuevas propuestas en danza y teatro, relación con el público o la programación de La Fundición, además de otros posibles asuntos para la discusión creativa

En las reuniones, se disfrutará también de encuentros con coreógrafos, directores, bailarines, representantes de medios de comunicación, de Talleres de mediación, y expertos en la práctica teatral

Este Taller de espectadores de La Fundición se abre como un espacio para el enriquecimiento personal y la formación técnica de sus participantes como interesados en estas cuestiones artísticas de vanguardia, a través del debate, la exposición, el análisis, el descubrimiento de nuevas formas, el intercambio de opiniones y los encuentros con destacados creadores e intérpretes actuales de las diferentes ramas de las artes escénicas Los debates serán conducidos por David Barbero. En ellos, contaremos, además, con la presencia de críticos y/o periodistas especializados en cultura, creadores y/o compañías, que presenten sus estrenos y procesos y procesos de creación.

TEATRO DE AÇÚCAR / Brasil- Euskadi 31 enero 20h - 1 febrero 19h TEATRO


31 enero 20h - 1 febrero  19h TEATRO 
TEATRO DE AÇÚCAR / Brasil- Euskadi 
“Adaptação” 

 
 de Gabriel F.

Adaptação” se estrenó en Brasília en Enero de 2013
La pieza ha sido galardonada en los Premios SESC de Teatro 2013, con los premios al mejor Actor, Dramaturgia y nominada como mejor Espectáculo.


Después de meses de intentos frustrados, un director teatral se desespera ante su incapacidad de montar un espectáculo, no tiene ideas, ni originales, ni corrientes. Todas han sido ya utilizadas y ahora solo existe un vacío inmenso y blanco: Una hoja de papel A4. En el punto álgido de su falta de inspiración, encuentra en la adaptación literaria la posibilidad de salvarse. Comunicarse con las palabras de otro.
Elegir un texto que ya ha sido escrito, y plasmar sobre él su propia versión, como si fuesen suyos los sentimientos y las ideas de otro autor...pero ya es tarde para intentar cambiar las cosas...el espectáculo se estrena en 15 minutos.
Mediante un lenguaje claro y objetivo, el espectáculo “Adaptação” encuentra en las cuestiones existenciales la materia prima para ahondar en el lado más visionario del ser humano: Esta parte soñadora que contrasta con esta era tan moderna y avanzada, y asusta, el presente que precede al futuro .y la falta de seguridad que provoca en el individuo.
“Adaptação” usa el humor para exponer de forma sutil, musical y divertida el miedo que todos tenemos a un final: dejar de existir, morir, envejecer.o lo que es mas terrible, apenas sobrevivir mientras se vive...el miedo humano a pasar desapercibido en la vida, el miedo constante de no dejar ningún legado. En definitiva, el siempre actual y futurista miedo a la soledad...

“Adaptação” es el espectáculo póstumo de la Cia. Teatro de Açúcar, que decidió morir en 2012, víctima de una crisis crónica que padece el teatro y las artes independientes. El espectáculo cuenta la historia de unos personajes en un momento de adaptación como medio de supervivencia: Un director teatral frustrado, que no consigue salir de una crisis creativa y decide cambiar de profesión; Una actriz recién llegada a la gran ciudad, que necesita acostumbrarse a la soledad del nuevo estilo de vida; Una transexual, que adaptó su cuerpo para poder seguir viviendo en él. Un dinosaurio que no sabe si sobrevivirá a las adaptaciones de su especie. Todos están unidos por un drama común: el miedo de morir, transformarse, dejar de existir… como si un escritor escribiese o adaptase sus historias, recreando, agregando, y lo mas temible, eliminando personajes.

Texto, Dirección e Interpretación: Gabriel F.
Ayud. Dirección e Iluminación: Igor Calonge
Música Original y Dirección Musical: Marco Michelângelo
Producción Musical: Rubi
Escenografía y Vestuario: Gabriel F.
Producción: Gercy Fernandes
Pianista: Renio Quintas
Fotografía:(estudio) Gabriel F. (teatro) Diego Bresani
Subvencionado por la Secretaria de Cultura de Distrito Federal

Adaptação
Monólogo original Duración: aprox 55’ Brasil/España, 2013
Idiomas: Versión en Castellano Versión en Portugués

Gabriel F. (Premio Sesc 2013 a Mejor Actor) es Licenciado en Artes Escénicas (Facultad de Artes Dulcina de Moraes – Brasília), Universidad en la que ejerció como profesor durante dos años. Desde 2007 comparte la dirección con Marco Michelângelo, y ejerce como actor, músico, escenógrafo, productor y dramaturgo para construir los espectáculos de la Cía.Teatro de Açúcar, un nucleo de investigación y producción de espetáculos con dramaturgia original e intenso trabajo interpretativo: “Além do que se vê”(espectáculo de estreno de la cía., cuatro nominaciones a los Premios Sesc de Teatro – 2008; ganador en las categorías: Mejor Escenografía y Mejor actriz); “Tenho febre, mas vou buscar nos sodinheiro”, (Teatro Goldoni, Brasília - 2009); “Máquina de Gargalhadas” (espectáculo seleccionado para los Prêmios Sesc de Teatro – 2009); “Movie about theCity”, (estrenado en en Cine Brasília, dentro de la programación del Festival Internacional Cena Contemporânea – 2010); “A Vida Impressa em Xerox”(Teatro Plínio Marcos, Funarte - 2012) y “Adaptación” (estrenado en Brasília en Abril y en Madrid en Junio de 2013), en coproducción con la cía. Cielo Raso (País Vasco). Los espectáculos de Teatro de Açúcar se caracterizan por su intenso trabajo de dirección de actores y dramaturgia original, unido a una puesta en escena de excepcional belleza estética, siempre centrados en temáticas que investigan y discuten la complejidad humana, de una manera sutil, musical y divertida, pero sin perder el peso de cada discurso.

ZINEGOAK 2015 / "Siete muejeres" de John Ford

ZINEGOAK 2015 
Festival internacional de cine y artes escénicas gaylesbotrans de  Bilbao
26 enero - 2 febrero
Bilboko gaylesbotrans nazioarteko zinema eta arte eszenikoen jaialdia
urtarrilaren 26tik - otsailaren 2ra

Jueves 29 Enero 20.00h / Entrada libre hasta completar  aforo 
"Siete muejeres" de John Ford
Dirección: John Ford    
Intérpretes: Anne Bancroft, Sue Lyon, Margaret Leighton, Flora Robson, Mildred Dunnock, Betty Field, Anna Lee, Eddie Albert, Mike Mazurki, Woody Strode    
Argumento: Norah Lofts (relato "Chinese Finale") 
Guión: Janet Green, John McCormick    
Música: Elmer Bernstein   
Fotografía: Joseph LaShelle    

John Ford era consciente que “Seven women” (“Siete mujeres”, 1965) sería su última película principalmente a causa de su deteriorada salud. Pero quiso hacerla aunque después, como en otras películas suyas, la criticara y restara méritos (en realidad nunca fue buen crítico de sus propios films). El estreno del film fue un desastre y la crítica no lo fue menos, especialmente en Estados Unidos: sensiblera, extravagante, excéntrica (entre estos adjetivos, todos ellos equivocadamente aplicados, había algunos de seguidores fordianos) a la película, incluso que el realizador desvariaba. Tiempo después en sucesivos reestrenos recuperó algo la inversión, la cinta subió enteros y se apreció mucho más en Europa; hoy en día es considerada un gran film y uno de las más representativos del autor.

La película transita a lo largo de sus apenas 83 minutos en un equilibrio de contrarios en lucha permanente, simbólicamente encarnados en los personajes: la lucha de la una religión anquilosada basada en trasnochados mandamientos espirituales frente a la ciencia moderna, su forma de observar la realidad, la identificación de los problemas y la puesta en marcha de soluciones; la fosilización de una sociedad tradicional anclada en antiguos valores cívicos que ya no tiene respuesta ante los cambios y las crisis frente a una mentalidad moderna, pragmática, flexible, que no excluye, en contra de lo que opina la señorita Andrews, la altura de miras, la atención de las grandes cuestiones humanas ni, finalmente, la propia idea de sacrificio; la confrontación entre los dos modelos de mujer que proponen la señorita Andrews y la doctora Cartwright, en quienes se mira Emma, la futura continuadora de una u otra estirpe, personaje en que se plasma la victoria final de este duelo; y, por último, el conflicto cultural, los personajes occidentales trasplantados a una realidad ajena, la china , que no comprenden ni son capaces de predecir, ni siquiera en el caso de la directora de la misión británica (Flora Robson), que a pesar de ser hija de padres ingleses (ambos misioneros) y haberse criado siempre entre iguales, jamás ha pisado suelo británico, y, por otra parte, el caos, la brutalidad de una sociedad en continua transformación, pegada por entonces a la violencia cotidiana, que vivía las convulsiones típicas de una colectividad en construcción, dándose de codazos con sus vecinos o entre sí.
http://39escalones.wordpress

ZINEGOAK 2015 / miércoles 28 enero 20.00h. / La Calumnia (1961)


ZINEGOAK 2015 
Festival internacional de cine y artes escénicas gaylesbotrans de  Bilbao
26 enero - 2 febrero
Bilboko gaylesbotrans nazioarteko zinema eta arte eszenikoen jaialdia
urtarrilaren 26tik - otsailaren 2ra 

miercoles 28 enero  20.00h.  /  Entrada libre hasta completar aforo
La Calumnia (1961)
Título original: The children´s hour
Director: William Wyler
Interpretes: Audrey Hepburn, Shirley MacLaine, James Garner, Miriam Hopkins, Fay Bainter.


Karen (Audrey Hepburn) y Martha (Shirley MacLaine) son las jóvenes directoras de una exclusiva escuela para niñas. Su amistad viene desde la universidad y ambas han trabajado muy duro para alcanzar su sueño. Karen está a punto de casarse con el doctor Joe Cardin (James Garner) y todo marcha sobre ruedas. Bueno, todo no. Como en toda clase de colegios, ya sean públicos o privados encontramos ciertos infantes que comienzan a despuntar un carácter prometedor en cuanto a envidias, mentiras, manipulación y desprecio. Este es el caso de la jovencísima Mary (Karen Balkin), una arpía en miniatura que hace la vida imposible tanto a sus compañeras como a sus profesoras. Deseando marcharse de allí para ir con su abuela (Fay Bainter), Mary inventa una historia sobre la "relación" entre ambas profesoras. Pero lo que comienza como una endiablada travesura y mentira, acabará teniendo graves repercusiones. sobre ambas jóvenes.

La cinta es principalmente una crítica a la sociedad. Como esta rechaza lo que es diferente, extraño, y no comprenden. Y también una defensa de la libertad sexual de las personas. Como el rechazo es usado como arma contra personas cuya única culpa es desear algo diferente a los demás.

Como siempre, toda cinta que compone la filmografía de William Wyler está acompañada de una magnífica historia, un gran y espléndido reparto, y una factura incomparable. Para mi es la razón de que este sea el director más "perfecto" de Hollywood. En contra de maestros como Hitchcock, Wilder, Welles o Huston; Wyler no cuenta apenas con fracasos o fallos en sus películas. Junto a él hay que destacar el trabajo de Audrey Hepburn y especialmente el de Shirley MacLaine, que muestra una gran madurez y solidez como actriz (mucho mejor que en The Apartament) en un papel nada sencillo.

Y sobre esta película hay una injusta curiosidad. A pesar de que es una clara defensa a los derechos de los homosexuales y crítica a la sociedad que los rechaza, en su momento no contó con el apoyo de la crítica o el público salvo contadas excepciones. A pesar de las nominaciones a los Globos de Oro y los Oscar, la película quedó relegada a un segundo plano en las filmografías de William Wyler, Audrey Hepburn o Shirley MacLaine; y curiosamente, tiempo después, cuando el lobby gay estaba en su apogeo cinematográfico, fueron muchos los que consideraron que la película estaba desfasada. Tuvo que ser tiempo después cuando grupos de críticos y espectadores rescataron esta cinta de un casi olvido total. Y fue para bien, ya que son muchos, yo me incluyo, quienes reivindican esta pequeña joya del cine clásico. Texto: http://www.solocineclasico.com 

Residencia de creación: del 12 al 23 de Enero 2015 /Marion Sparber- Nerea Martínez Martín / Berlin- Bilbao

Residencia de creación: del 12 al 23 de Enero 2015  
Presentación de residencia:

Viernes 23 a las 20h. DANZA
Marion Sparber-  Nerea Martínez Martín   / Berlin-  Bilbao

Nos conocimos hace dos años en DELTEBRE DANSA festival de Danza Contemporánea y Circo dirigido por Roberto Olivan.

Queríamos investigar a partir de cómo dos personas pueden estar en contacto, compartiendo un mismo espacio, lugar y tiempo. Poniendo la atención en lo que se queda de esa persona cuando desaparece. “A veces no sabes el valor de un momento hasta que se convierte en un recuerdo”
Nos basamos en la improvisación trabajando con una pauta física establecida anteriormente, apoyándonos en un ojo externo que en este caso es una cámara la cual nos ayuda a tomar decisiones.
Actualmente estamos en un segundo encuentro en Bruselas, donde a la vez que seguimos con la creación realizaremos un workshop de partnering “Fighting Monkey” de la Compañía Rootlessroot con Linda Capetanea y Jozef Frucek, pues  la fisicalidad en la que basan su trabajo conecta muy bien con nuestra filosofía.
En Diciembre tendremos un tercer encuentro en Berlin para seguir investigando y enfrentarnos a una segunda muestra del trabajo en proceso. Igualmente trabajaremos con la videoartista Brasileña, Keren Chernizon residente en Berlin con la que Marion Sparber ha trabajo anteriormente.
Es importante para nosotras poder trabajar en diferentes lugares ya que forma parte de la temática de la pieza.

La última fase será en La FUNDICIÓN: es ahí donde queremos concluir el trabajo y presentar un resultado.

Coreografía e interpretación: Marion Sparber y Nerea Martínez Martín 
Dirección: Marion Sparber y Nerea Martínez Martín 
Compositor y música: Daniel Siqueira 
Audiovisuales:  Projeto SOLO/ www.kerenchernizon.com Música: Richie Salvador Foto: Michael SchmindtResidencia de creación La Fundición Bilbao 

TALLER DEL ESPECTADOR / Jueves 15 de enero / 20h / ENTRA DA LIBRE


LA FUNDICIÓN CREA UN TALLER DE ESPECTADORES
Jueves 15 de enero / 20h / ENTRA DA LIBRE



La Fundición “Taller de espectadores” de creaciones contemporáneas en artes escénicas.
Lo plantea como un club para personas, de todos los horizontes profesionales, interesadas en debatir y analizar temas como: artes escénicas, nuevas tendencias escénicas, nuevas tecnologías, nuevas propuestas en danza y teatro, relación con el público o la programación de La Fundición, además de otros posibles asuntos para la discusión creativa

En las reuniones, se disfrutará también de encuentros con coreógrafos, directores, bailarines, representantes de medios de comunicación, de Talleres de mediación, y expertos en la práctica teatral

Este Taller de espectadores de La Fundición se abre como un espacio para el enriquecimiento personal y la formación técnica de sus participantes como interesados en estas cuestiones artísticas de vanguardia, a través del debate, la exposición, el análisis, el descubrimiento de nuevas formas, el intercambio de opiniones y los encuentros con destacados creadores e intérpretes actuales de las diferentes ramas de las artes escénicas Los debates serán conducidos por David Barbero. En ellos, contaremos, además, con la presencia de críticos y/o periodistas especializados en cultura, creadores y/o compañías, que presenten sus estrenos y procesos y procesos de creación.

PROGRAMACIÓN 2015




La FuNdicIOn 19 Dicimebre / 20h  
IRATXE ANSA (Euskadi)
“El sonido que hacen los cuerpos en la quietud” (Work in progress)
Estamos investigando y creando material sobre la máscara más pequeña del mundo (la nariz roja)… La máscara no sólo como objeto, sino como dispositivo para expulsar a la personalidad fuera del cuerpo... Nos transformamos, adoptamos otras personalidades..., realizamos un cierto ejercicio de esquizofrenia y después del trance volvemos a nosotros... a través de la fisicalidad y algún material externo... Sustituyendo la nariz roja por otro elemento...
Desagrado, rebeldía, resignación, manipulación o experimentación de un objeto o persona, el intento de conseguir amor, la narración de lo último que te ha ocurrido, temor a lo desconocido...
Pareja
Seriedad, orden, elegancia, razón, buenas costumbres...
Locura, corazón, inocencia, el caos, la trasgresión…
Juntos conforman la esencia del ser humano: la contradicción entre lo que debemos y queremos hacer..., lo que nos impone la sociedad y sus normas y lo que nos piden nuestro corazón y nuestras vísceras.
Idea, creación, interpretación: Iratxe Ansa
Duración aprox.: 30 min

Nacida en San Sebastián, España, Iratxe Ansa se graduó en el Conservatorio Superior de Música de San Sebastián, continuando sus estudios y graduación en la John Cranko Schule en Stuttgart.
Desde 1993 Iratxe ha estado bailando en Basilea Ballet, Ballet Gulbelkian, Compañía Nacional de Danza, Lyon Opera Ballet y, más recientemente, con Nederlands Danse Theater.
A lo largo de su carrera ha trabajado con coreógrafos como Nacho Duato, William Forsythe, Jiri Kylian, Crystal Pite, Medhi Walerski, Johan Inger, Ohad Naharin, Mats Ek, Nils Christe, Patrick de Bana, Wayne McGregor, Maurice Causey, Alexander Ekman, Rui Horta, Jacopo Godani y Mathilde Monnier entre otros.
Iratxe ha participado en muchas galas, como la del Teatro Real de Madrid, o la Danza para la Vida en Bruselas (presentando su propia coreografía Bizitza). En Tel Aviv ha presentado obras de Nacho Duato y William Forsythe, entre muchos otros. En el año 2002 participa en Benois de la Danse junto con Nacho Duato, donde recibe dos premios.
En 2002 ganó el premio Selección del Público y el Premio a la Mejor Bailarina en el festival de teatro Solo Tanz Internationales en Alemania.
En 2007 fue galardonada con el premio a la Trayectoria artística en la Asociación de Profesionales de la Danza de España.
Como coreógrafa, Iratxe Ansa ha creado piezas para la Ópera de Lyon Ballet, Lines Ballet Junior Company y otras piezas creadas específicamente para galas.
Al salir del Nederlands Danse Theatre en 2009, comienza su nueva carrera como freelance, impartiendo talleres coreográficos, bailando en proyectos específicos y creando coreografías.
Iratxe Ansa impartirá un TALLER de DANZA en colaboración con DANTZABIZ-Bizkaiko Dantza Etxea / Dpto. de Cultura de la Diputación Foral de Bizkaia, los días 16,17 y 18 de diciembre.

JAVIER LIÑERA "Barro rojo" Residencia de Creación

La FuNdicIOn como CENTRO DE RECURSOS
Residencia de Creación
del 1 al 17de DICIEMBRE


JAVIER LIÑERA
"Barro rojo"
(gays y lesbianas en los campos de concentración)

LA FUNDICIÓN, en su apartado de acción como Centro de Recursos, y en relación alos procesos de investigación, creación y producción, conecta con la necesidad de lascompañías de disponer de un espacio para llevar a cabo estas fases de sus procesos,para lo cual se propone colaborar con éstas ofreciendo equipamiento y espacio detrabajo en las fechas previas a la presentación de la pieza en el programa de La Fundición. Por otro lado, como Espacio interesado en desarrollar la conexión con las audiencias y otros profesionales, La Fundición plantea la Residencia como una herramienta deacercamiento que tienda puentes entre los procesos creativos, los artistas invitados y los locales, y todo aquel interesado en conocer más de cerca el entramado de lapuesta en marcha y/o en escena de una nueva creación y su dramaturgia.

"Barro rojo"
(gays y lesbianas en los campos de concentración)
El eje de la obra: los gays y lesbianas en los campos deconcentración. Se trabajará este tema, que es bastante amplio, teniendo en cuenta diversas variables a la hora de enfocar el trabajo. Y la más importante es que no se buscará el victimismo, sino el reconocer la historia tal cual fue. La realidad ya muestra quienes fueron las víctimas, pero mi enfoque va hacia un empoderamiento de la persona, del gay.
Para ello enfocaré la historia desde los dos ambientes que se crean en las diferentes historias que he leído: los retorcidos de la vivencia en los campos frente a las ganas de vivir y de identificación. Este último punto, la identificación, tendrá que ver con la pluma gay como juego irónico, una ruptura con la pluma heterosexual, con la representación e identidad masculina. Es decir, la pluma como un símbolo de lucha.
Conocer sus historias, ponerles nombre, hace que existan.
Hacer públicas las historias que se ven en escena consigue que el silencio que ha cubierto las historias se rompa. Para mi es importante, tanto personalmente como históricamente, ya que en el estado español no se conocen los campos de concentración, ni las historias de los gays en ellos.

“Tiempo y olvido son las grandes ventajas del verdugo. Los aliados con los que siempre cuenta. Son conscientes de ello. Por eso es necesario que mantengamos intacta la memoria contra la barbarie” Miguel Ángel Sosa.

Para tratar estas historias se pasará del tratamiento en primera al de tercera persona. Siendo el mismo personaje el que vive la situación o siendo el artista la persona que cuenta lo que sucede.

Diferentes espacios. Un viaje desde Alemania a España. Un viaje del pasado al presente. Un viaje entre lo real y lo ficticio, entre lo que le sucede al personaje en su propia vida comparándola con lo que sucede en los campos de concentración, realizando un trabajo metafórico. De tal manera que situaciones muy crudas serán contadas de una manera cuasi anecdótica. El espectador no sabrá concretamente de qué tiempo, ni de qué espacio se habla. Buscando de esta manera que el espectador pueda pensar que algo que ha sucedido en el pasado, puede volver a suceder. Y también ir descubriendo que en el estado español han existido estos campos, un tema casi desconocido.

Iratxe Ansa impartirá un TALLER de DANZA en colaboración con DANTZABIZ-Bizkaiko Dantza Etxea

Iratxe Ansa impartirá un TALLER de DANZA en colaboración con DANTZABIZ-Bizkaiko Dantza Etxea / Dpto. de Cultura de la Diputación Foral de Bizkaia, los días 16,17 y 18 de diciembre. 
Nacida en San Sebastián, España, Iratxe Ansa se graduó en el Conservatorio Superior de Música de San Sebastián, continuando sus estudios y graduación en la John Cranko Schule en Stuttgart.
Desde 1993 Iratxe ha estado bailando en Basilea Ballet, Ballet Gulbelkian, Compañía Nacional de Danza, Lyon Opera Ballet y, más recientemente, con Nederlands Danse Theater.
A lo largo de su carrera ha trabajado con coreógrafos como Nacho Duato, William Forsythe, Jiri Kylian, Crystal Pite, Medhi Walerski, Johan Inger, Ohad Naharin, Mats Ek, Nils Christe, Patrick de Bana, Wayne McGregor, Maurice Causey, Alexander Ekman, Rui Horta, Jacopo Godani y Mathilde Monnier entre otros.
Iratxe ha participado en muchas galas, como la del Teatro Real de Madrid, o la Danza para la Vida en Bruselas (presentando su propia coreografía Bizitza). En Tel Aviv ha presentado obras de Nacho Duato y William Forsythe, entre muchos otros. En el año 2002 participa en Benois de la Danse junto con Nacho Duato, donde recibe dos premios.

En 2002 ganó el premio Selección del Público y el Premio a la Mejor Bailarina en el festival de teatro Solo Tanz Internationales en Alemania. En 2007 fue galardonada con el premio a la Trayectoria artística en la Asociación de Profesionales de la Danza de España. Como coreógrafa, Iratxe Ansa ha creado piezas para la Ópera de Lyon Ballet, Lines Ballet Junior Company y otras piezas creadas específicamente para galas.
Al salir del Nederlands Danse Theatre en 2009, comienza su nueva carrera como freelance, impartiendo talleres coreográficos, bailando en proyectos específicos y creando coreografías.

TALLER DE DANZA / IRATXE ANSA Dias:16-17-18 / Diciembre 
Horas: 16.30h. - 19.30h.
Lugar: Palacio Euskalduna 
INFORMACIÓN
DANTZA BIZ: Servicio de atención al público: Lunes a Viernes de 10:00h. a 14:00h.
Dirección: Calle Luis Briñas, 31 - 48013 - Bilbao
Teléfono: 946 009 065 - 946 009 066
email: info.dantzabiz@bizkaia.net




CAROLYN CARLSON Company (París "Short Stories” (Li – Mandala – Immersión)



Palacio Euskalduna
14 Diciembre / 20h 

CAROLYN CARLSON Company  (París)“Short Stories” (Li – Mandala – Immersión)


Carolyn Carlson Company
The Carolyn Carlson Company es un polo de actividad, una zona de creatividad y libertad en el que se entremezclan el gesto y el pensamiento poético.

En enero de 2014, y tras nueve años en el CCN de Roubaix Nord-Pas de Calais, Carolyn Carlson vuelve a París y funda su compañía, Carolyn Carlson Company. Con un repertorio único y acompañada por bailarines muy próximos a su idea del “gesto poético”, Carolyn prosigue su proceso creativo: cada año realiza dos proyectos de gran formato y a la vez transmite repertorio a prestigiosos ballets internacionales.

Ahora, como compañía residente en el Théâtre National de Chaillot, se encuentra en pleno centro del universo coreográfico parisino. Carolyn Carlson propone sesiones de improvisación según su propia técnica, proveniente de la herencia de Alwin Nicolaïs, así como la transmisión de su repertorio y numerosos encuentros artísticos que comparte con el público.

The Carolyn Carlson Company cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura Francés,
y la colaboración de Crédit du Nord en el marco de su Residencia en el Théâtre National de Chaillot–Paris.

Li
Dúo  (2007)
Li es el ideograma que, en jade y madera, se refería al grano, originalmente el patrón orgánico en el principio de todas las cosas, de acuerdo con el Tao.
El curso de la naturaleza, el soplo del viento, la oscuridad y la luz, la polaridad del yin y el yang, convirtiéndose lo uno en lo otro sin mediar palabras...

Coreografía: Carolyn CarlsonInterpretación: Chinatsu Kosakatani, Yutaka Nakata
Música original: Aleksi Aubry-Carlson
Iluminación: Freddy Bonneau
Espacio escénico: Philippe Karpinski
Vestuario: Chrystel Zingiro, Han Jin-Gook, Lee Young-Hee
Asistente artístico: Valentina Romito
Duración: 30 min
Producción: Carolyn Carlson Company
Producción original: Centre Chorégraphique National Roubaix, en colaboración con Quinzaine du Japon

Mandala
Solo (2010)
Los solos de Carolyn Carlson son la muestra de la aproximación existencial y espiritual que mantiene hacia la danza. Ella los describe como formas de compartir el estado de soledad que es consustancial a la condición humana. Mandala es la encarnación del latido, constitutivo del espacio universalmente compartido por todos los seres desde su nacimiento hasta el fin de su existencia. Aquí, el tiempo vivido toma la forma del enso, el círculo del budismo Zen, que simboliza a la vez el universo y la perfección artística, que puede ser alcanzada sólo por un espíritu completamente libre. Los patrones circulares encontrados en los campos de cereales son otra fuente de inspiración. Todavía no explicados, son como un mensaje espiritual desde otro lugar, cuyas hermosas formas dejan una profunda huella en el alma. Una marca similar es la que deja la poderosa música de Michael Gordon: toma la energía de los movimientos y los abraza con la insistente ondulación del latido.

Sara Orselli da sustancia a una pieza que representa la culminación de la complicidad que se ha establecido entre Carolyn Carlson y su danza a lo largo de más de una década.

Coreografía: Carolyn Carlson
Intérprete: Sara Orselli
Música: Michael Gordon (Weather parts 3 & 1)
Vestuario: Chrystel Zingiro
Iluminación: Freddy Bonneau
Duración: 33 min
Producción: Carolyn Carlson Company
Producción original: Centre Chorégraphique National de Roubaix, en colaboración con Atelier de Paris - Carolyn Carlson

Immersion
Solo (2010)
Carolyn Carlson, la eterna “dama del agua” encarna la danza pura como una expresión del movimiento del agua, continuamente cambiante. Envuelta por el sonido de las olas, la propia coreógrafa se sumerge en esa fluidez, en su intensa presencia y en su insondable profundidad. Haciéndose eco de su pieza Eau, enteramente dedicada a su tema favorito, ofrece al público una fascinante visión de danza arrastrada por la fuerza de este elemento de la naturaleza.

Coreografía e interpretación: Carolyn Carlson
Música: Nicolas de Zorzi
Iluminación: 
Guillaume Bonneau
Duración: 18 min
Producción: Carolyn Carlson Company 
Producción original: Centre Chorégraphique National de Roubaix, en colaboración con Théâtre National de Chaillot

Carolyn Carlson

Nacida en California, Carolyn Carlson se define sobre todo y en primer lugar como una nómada. De la Bahía de San Francisco a la University of Utah, de la Alwin Nikolaïs Company en New York a Anne Béranger en Francia, de Paris Opera Ballet a Teatrodanza La Fenice en Venecia, del Théâtre de la Ville de Paris a Helsinki, del Ballet Cullberg a La Cartoucherie en París, de la Venice Biennale a Roubaix…, Carlson es una viajera incansable, buscando siempre el lugar para desarrollar y compartir su universo poético.
Llegó a Francia en 1971 transmitiendo las ideas de Alwin Nikolaïs acerca del movimiento, la composición y la pedagogía y el entrenamiento. Al siguiente año, con Rituel pour un rêve mort, escribió un manifiesto poético que definía su manera de acercarse a la creación y que había sostenido desde siempre: la danza como algo fuertemente orientado hacia la filosofía y la espiritualidad. Carlson prefiere el término “poesía visual” a “coreografía” para definir su trabajo. Crea piezas que expresan sus pensamientos poéticos y una forma de arte global en el que el movimiento ocupa un lugar especial.
Durante cuatro décadas, Carlson ha tenido una influencia fuerte y muy significativa en muchos países europeos. Jugó un papel muy importante en el nacimiento de la danza contemporánea en Francia e Italia a través del GRTOP (Theatre Research Group) en la Paris Opera Ballet y en Teatrodanza en La Fenice.
Ha creado en torno a cien piezas, de las cuales muchas han sido verdaderos hitos en la historia de la danza, incluyendo Density 21.5, The Year of the Horse, Blue Lady, Steppe, Maa, Signes, Writings on Water e Inanna.
En 2006 su carrera fue premiada con el primer León de Oro otorgado a una coreógrafa por la Bienal de Venecia.

Señalados
1965-1971 Solista en la Alwin Nikolaïs Company
1974-1980 Etoile-Chorégraphe (‘Star Choreographer’) en la Paris Opera Ballet (GRTOP)
1980-1984 Directora artística de Teatrodanza La Fenice, Venecia
1985-1991 Residencia en el Théâtre de la Ville, París
1991-1992 Residencia en el Finnish National Ballet y Helsinki City Theatre Dance Company
1994-1995 Directora artística del Ballet Cullberg, Stockholm
1999-2002 Directora artística de la Dance section at the Venice Biennale
Desde 1999 Directora artística del Atelier de Paris-Carolyn Carlson
2004-2013 Directora artística del National Choreographic Centre Roubaix Nord-Pas de Calais
Desde 2014 Directora artística de la Carolyn Carlson Company, residente en el Théâtre National de Chaillot, París


Chinatsu Kosakatani

Original de Japón, estudia danza en la Osaka Yamamouchi Ballet School y más tarde en el Stedelljk Institut voor Ballet en Amberes. Después comienza a trabajar con la compañía Oldenburgisches Staatstheater (Alemania), y con Vittorio Biagi’s Company - Danza Prospettiva en Roma. Se incorpora en 1998 al Ballet du Nord y baila coreografías de Mayse Delente, Jean-Claude Gallotta, Itzik Galili, Ohad Naharin, Jean Gulzerix, Rui Horta y Michel Kelemenis.
Finalmente baila las piezas más importantes de Carolyn Carlson en el CCN Centre Chorégraphique National de Roubaix. Colabora también con Yutaka Nakata en She dances in Pepper, Salt or Sugar? (DanseWindows project).

Yutaka Nakata

Original de Japón, Yutaka Nakata estudia danza clásica en el Nakata Ballet Theater School de Himeji. Con 17 años es contratado por el National Theater Ballet School de Australia donde trabaja diferentes estilos. Continúa su formación en la Scala Theatre School de Milán y se gradúa en Danza Moderna en 2001. Del 2002 al 2007, trabaja en el Ballet Theater München, dirigido por Philip Taylor, y baila sus coreografías y también las de Jirí Kylián y Carolyn Carlson. Tras su experiencia en Ajan Lao school de Yutaka, Nakata incorpora a su trabajo artes marciales y técnicas como Tai-Chi y Muay-Thai.
Bailarin de Carolyn Carlson’s Company desde 2007, participa en sus creaciones más importantes, incluyendo Carolyn Carlson and Bartabas - We were horses (2011). En paralelo, Yutaka Nakata creó la compañía DIEM Dance Image Motion en 2012.

Sara Orselli

Sara Orselli comienza a estudiar danza en Perugia Dance Gallery bajo la dirección de Valentina Romito y Rita Petrone. Más tarde, entre 1999 y 2002, estudia en Isola Danza y en la Academy of Biennale de Venecia dirigida entonces por Carolyn Carlson. Baila en Parabola (1999), Light Bringers (2000), J. Beuys Song (2001).
En 2003 se traslada a París y forma parte del Juha Marsalo interpretando Prologue d’une scène d’amour, Perle y Parfum. En paralelo, ha trabajado como asistente de Carolyn Carlson durante años: Wash the Flowers en Lucerna (2005), Les Rêves de Karabine Klaxon (2006), Woman in a Room (2013), Pneuma para la Bordeaux Opera (2014).
Sara Orselli baila habitualmente piezas de Carolyn Carlson: Inanna, Water born, Eau, Present Memory, Mundus Imaginalis, Mandala, We were Horses, Synchronicity.