Un Teatro para la ciudad. Disfruta y comparte la creación contemporánea en Bilbao. Bilboko kreazio garaikiedeak disfrutatzeko eta iritzia emateko. Teléfono: 944 753 327 Fax: 944 759 115 Dirección: Francesc Macià 1-3 48014 Bilbao http://www.lafundicion.org/

Entradas 10€ / Todos los actos comienzan a las 20:00h. excepto domingos 19h. Reservas y venta de entradas: En cajeros Internet en la pg. de La Fundición o en taquillas el día del espectáculo. Reservas en taquilla Tf. 994 753 327 hasta las 1/2 hora antes del comienzo. No se permite la entrada una vez comenzada la representación.


Cía. Daniel Abreu / Madrid "Silencio"


Circuito Red de Salas Alternativas 2015 
Sábado 19 de Diciembre  20h. / Domingo 20  de Diciembre 19h. DANZA
Cía. Daniel Abreu  / Madrid 
"Silencio"
www.danielabreu.com
La obra discurre en la idea de que cualquier espacio vacío acabará llenándose. La vida no se afronta desde el vacío, sino desde la incapacidad para ver que siempre hay algo, que siempre llegará. El silencio es difícil encontrarlo, de igual manera que aunque uno cierre los párpados seguirá viendo, si no con el ojo, sí con la imaginación.
Me decía Ada que la mente es como el mar; tan pronto una ola abandona la orilla, ya hay otra que va llegando.
Silencio es un poema a la vida como una sucesión de contrastes; grietas del asfalto que dan paso a la hierba; casas que abandonadas se cubren de polvo, y dejan de resistir; enfados líquidos que acaban por solidificarse dentro, espacios de “silencio” interno que se llenarán de sonidos del corazón y células creciendo.

No hay carnaval donde no haya quien llore, no hay funeral donde no haya niños que jueguen, no hay cementerio que no tenga flores.
Todo lo que esta obra contiene responde a lo humano, a la contemplación de uno mismo mientras mira todo lo demás; mientras a uno le faltan manos, llamadas, accidentes y canciones. Mientras nos falta... y entender que ese “silencio”, ese vacío es estar vivos. Cuando ya lo tengamos todo podremos decir, si es que podemos, que estamos muertos. Cada accidente es el ensayo para eso.
Las connotaciones psicológicas son el campo por el que más y mejor muevo mis trabajos coreográficos. Transformo los significados de las acciones y sus intenciones, trabajo con la simbología, y a partir de ahí creo un paisaje. - ¿Hay necesidad de algo más? - No sé. - Tú pasas por mi vida pero no eres mi vida o al menos eso quiero creer. - Mira, decía la abuela de Roberto: Pidamos que Dios no mande al cuerpo todo lo que es capaz de aguantar.


LA COMPAÑÍA (Premio Nacional de Danza 2014)
La Cía. Daniel Abreu nace en el año 2004, presentando hasta la fecha más de cuarenta trabajos coreográficos que le han dado una identidad y presencia en el mundo de la danza dentro y fuera de España. Daniel Abreu, director y creador de estos trabajos ha cosechado varios premios como el PREMIO NACIONAL DE DANZA 2014, así como un reconocimiento que le ha llevado a estar presente en la programación de varios teatros y festivales nacionales e internacionales, y ser uno de los artistas del programa europeo Modul Dance. Ha formado parte de Aerowaves dos años y otros muchos en la Red de Teatros Alternativos de España. Los trabajos de la compañía se presentan como viajes, cuadros e imágenes en acción, estando algunas de las producciones a mitad de camino entre la danza y el teatro con un gran sentido de la estética. Es compañía residente del Teatro Cuarta Pared desde el año 2013.

"Silencio"
Dirección y coreografía: Daniel Abreu
Iluminación: Irene Cantero
Intérpretes: Anuska Alonso, Dácil González y Daniel Abreu
Espacio escénico: Daniel Abreu 
Técnico de sonido e iluminación: Sergio García 
Asistente de producción: Dácil González 
Colabora: Teatro Victoria, Teatro Cuarta Pared y Centro de Danza Canal
Producción: Cía. Daniel Abreu
Subvencionado por la Comunidad de Madrid


PRENSA
Hay espectáculos de danza contemporánea que nos dejan clavados en la butaca por la excelente técnica de los bailarines y los hay que nos hacen flotar por la atmósfera poética que nos crean desde el escenario. Pocas veces se unen ambas cuestiones, una fantástica técnica de ejecución con un aroma sensorial lleno de imágenes que nos evocan sensaciones o referencias que antes no habíamos tenido. En Silencio, uno de los trabajos más maduros y contundentes de Daniel Abreu, donde realiza un discurso personal que bebe de sus creaciones anteriores para ir más allá, abriendo puertas a universos secretos de intimidad y soledad. Los personajes se deshojan en la escena como aves con alas tronchadas. Una experiencia inusual para el espectador que sale del teatro con una carga emocional importante y sin poder dejar de hacerse preguntas sin respuesta.

Daniel Abreu siempre es un creador personal. No hace falta saber de qué va lo que quiere contar. Lo ves. O lo sientes. Y aunque las teorías son difíciles de trasladar a la danza, en este caso Daniel ha vuelto a acertar.
Daniel tiene una personalidad abrumadora, y te encandila en cada gesto y Dácil González a mí me enamoró. Técnicamente me pareció perfecta y expresivamente es una bestia parda. Maravillosa y un pedazo de actriz.
El espectáculo tiene algunos de los momentos más bellos que he visto últimamente y sin duda confirma, una vez más, que Daniel Abreu es uno de los artistas más carismáticos de hoy en día. 

Silencio es la última muestra de excelencia técnica y artística de la compañía. Su auténtico valor es la aptitud para no defraudar nunca. Anuska Alonso, Dácil González y Daniel Abreu logran ejecutar un inspirador ejercicio en el que oscilan recursos como la sensación de ingravidez absoluta, un evidente interés por el lenguaje del cuerpo y ciertos matices absurdos y burlones. Silencio es el claro ejemplo, un enorme paso para el coreógrafo con el que se evidencia por completo su magnífica capacidad creadora. 



Daniel Abreu natural de Tenerife, es licenciado en psicología, bailarín y coreógrafo. Funda su compañía en el año 2004, tras trabajar como intérprete en varias compañías de Danza y Teatro. Ha sido premiado con: - Premio Nacional de Danza 2014 en la categoría de creación.

- Premio a la mejor dirección en el Indifestival 2009 (Santander), por Los zuecos van hacia sus buenos hábitos - Premio del Jurado del XVIII Certamen Coreográfico de Madrid junto a Mónica García por "Y eso que no me Dejaban Ver Dallas". - Premio a un Bailarín Sobresaliente en el XVIII Certamen Coreográfico de Madrid, con una beca para asistir al American Dance Festival. -Premio al Bailarín Más Destacado del IV Certamen Coreográfico de Maspalomas.

Ha trabajado para compañías como Provisional Danza, con quien mantiene una estrecha relación en la actualidad ejerciendo como acompañante de sus producciones coreográficas. Además ha trabajado como intérprete para Cía. de Teatro Cuarta Pared, Cía. de Teatro Marina Wainer, Matarile Teatro, Centro Dramático Gallego, Lanónima Imperial, entre otras.

Como creador ha realizado más de treinta coreografías, tanto para calle como para escena, las cuáles han sido presentadas en más de 17 países entre Asia, Europa y América. Ha realizado coreografías de encargo para la Teatr Tanca Zawirowania (Polonia, 2009), Proyecto Titoyaya (Valencia, 2009), Compañía de Danza Nómadas (Tenerife, 2007,2008 y 2013), La Escuela de Danza Natalia Medina (Las Palmas, 2006), el Conservatorio Superior de Danza María de Ávila (Madrid, 2008) y una creación de encargo para el Festival En Pe de Pedra (Santiago de Compostela 2005). Entre sus últimas creaciones destaca Animal, una coproducción con el Mercat de les Flors y el Auditorio de Tenerife dento del proyecto europeo Modul Dance.

 

Cía. SHARON FRIDMAN - Madrid "Free fall-Caída libre"

DANTZALDIA 2015
Palacio Euskalduna - 13 dic - 20h

Cía. SHARON FRIDMAN - Madrid
"Free fall-Caída libre"

Nuestra supervivencia es una cuestión vertical: levantarse tras caerse constituye un ciclo infinito que se reproduce cada día. Todos somos partícipes de esta asimétrica dinámica, pero cada uno la siente única e intransferible. Siempre inmersos en grupos, en el grupo procuramos encontrar el sentido, la libertad, comprobando si es posible la caída libre.
Se encuentra en la naturaleza humana la necesidad de unión para sobrevivir, para reponerse y construir un nuevo orden. Existe una fuerza primigenia, una energía que deviene movimiento y unión, una velocidad... entrar en ella sin vacilación puede que sea nuestra responsabilidad.

Dirección artística: Sharon Fridman
Coreografía: Sharon Fridman con la colaboración de los intérpretes
Asistentes de coreografía: Arthur Bernard-Bazin y Carlos Fernández 
Intérpretes: Pau Colera, Jonathan Foussadier, Maite Larrañeta, Alejandro Moya, Melania Olcina, Léonore Zurflüh
Dramaturgia: Antonio Ramírez-Stabivo
Música original: Luis Miguel Cobo
Escenografía: Oficina 4play arquitectura 
Diseño iluminación: Sergio García Domínguez
Diseño de vestuario: Inbal Ben Zaken
Audiovisuales: Damián Varela y Eva Viera
Planificación de gira y comunicación: Laura Gil Diez
Gestión: Fani Benages Arts Escèniques

Coproducción: Mercat de les Flors, Theater im Pfalzbau Ludwigshafen
Apoyos: INAEM, Comunidad de Madrid, Centro Danza Canal, Centro Comarcal de Humanidades Cardenal Gonzaga, Coreógrafos en Comunidad

LISBETH GRUWEZ / Voetvolk - “It´s going to get worse and worse and worse, my friend”

12 diciembre, 19h -  Museo Guggenheim Bilbao

LISBETH GRUWEZ / Voetvolk - Bélgica
“It´s going to get worse and worse and worse, my friend”


Un discurso puede ser una arma muy poderosa. A través de los siglos los discursos han entusiasmado a las masas y las han llevado a la acción, para bien o para mal. Han desencadenado revoluciones y alimentado guerras. El poder de la palabra. Pero un discurso no solamente entusiasma a los oyentes: muy a menudo transporta al que habla a un estado de trance. Es el momento en que se pierde en la corriente de las palabras, en un estado obsesivo y de éxtasis al hablar. El poder del discurso muchas veces ha dependido de este estado de trance del hablante.
En "It's going to get worse and worse and worse, my friend" Lisbeth Gruwez baila ese estado de trance, de éxtasis verbal. Para el proceso ha utilizado fragmentos de discursos del tele-evangelista ultraconservador americano Jimmy Swaggart: al principio el lenguaje es amistoso, pacífico, pero a medida que transcurre el discurso va aflorando  su compulsivo deseo de convencer, se va transformando en creciente y desesperada crispación que finalmente deja a la vista su naturaleza más profunda: la violencia.

Las relaciones de poder entre una voz masculina y una intérprete femenina (quién manipula a quien ?) se convierten en un fantástico y desafiante paso a dos (…) Lisbeth Gruwez deja el nivel muy alto con esta pieza que, una vez más, atrapa desde el principio al final.
By Sarah Vankersschaever, DE STANDAARD (Brussels), 19 January 2012

Idea, coreografía & danza: Lisbeth Gruwez
Composición, diseño de sonido & asistencia: Maarten Van Cauwenberghe
Vestuario: Veronique Branquinho,  
Asesoría artística: Bart Meuleman 
Diseño de iluminación: Harry Cole
Iluminación: Caroline Mathieu
Agradecimientos: Tom de Weerdt
Producción: Voetvolk vzw
Coproducción: Grand Theater Groningen, Troubleyn/Jan Fabre and Theater Im Pumpenhaus
Difusión: Key Performance
Con el apoyo de: Provincie West-Vlaanderen & Vlaamse Gemeenschap


Voetvolk / Lisbeth Gruwez - Maarten Van Cauwenberghe

Lisbeth Gruwez 
Lisbeth estudió danza contemporanea en P.A.R.T.S. Bruselas. Comenzó su carrera profesional con Ultima Vez/Win Vandekeybus, y  con Pasolini Project Of Heaven and Hell y Away From Sleeping Dogs conIztock Kova. Desde 1999 Lisbeth Gruwez trabajó con Jan Fabre, en As Long As the World Needs a Warrior's Soul ,  y Je suis sang, la producción para el Cour d'Honneur en Avignon. En 2001 participó en el film Pierre Coulibeuf, Les Guerriers de la beauté, sobre el trabajo de Jan Fabre. En 2002 protagonizó  Images of Affection para Needcompany/Jan Lauwers. En el año siguiente Lisbeth Gruwez trabajó con Grace Ellen Barkey en Few Things y Cry Me a River de Riina Saastamoinen. En 2003 bailó See-Sick, una producción de Polydans, y en Foi , de Les Ballets C. De la B./ Sidi Larbi. En 2004 Jan Fabre creó un solo para Lisbeth Gruwez: Quando l'uomo principale è una donna . También participó en la instalación DON'T, de Peter Verhelst.
 

ROMEO (o Julieta dormida)Teatro en el Mar / Juan José Morales “Tate”- Sevilla


GEHITU.org presenta:
Viernes 11, 20 h /  Sábado 12 , 20h. Diciembre / Teatro
ROMEO (o Julieta dormida)
Teatro en el Mar / Juan José Morales “Tate”- Sevilla

Hace ya algunos años descubrí, en un Laboratorio de Teatro de Acción Política que impartía Marco Canale, una forma nueva de entender el hecho escénico, la acción y sobre todo el texto teatral. Con él descubrí a La Ribot , Angelica Liddell, Fernando Renjifo o las Yuyachkani, quienes planteaban nuevos parámetros donde el teatro contemporáneo podía navegar. Se presenta aquí la muerte del personaje (como concepto) ante a la categoría de verdad de la persona. La misión del actor/creador es la preocuparse exclusivamente de decir la verdad, su verdad, y todos los demás factores de la escena han de trabajar para crear un puente simple y llano entre el actor/creador y el público. Un puente desnudo.

  
Cuando nació la idea del espectáculo en mi mente venía acompañada de unas preguntas que se contestaban con más preguntas: ¿Qué pasaría si Julieta al tomarse el veneno nunca despertara? ¿Qué pasaría si se hubiera quedado en coma? ¿Qué pasaría con Romeo? ¿La seguiría amando? ¿Veríamos realmente cuanto de real es su amor? A lo que me llevó a otra cuestión: ¿Qué pasaría si Julieta estuviera muriéndose de SIDA? ¿Romeo la seguiría amando? ¿Qué pasaría si fuera el propio Romeo quien la ha contagiado? ¿La cuidaría aunque ya no la amara? ¿Cuánto tiempo se quedaría junto a su cama? ¿Cómo podría abandonarla? ¿Cómo podría dejarla morir y olvidarse de ella, de su culpa? Incluso si Julieta le hubiera roto el corazón ¿la querría? ¿EL PÚBLICO puede juzgar bien el abandono de Romeo a Julieta ante una muerte que él mismo le ha causado?
En definitiva, lo que todo el mundo lleva preguntándose desde el momento en el que un homo sapiens se encontró a otro: ¿QUÉ ES EL AMOR?
Deseo trabajar una temática muy poco visible en el teatro español en comparación con el número de personas afectadas que son posibles espectadores regulares de teatro: el VIH, su relación con el amor, con el sexo, con la idea de pareja, con la idea misma de vida y futuro.
El espectáculo empieza con el último monólogo de Romeo ante la tumba de Julieta en “Romeo y Julieta” de Shakespeare, se apoya en “El Público” de Lorca y, en seguida, dará lugar a un texto completamente nuevo y biográfico.


Dirección, Dramaturgia e Interpretación: Juan José Morales “Tate” 
Asistente de dramaturgia y primera asistente de dirección: Sara Pinedo 
Segundo asistente de dirección: Jaume Nieto 
Asistente de Movimiento: Alba Valldaura 
Creación de Julieta: Aurelién Lortet 
Diseño de Escenografía: Israel García 
Composición Musical: Javier Campana 
Vestuario: Viki Vassiliou 
Diseño Gráfico: Carlos Carreño 
Diseño de Luces y Sonido: Israel García y Juan José Morales “Tate” 
Producción: José Manuel Navarro 
Proyecto financiado por: Ayudas a la creación INJUVE y con el apoyo del Ministerio de Sanidad, Servicios Sociales e Igualdad.

Cine de danza vs. video-danza ¿Hay una diferencia entre estos dos términos?

DANTZALDIA 2015  CINE 
En colaboración con UPV/EHU
10 diciembre,  18h. a  20h  /  Bizkaia Aretoa  
Presentación y comunicación: Loránd János, director del festival Choreoscope.


En el ciclode cine de danza, volvemos a contar con Choreoscope, Festival Internacional de Cine de Danza de Barcelona, cuyos objetivos van dirigidos no sólo a los amantes de la danza sino también a los del séptimo arte: impulsar el vínculo con el arte en general y con el cine y la danza en particular.

Cine de danza vs. video-danza ¿Hay una diferencia entre estos dos términos? ¿Significan lo mismo? ¿Existe una relación entre ellos? ¿Por qué Choreoscope se centra en el cine de danza?

Y más allá de la danza, el cuerpo en movimiento, el lenguaje no verbal. Richard James Allen y Karen Pearlman proponen una definición más amplia del concepto screendance, la danza en/para la pantalla: Stories told by the Body.

COMPAÑÍA BELÉN MAYA - Sevilla / Nuevo Flamenco / Ya! (Ensayos)

DANTZALDIA 2015
SALA BBK - 5 dic - 20h

COMPAÑÍA BELÉN MAYA - Sevilla / Nuevo Flamenco
Ya! (Ensayos)
Un encuentro entre Belén Maya y Niño de Elche

A veces, al encarar una nueva obra, nos sepulta la obligación de acertar. Esta obligación se convierte en condena que nos roba el placer del extravío, que nos priva de asomarnos a lugares inéditos, que nos impide pisar espacios y tiempos de riesgo.
En esta primera cita escénica entre Belén Maya y Niño de Elche, acompañado de su ya cómplice de múltiples viajes Raúl Cantizano, han preferido abolir esa obligación.
Ya! nos muestra los caminos y recovecos que los tres artistas han explorado en conjunto, entregándose mutuamente sus diferentes formas de entender el flamenco y su escenificación, dejándose llevar por el otro y arrastrándolo a su vez a su territorio, hasta llegar a un lugar común donde conjugar el nuevo lenguaje germinado de este insólito encuentro.
El espectáculo juega y manipula a su antojo una cantología que ejecuta el Niño de Elche, cruzando hábilmente por diversos palos y formas del cante, y que vemos repetirse una y otra vez, donde baile, cante y guitarra se van sofisticando a cada paso, rizando el rizo, en un acto de absoluto malabarismo escénico, hasta transgredir del todo el material de inicio.
Ya! es el ahora, la inmediatez del presente y el espíritu con el que se enfrentan a este trabajo: sin artificios, sin excusas, y con la única pretensión de entregarse y entregar su bien hacer, de sumar energías y experiencias, con la libertad salvaje y la maravillosa locura de los artistas inquietos que se sienten en la necesidad de la constante búsqueda y de alejarse de la comodidad de los terrenos ya conocidos.
En Ya! hay flamenco en estado puro, hay teatralidad, hay humor y hay excelencia. Pero sobre todo, hay ganas de divertirse y de divertir al público. La absoluta conexión entre los tres intérpretes, la intimidad que existe entre ellos y con la escena, creará también esa relación de complicidad con el público que, como quien asistiera a un ensayo, participará y disfrutará de sus intentos, de sus aciertos y desaciertos y de su poderoso carisma.

Baile y coreografía: Belén Maya
Cante - música en directo: Niño de Elche
Guitarra - música en directo: Raúl Cantizano
Asesoramiento escénico: Marilia Samper
Iluminación: Manuel Colchero
Prensa: Manuel Moraga 
Distribución: Pablo Leira  
Ayudantía de producción: José Manuel Navarro  
Dirección de producción: Guiomar Fernández Troncoso 


TALLER de FLAMENCO en colaboración con y organizado por:
DANTZABIZ - Bizkaiko Dantza Etxea

Días: 3, 4 y 6 diciembre
Lugar: Palacio Euskalduna


BELÉN MAYA
Icono de la vanguardia de la danza flamenca
Nacida en Nueva York (1966) en una familia de artistas (Mario Maya y Carmen Mora), Belén Maya se inicia de niña en la danza clásica, pero es a los 18 años cuando decide seguir el camino de la danza flamenca, y ya entonces muestra su capacidad creativa.
En 1994 Carlos Saura la reclama para representar a las nuevas generaciones en su mítico film Flamenco (1995). La imagen de Belén Maya queda reflejada en el cartel y se convierte en el icono de la renovación de la danza flamenca. Su carrera se ha desarrollado en un doble camino entre su personal visión del clasicismo y la vanguardia más rupturista. Así se demuestra en propuestas tan distintas como Flamenco de cámara (con Mayte Martín), Fuera de los límites (con Rafaela Carrasco), Dibujos, La voz de su amo, Bailes alegres para personas tristes (con Olga Pericet), Habitaciones, Tr3s, Los Invitados o Ya! (Ensayos), entre otras.
También ha participado en importantes foros internacionales de cultura y pensamiento, como el HAY Festival. Su trabajo ha sido reconocido con varios Premios Nacionales de la crítica flamenca, y su obra Los Invitados ha sido distinguida con el Premio de la Crítica del festival de Jerez, el más importante del mundo dedicado a la danza flamenca. 

VESTUARIO ESCÉNICO con: NATI ORTIZ de ZARATE - IKERNE GIMENEZ

TALLER DE ESPECTADORES
3 de Diciembre / 20h. Entrada libre 
VESTUARIO ESCÉNICO con: NATI ORTIZ de ZARATE - IKERNE GIMENEZ
El vestuario, en las artes escénicas, desempeña un papel fundamental en la creación de la atmósfera visual. Es el conjunto de prendas, complementos y accesorios utilizados en un espectáculo para definir y caracterizar a un personaje en su contexto.
El vestuario escénico debe ser capaz de crear un sistema interno de relaciones que posibilite al espectador una "lectura" que no se agote después del reconocimiento inicial de informaciones (sexo, edad, época, lugar) sino que se convierta en emisor de signos en función de la acción y de la evolución del personaje. 
Para el próximo TALLER del dia 3 de diciembre tenemos prevista la participación de NATI ORTIZ de ZARATE, especialista en vestuario escénico y que muchos conoceis también por su trabajo como actriz desde los años 80 y especialmente con el colectivo KARRAKA, y de IKERNE GIMENEZ, historiadora y licenciada en Escenografía en la RESAD, con varios premios en su haber por sus trabajos de figurinismo. 

“Taller de espectadores” de creaciones contemporáneas en artes escénicas.
Lo plantea como un club para personas, de todos los horizontes profesionales, interesadas en debatir y analizar temas como: artes escénicas, nuevas tendencias escénicas, nuevas tecnologías, nuevas propuestas en danza y teatro, relación con el público o la programación de La Fundición, además de otros posibles asuntos para la discusión creativa

En las reuniones, se disfrutará también de encuentros con coreógrafos, directores, bailarines, representantes de medios de comunicación, de Talleres de mediación, y expertos en la práctica teatral

Este Taller de espectadores de La Fundición se abre como un espacio para el enriquecimiento personal y la formación técnica de sus participantes como interesados en estas cuestiones artísticas de vanguardia, a través del debate, la exposición, el análisis, el descubrimiento de nuevas formas, el intercambio de opiniones y los encuentros con destacados creadores e intérpretes actuales de las diferentes ramas de las artes escénicas Los debates serán conducidos por David Barbero. En ellos, contaremos, además, con la presencia de críticos y/o periodistas especializados en cultura, creadores y/o compañías, que presenten sus estrenos y procesos y procesos de creación.

Labuena Compañía / Barcelona"Osos en el agua"


Circuito:  Red de Salas Alternativas 2015 
Sábado 28 Noviembre 20h. / Domingo 29 19h. Teatro
Labuena Compañía  / Barcelona
(son David Franch y Arantza López)


“No son los más fuertes ni los más inteligentes los que sobreviven, sino los que mejor se adaptan a los cambios”. Charles Darwin


¿Son necesarios los cambios? ¿Se puede cambiar? ¿Realmente queremos cambiar? ¿Estamos preparados para cambiar? ¿Es necesario cambiar de posturas
cómodas para buscar posturas incómodas y abandonar el lugar plácido que era nuestra existencia? ¿Son la placidez, la comodidad, un error? ¿Tenemos la obligación de
rescatarnos? ¿Estamos destinados a cambiar el mundo? Estas son las preguntas que me haría si fuera un oso en el agua. Un oso en el agua, con sus pasos lentos, siempre sabe cubrir sus necesidades.

Osos en el agua habla del cambio: de la posibilidad de cambiar y también de la posibilidad de no hacerlo; de la capacidad de algunos de adaptarse a los cambios y de la
resistencia de otros ante cualquier cambio. Osos en el agua parte de la premisa (acertada o no) de que para realizar un cambio de verdad hay que tocar fondo, hay que visitar el lado más oscuro de uno mismo. Por eso el escenario se convierte en el fondo, el agujero en el que se encuentran actores y espectadores.

Labuena Compañía con este espectáculo lleva al teatro un tema que se encuentra muy presente en nuestra actualidad: el hecho de cambiar, de evolucionar, de reinventarse. Y lo hace utilizando la representación con un lenguaje teatral pero también la presentación, saliendo de toda teatralidad. Utiliza el texto, la danza, la performance, el vídeo y la música. En Osos en el agua el espectador forma parte activa de la pieza, de manera física y de manera intelectual, el teatro acontece una experiencia real, algo
presente e inmediato con escenas que se crean al momento, con la participación e implicación del público; otras son el resultado de un viaje por lugares estéticos a la vez
que poéticos.

David Franch y Arantza López
 coinciden en el año 2011 en L'animal a l'esquena, trabajando en un proyecto de videocreación. Intereses comunes en relación a la creación
escénica contemporánea y trayectorias tan divergentes hacen que encuentren puntos en común y que se decidan a trabajar juntos.

En el 2013 crean su primer espectáculo escénico Osos en el agua. Reciben el apoyo económico del OSIC (Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya) Obtienen
residencia de creación en Azala Kreazio Espazioa (Vitoria), en el C.C.Can Felipa y en el Antic Teatre. Varias creadoras indepedientes se implican y los apoyan. Lo estrenan en el 2014 en la V Edición del Ciclo El meu veí fa performances, Barcelona. Dentro del mismo ciclo imparten como compañía residente, el taller Del discurso a la acción, con
muy buena acogida pedagógica.

JUAN CARLOS LÉRIDA - Barcelona / Nuevo Flamenco


DANTZALDIA 2015
La Fundición - 21,20h y 22,19h, Noviembre 

JUAN CARLOS LÉRIDA - Barcelona / Nuevo Flamenco
“Bailografía”

«Ciertos recuerdos son como amigos comunes, saben hacer reconciliaciones» (Marcel Proust).

«Juan Carlos Lérida propone una pieza compuesta a partir de una retrospectiva a su trayectoria, con una revisión natural de la mano del propio paso del tiempo y de su experiencia y evolución como bailarín, coreógrafo y pedagogo. Grafía del baile. Trazo coreográfico de un cuerpo. O en el cuerpo. Un lugar de encuentro entre dos temporalidades: la del presente y la de la ausencia. Huella de la memoria, cicatriz o sendero» (Francisco L. R. Parra).

60 min
Idea y dirección: Juan Carlos Lérida
Intérprete: Juan Carlos Lérida
Música: Collage
Iluminación: LaSuite
Escenografía: LaSuite
Vestuario: JC
Producción: Danilo Pioli (DanceBox.es), Asociación Flamenco Empírico
Fotografía: Paco Villalta

JUAN CARLOS LÉRIDA
Bailarín, coreógrafo y pedagogo del flamenco, es licenciado en Coreografía y Técnicas de Interpretación. Premio extraordinario 2007 del Institut del Teatre de Barcelona. Doctorado en Estudios Avanzados de Flamenco, con Un análisis interdisciplinar, por la universidad de Sevilla.
Comienza sus estudios de danza y flamenco a los tres años de edad en Sevilla. Amplia su formación con estudios de Arte Dramático y Danza Contemporánea en el C.A.T. (Sevilla) y Danza-Teatro e Improvisación en Barcelona, con Mercedes Boronat.
En Cataluña crea sus primeras obras coreográficas con su propia compañía de danza, 2D1, que son galardonadas en certámenes coreográficos nacionales. Desde el año 2002 es profesor de Flamenco, Danza Contemporánea y Composición en el Institut del Teatre de Barcelona, así como en distintos puntos de Europa, donde es invitado a impartir talleres de improvisación y composición de flamenco. Es invitado a Japón por la directora Yoko Komatsubara, como intérprete y coreógrafo en el Teatro Nacional de Tokio. Codirige, interpreta y coreografía, junto a Joaquín Cortés, la obra De amor y odio. Protagoniza en el 2004 el primer musical flamenco Los Tarantos, bajo la dirección de Emilio Hernández. Su propia obra coreográfica, titulada El arte de la guerra, se estrena en el festival de flamenco de Berlín, en 2006. Aclamada por la crítica y el público, le hace ser reconocido como uno de los representantes actuales del flamenco de vanguardia.
En 2007 y 2008 codirige e interpreta el espectáculo Souvenir y La voz de su amo junto a la bailaora Belén Maya. Ya en 2008, participa como coreógrafo dentro de la XV Bienal de Flamenco de Sevilla con las obras: Pasos para dos, con Rosario Toledo, El tiempo corre y deprisa, para la Cía. Marco Vargas y Chloé Brûlé, dentro de su obra Ti-Me-Ta-Ble.
Desde 2009 hasta el presente, es comisario del ciclo Flamenco Empírico del Mercat de les flors - Barcelona. En 2010 dirige la obra Bailes alegres para personas tristes, de Belén Maya y Olga Pericet, estrenado en el Festival de Flamenco de Jerez. Estrena como director e intérprete su última creación Al toque en Viena (Austria) y coreografía e interpreta Alejandrías. La mirada oblicua en la XVI Bienal de Flamenco de Sevilla. En el año 2011 estrena su nueva producción El aprendizaje junto al director Roberto Romei y dirige la obra Pájaros de marfil de la bailarina Belén Cabanes. En 2014 se desarrolla como bailarín invitado en Pisadas, de la Cía. Olga Pericet y como director coreográfico y escénico de Laberíntica para la Cía. Marco Flores, y en su unión con el cante de Niño de Elche y la guitarra de Raúl Cantizano en el proyecto ToCaBa.
Desde el año 2012 prepara mediante diferentes Acercamientos la segunda parte de la trilogía dedicada a los fundamentos expresivos del flamenco. Al cante se estrena en festival flamenco de Dusseldorf 2014, bajo la coproducción de Tanzhaus y la ayuda en residencia de Graner-Mercat de les flora.

COREOGRAFÍAS DE LA MIRADA19 noviembre, de 18h. a 20h. Bizkaia Aretoa


DANTZALDIA 2015  CINE 
En colaboración con UPV/EHU
19 noviembre, de 18h. a 20h.  Bizkaia Aretoa
Presentación y comunicación: Eneko Lorente - Dpto. Comunicación, Audiovisuales y Publicidad UPV/EHU

COREOGRAFÍAS DE LA MIRADA
Minimalismo, cine y danza, a propósito de Anne Teresa De Keersmaeker
Proyecciones de Fase (Thierry De Mey, 2002)
El proyecto moderno se construyó sobre las ideas de complejidad, producción, acumulación y progreso. No es por ello extraño que, tras la Segunda Guerra Mundial y a raíz del deterioro de ese imaginario, diversos movimientos artísticos trataran de buscar bajo el exceso de forma lo esencial, la mínima expresión, con el fin de repensar desde sus cimientos la escena artística.
El minimalismo forma parte de este movimiento que trata de abordar, mediante una estricta economía de materiales, lenguajes y medios, un desmontaje de las convenciones y prácticas artísticas, entre ellas la danza.
Thierry De Mey filma en Fase cuatro movimientos coreografiados por Anne Teresa De Keersmaker, conduciendo la esencia formal y estética de las imágenes hacia la máxima expresividad del cuerpo en movimiento.

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DANTZALDIA 2015
Palacio Euskalduna, 15 nov - 20h

JORDI CORTÉS - DAMIÁN MUÑOZ - Barcelona
“Ölelés”

Presentada por Alta Realitat.
Inspirada en la novela El último encuentro, de Sandor Márai.
Creada en 2004 y retomada en 2014, con estreno en el Mercat de les Flors, 2015. Premio Ciutat de Barcelona y Mejor Espectáculo de Danza 2004.

La adaptación cinematográfica que realizaron en 2011 bajo la dirección de Clara van Gool recibió también numerosos premios, y entre ellos figuran los siguientes: Mejor Cortometraje en la sección Noves Visions del Sitges 2011, el festival internacional de cine fantástico de Catalunya, el de Mejor Corto de Arte en el festival de cine de Girona 2012, así como finalista nominado al premio Mejor Cortometraje en la V edición de los premios Gaudí de la Acadèmia del Cinema Català. 
Esta pieza nos muestra el reencuentro de dos viejos amigos después de cuarenta años de distanciamiento tanto físico como espiritual, y después de haber sido como hermanos cuando eran niños… Ahora se encuentran para resolver un conflicto del pasado, un conflicto que les distanció. Y se ven obligados a confrontarse con sus fantasmas por última vez.
Según las palabras del autor, Sandor Márai: «Es extraño, pero en húngaro, estas dos palabras, ölés (matanza) y ölelés (beso), se parecen mucho y tienen la misma raíz...»

Porque el tiempo no cura nada
porque algunos actos son irreparables
porque el hombre es un animal
porque la pérdida del amado destruye como un rayo 
porque el amor es el origen
porque toda historia se escribe con esperma y sangre
porque el alma es lo último que envejece
porque el deseo nos empuja
porque el tiempo lo revela todo ... lo mejor y lo peor. 
(Sandor Márai)

Ficha artística 2004-2014
Creación e interpretación: Jordi Cortés y Damián Muñoz
Colaboración artística: María Muñoz (Cía. Mal Pelo)
Música: Collage
Iluminación: Javi Ulla
Espacio escénico: Jordi Cortés, Damián Muñoz y María de Frutos
Voz: Silvia Pérez Cruz
Vestuario: Antonio Belart
Modista: Goretti Puente
Fotografía: Josep Aznar
Community Manager: Marc Mittenhoff
Comunicación y Prensa: Marc Gall - Comedia
Distribución: Jéssica F. Maya - iCultur
Producción: Alta Realitat y Damián Muñoz
Producción ejecutiva: Raül Perales
Coproducción: Endansa
Colaboraciones: L’animal a l´esquena, Fabrik Tanztage Potsdam, L’estruch - Fàbrica de creació de les arts en viu de Sabadell
Con el apoyo de: L´estruch, Ajuntament de Sabadell, INAEM - Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, Kultura Saila - Gobierno Vasco, Institut Ramón Llull, Cultura - Generalitat de Catalunya


Agradecimientos: Marta García (Espai de Dansa de la Generalitat de Catalunya), Fani Benages, Dani Planas, Salut Tarruell, Laura Torrecilla (Agencia de Cooperación Internacional), Sandra Costa, Clara van Gool, Ángel Sala, Cane, Directores de centros culturales y embajadas Españolas en el extranjero, Directores artísticos de teatros y festivales de diversos países.
 


“Time leaps“ GABRIELLA MAIORINO + ALPS MOVES



*”Intercambio e internacionalización", un programa que se desarrolla desde La Fundición para facilitar la movilidad de las compañías y potenciar la difusión internacional de creador@s de Euskadi, Cia Olatz de Andrés 17,18/10 2015 http://www.alpsmove.it
Viernes 13, Sábado 14  de Noviembre 20h
Gabriella Maiorino + idea-tanztheaterperformance + Südtiroler Tanzkooperative Bolzano (I) / Amsterdam (NL)

“Time leaps“


Qué significa hacerse mayor? Qué significa el crecimiento interior? Qué significa el deterioro? Qué es el tiempo?. A la vida y tambien a la danza les gusta presentarse como si fueran una fuente de eterna juventud. En nuestros dias, parece como si la gente mayor fuera superflua y la muerte  “se suprime”. Y mientras nuestra sociedad pretende freneticamente tener la vida bajo control. Y sin embargo esto es un pensamiento que niega toda forma de vitalidad. Esta pieza explora la transformación de los cuerpos. Personas de 60 años se encuentran con gente de 20 para hablar del tema del “envejecimiento”. Buscarán entre sus experiencias e impresiones en el estrecho sendero de la vida para encontrar ese resorte de vitalidad que tanto  se echa en falta en la sociedad actual.

Gabriella Maiorino, coreógrafa italo-holandesa, se formó en  danza, filosofía y música. Todas sus creaciones se han producido en Holanda, y se han presentado tanto en Europa como en Brasil. Ha ganado el Concurso Europeo satelliti (sosta palmizi - Junge Hunde), la primera gira holandesa de DansClick , y su selección en Areowaves.

Coreografía: Gabriella Maiorino en colaboración  con los  intérpretes
Asistente de coreografía: Francesco Barba
Interpretes: Francesco Barba, Julian Burchia, Anastasia Kostner,  Iosu Lezameta, Mariatullia Pedrotti, Doris Plankl
Música: Giovanni Cavalcoli
vestuario: Sarah Burchia 
Diseño de iluminación: Carlo Quartararo
Director de producción: Doris Plankl
Producción: IDEA – tanztheaterperformance, Südtiroler Tanzkooperative
Foto: Maarten van der Glas

Con el apoyo de :
Comune di Bolzano/ Cittá di Bolzano.Stadt Bozen / Provincia Autonoma di Bolzano.Alto Adige-Autonome Provinz Bozen Südtirol / Regione Autonoma Trentino.Alto Adige-Autonome Region Trentino.Südtirol-Region Autónoma Trentin.Südtirol / Ufficio Cultura-Fondazione Cassa di Risparmio-Stiftung SudtirolerSparkasse




*”Intercambio e internacionalización", un programa que se desarrolla desde La Fundición para facilitar la movilidad de las compañías y potenciar la difusión internacional de creador@s de Euskadi, Cia Olatz de Andrés 17,18/10 2015 http://www.alpsmove.it
Viernes 13, Sábado 14  de Noviembre 20h
Gabriella Maiorino + idea-tanztheaterperformance + Südtiroler Tanzkooperative Bolzano (I) / Amsterdam (NL)

“Time leaps“


Qué significa hacerse mayor? Qué significa el crecimiento interior? Qué significa el deterioro? Qué es el tiempo?. A la vida y tambien a la danza les gusta presentarse como si fueran una fuente de eterna juventud. En nuestros dias, parece como si la gente mayor fuera superflua y la muerte  “se suprime”. Y mientras nuestra sociedad pretende freneticamente tener la vida bajo control. Y sin embargo esto es un pensamiento que niega toda forma de vitalidad. Esta pieza explora la transformación de los cuerpos. Personas de 60 años se encuentran con gente de 20 para hablar del tema del “envejecimiento”. Buscarán entre sus experiencias e impresiones en el estrecho sendero de la vida para encontrar ese resorte de vitalidad que tanto  se echa en falta en la sociedad actual.

Gabriella Maiorino, coreógrafa italo-holandesa, se formó en  danza, filosofía y música. Todas sus creaciones se han producido en Holanda, y se han presentado tanto en Europa como en Brasil. Ha ganado el Concurso Europeo satelliti (sosta palmizi - Junge Hunde), la primera gira holandesa de DansClick , y su selección en Areowaves.

Coreografía: Gabriella Maiorino en colaboración  con los  intérpretes
Asistente de coreografía: Francesco Barba
Interpretes: Francesco Barba, Julian Burchia, Anastasia Kostner,  Iosu Lezameta, Mariatullia Pedrotti, Doris Plankl
Música: Giovanni Cavalcoli
vestuario: Sarah Burchia 
Diseño de iluminación: Carlo Quartararo
Director de producción: Doris Plankl
Producción: IDEA – tanztheaterperformance, Südtiroler Tanzkooperative
Foto: Maarten van der Glas

Con el apoyo de :
Comune di Bolzano/ Cittá di Bolzano.Stadt Bozen / Provincia Autonoma di Bolzano.Alto Adige-Autonome Provinz Bozen Südtirol / Regione Autonoma Trentino.Alto Adige-Autonome Region Trentino.Südtirol-Region Autónoma Trentin.Südtirol / Ufficio Cultura-Fondazione Cassa di Risparmio-Stiftung SudtirolerSparkasse


DATZALDIA 2015 AYELEN PARLIN "Hérétiques"

DANTZALDIA 2015
Sala BBK /   Viernes 6  Noviembre  / 20h

AYELEN PAROLIN - Bruselas
"Hérétiques"
http://www.ayelenparolin.be/#/heretiques/

Cuando la repetición infinita de un movimiento y su desarrollo progresivo nos lleva a un viaje hacia el núcleo del gesto, los intérpretes asumen hasta el final una concentración física y mental extrema, desarrollando una gestualidad geométrica compleja, en un crescendo que oscila entre el canon y el unísono. Una pianista formidable en el punto de partida: acompaña pero también marca el dúo.
Ayelen Parolin, hereje de la danza, busca aquí una vía de emoción en el reverso de la sanación explosiva: en la economía expresiva, la ausencia de pathos, la reducción voluntaria de vocabulario y el lanzamiento paradójico de las energías.

Ayelen Parolin nos invita a una forma de ritual contemporáneo, un viaje chamánico al corazón de nuestra época, sirviéndose de códigos actuales para trazar un recorrido que cuestiona la viabilidad entre pasado y presente. La obra se basa en la repetición y la acumulación incesante de un leit motiv, que se desarrolla y se modifica gradualmente, tejiendo así, una telaraña obstinada que se asemeja a la del trance. Este trío obsesivo y mecánico, nos reenvía a los imperativos de eficiencia y rentabilidad de nuestra vida moderna. La coreógrafa intenta abordar no sólo una construcción matemática del movimiento en concordancia con el tratamiento de la música,  sino también un trabajo artesanal de la forma, creando una compleja estructura en capas que se yuxtaponen y se disgregan al infinito.

Concepto y coreografía: Ayelen Parolin
Interpretación: Gilles Fumba & Marc Iglesias
Composición musical y música en directo: Lea
Dramaturgia: Olivier Hespel
Diseño de iluminación: Colin Legras
Técnico de luces: Claude Taymans
Vestuario: Stéphanie Croibien
Producción: RUDA asbl
Co-productores: Charleroi Danses, Les Brigittines,  Théâtre Marni
Con el apoyo de: Fédération Wallonie – Bruxeles-Service de la danse, Kunstenwerkplaats Pianofabriek, La Briqueterie, WBI, SACD, WBT/D
Con la colaboración de : Grand Studio.

Ayelen Parolin esta en residencia administrativa en el Théâtre les TanneursCon Residencia durante el proyecto Passarelles en Les Brigittines y La Briqueterie.

Talller del espectador "Iluminación"


TALLER de ESPECTADORES
5 de Noviembre 20h. Entrada libre

Para público en interesado en el artes escénicas.
Cualquier elemento que apacere en el escenario es el resultado de de una decisión artística de un profesional de la escena. Lo que ocurre o aparece no es fruto de la casualidad, su objetivos es ayudar a la idea común del espectáculo o crear una percepción especial al espectador creando la ilusión propia del artificio del teatral .
-Para este próximo jueves 5 de noviembre contaremos con Iñaki García, director de TARIMA-logística del espectáculo, y Ricardo Cerezo, director técnico del Euskalduna, nos explicarán los intríngulis de la iluminación espectacular y del día a día de su trabajo.

-También se analizarán las piezas recomendadas.

BAD 2015  /
31 / 19,30h. Noviembre  /  TEATRO
JAVIER LIÑERA  /  Euskadi

"Barro Rojo"
Dirección: Linda Wise - Daniela MolinaUn viaje.
Un viaje que nos narra el protagonista del espectáculo. Su historia y la historia de su tío gay. Una historia dentro de otra historia. 
La historia de su tío que fue encerrado en un campo de concentración y luego en la cárcel de Franco. Por ser gay.
La historia de dos realidades del pasado. La Europa de Hitler, la España de Franco.  Y su propia historia que se alimenta de ese pasado.

60 min
Creación y texto: Javier Liñera
Intérpretes: Javier Liñera
Diseño de iluminación y téc
nicos: Patxi Pascual y Aitor PérezProducción: Javier Liñera
Colaboran:  Ayto. de Sopela, Diputación Foral de Bizkaia, La Fundición, Gehitu, Mancomunidad de Uribe Kosta, Kabia Teatroa, Harrobia-Eskena.

Después de estar trabajando en una compañía durante más de 10 años, este es el primer espectáculo que presenta en esta nueva andadura en solitario. Años en los que ha participado en diferentes festivales y ferias nacionales e interncionales: Tarrega, El Cairo, Almagro, Donostia, Transit…
Ha sido formado por diferentes profesionales como Odin Teatret; Laurie Both, Mª Jesus Ariznabarreta, Juan Carlos Garaizabal, Centro Roy Hart, Pantheatre, Vicente Fuentes, Mar Navarro, Juan Carlos Corazza, Zampanó Teatro, Ernesto Caballero…
En solitario realiza el trainig con Kabia Teatro y Blanco Roto. Y trabaja y estudia con Panthatre-Roy Hart. Y ha realizado diversos trabajos audiovisuales.
www.lafundicion.org
 
BAD  2015
Jueves 29 21h,  Viernes 30 19h, 21:30h.  octubre 
TEATRO

Microscopía y Oligor -   México – España
"La Máquina de la Soledad"

Este es el primer proyecto de la asociación de Shaday Larios de la compañía mexicana Microscopía teatro con Jomi Oligor de la compañía española Hnos. Oligor. Antes de este encuentro cada uno ya sentía una atracción por los objetos, la memoria, la micrología, los mecanismos y la fragilidad.

La Máquina de la Soledad es un homenaje al objeto-carta y al correo postal. Esta máquina es la amplitud de un instante hecho de una tecnología precaria, diminuta, invisible, que se activa cada vez que hay tinta entre las manos, de frente un papel, una distancia y una ausencia. Sus embragues son memorias que se van escribiendo con cada correspondencia recuperada en rastros de México y España, con la arqueología de objetos, imágenes y anécdotas insólitas investigadas con escribanos, carteros jubilados, archivos y trabajadores de correos.

La máquina es un documento deshojado en un espacio de micro-paisajes e inventarios de lo ínfimo revelador que hay en los afectos que resguarda la materia.
Un viaje íntimo para 46 espectadores.

Creación, realización e interpretación:
Shaday Larios y Jomi Oligor
Una coproducción de:
Microscopía y Oligor
Con la colaboración de: Centre d´artes escéniques de TERRESSA, IBERESCENA, la máquina del teatro.

Agradecimientos a: los escribanos Edit, Elvira y Lourdes, a Manuel y Elisa, a Javier y su mamá, a David y Anita, a Ivan Puig, a Marcela Armas, a David Continente, a Catalina Juárez, a Dalia Huerta y a Bindu, a Xabi Bobés, a Jordi Fondevila, a Jordá Ferré, a Iazua Larios, a Rober, a los Calandria, a Claudio y Charo, a Lirio y Martí, a Anselmo y María, a Cabo San Roque, al Rinoceronte Enamorado y a todas las personas anónimas que de algún modo han acabado entre los cajones y cajitas de la máquina de la soledad.

 
27 octubre – 20h  -  Multidisciplinar Bilingüe
Estreno absoluto

Errateke – L’específica  /  Euskadi-Catalunya
“Erbeste”

Erbeste es un trabajo de investigación-creación en torno al sentido de pertenencia en contextos sociales cambiantes. Coproducido por Errateke y L’específica, el proyecto se sirve de tres directoras de trayectorias distintas para aplicar métodos de creación escénica diversos (texto-ideas, cuerpo-emociones, imágenes-sensaciones) sobre un tema común y en torno a un mismo material biográfico.

Erbeste es una mujer con vocación de intérprete que transita múltiples ubicaciones, ocupaciones, géneros, idiomas, registros, texturas y contextos en su afán por encontrar el lugar que le corresponde. ¿Cómo arraigar en la apertura?  Tan acostumbrada está a adaptarse e intentar encajar que se está olvidando de sus raíces. Tantas proyecciones caleidoscópicas ve de su imagen, que se desorienta.  Erbeste quiere llegar a ser capaz de ser lo que el resto pueda pedirle que sea.
Alguien le dijo que esto formaba parte de la vida de comediante, pero también le dijo que para triunfar había que ser genuino…. ¿y eso, dónde se encuentra?

Textos y dramaturgia: Rakel Ezpeleta
Creado con la ayuda de las directoras: Simona Quartucci, Iñaki Rikarte y Neus Suñé.
Ayudante de dramaturgia y dirección: Esther Belvis.
Erbeste: Rakel Ezpeleta
Bestea: Hèctor Boada
Composición musical original: Daniel Higiénico y Rakel Ezpeleta
Ayudante de coreografía: Elisenda Moya
Músicos colaboradores en grabaciones: Daniel Higiénico (guitarra, orquestación digital, voz y mezclas), David Sam (piano), Floren Rodríguez (bajo, guitarra y percusión), Manel Romero (batería y mezclas), Alex Blanco (bajo), Sergio Carmona (guitarras eléctricas)…
Otros fragmentos musicales de: SuTaGar, Mocedades, Telekantak,
Coach actoral: Blanca Martínez
Diseño de iluminación: Hèctor Boada
Diseño gráfico: Marta Extramiana
Fotografías: Sandra Soussa, Beatriz Marahver, Carlos Torrico y Josep Tobella.
Una producción de: Errateke – l’Específica - BAD.
Colaboran: Laboratori Tisner, Baratza Aretoa, Eusko Jaurlaritza (Sormen Lantegiak -Ikertu-).


La cía. Errateke se funda en Gasteiz en 2014 para generar nuevas obras desde el teatro, la danza y la música en directo. Plataforma l’Específica es una asociación barcelonesa de 35 actores y actrices profesionales que en sus 7 años de existencia ha (co)producido más de 15 obras teatrales.
Erbeste se crea entre Barcelona y Gasteiz; entre una intérprete y tres directoras (un vasco, una italiana y una catalana), un cantautor y una asesora; entre textos de ensayo y acciones para disfrutar; entre tesis académicas y precariedad laboral.
BAD 2015
Lunes 26 Octubre 20h
BIOPIC (Biografía en escena) en Castellano - Portugués / con subtítulos
Estreno Absoluto
PABLO FIDALGO – Portugal-Galicia
“Habrás de ir a la guerra que empieza hoy”



"A mi querido hermano Manolo, con la añoranza de los años y la distancia". Esta dedicatoria en un manual de origami titulado Papirozoo que Pablo Fidalgo Lareo encuentra en una estantería de su casa es el inicio de Habrás de ir a la guerra...El inicio de un proceso de reconstrucción de la historia de su familia y de España. El inicio del encuentro con la figura fascinante de su tío abuelo Giordano Lareo: encarcelado durante la guerra civil, exiliado tras escapar in extremis de la ejecución y también profesor, traductor, tesorero de la república en el exilio, representante de Nestlé en la Patagonia, inventor de un sofá-cama y autor del primer manual de papiroflexia de Argentina. En esta pieza, que es al mismo tiempo un encuentro y un baile final, se dará vida a Giordano Lareo. Argentina, la tierra del exilio, será el lugar donde prepararnos para la guerra, donde poner a salvo las ideas, donde educar la mirada para un paisaje infinito que nos acompañará hasta el final.

Dirección y texto: Pablo Fidalgo Lareo
Interpretación: Cláudio da Silva
Diseño de luz: José Álvaro Correia
Espacio sonoro: João Galante
Técnico: Nuno Figueira
Apoyo artístico y producción: Amalia Area
Asesoramiento artístico: Cláudia Dias
Producción y difusión: Carla Nobre Sousa/Materiais Diversos
Co-producción: Teatro Municipal Maria Matos (Lisboa), Festival TNT (Terrassa), Festival BAD (Bilbao), Festival de Otoño a Primavera (Madrid)
Con el apoyo de: Espaço Alkantara (Lisboa)
Agradecimientos: Nené Lareo, Patricia Cerviño Lareo, Polo Madueño, Archivo Histórico Municipal Adolfo Carlos Oroz (Puerto Santa Cruz, Argentina), Arquivo da Emigración Galega, Comisión Recuperación Memoria Histórica A Coruña
 
BAD 2015
Sábado 24 Octubre 20h. Domingo 25 Octubre 19h.  DANZA

Estreno absoluto
Cia. MATXALEN BILBAO  / Euskadi
“L´autre / Bestea”


www.matxalenbilbao.es

La obra interroga el espacio intermedio “el entre”. Mira la distancia no sólo en términos físicos sino también de espacios menos concretos como el tiempo, las relaciones y las fronteras que separan todos esos huecos.
Tejer el espacio de separación y de acuerdo, vincular los espacios físicos y los espacios “interiores” como evidencia de una conexión entre ellos.
La mirada construye el espacio dándole forma a la distancia que está llena de lejanías y de cercanías.

Durante estos 15 años como creadora Matxalen Bilbao ha perfilado un vocabulario personal, interesada en profundizar y desarrollar su propio pensamiento sigue Insistiendo rigurosa y metódicamente en sus preocupaciones, trazando un camino coherente donde se revela una querencia por el movimiento y su organización espacio-temporal como medio de expresión de ideas.

L´AUTRE / BESTEA es un paso más hacia la consolidación de su carrera. En esta creación colabora con Johanna Etcheverry miembro del Laboratoire Chorégraphique Sans Frontières con la que comparte modos de pensar la danza.
Este nuevo proyecto ofrece a ambas un desafío y una oportunidad de repensar el contexto y descubrir otras alternativas que sin duda ampliarán sus lenguajes.

Dirección. Matxalen Bilbao
Coreografía e Interpretación. Johanna Etcheverry,  Matxalen Bilbao
Diseño de iluminación. David Alcorta
Música original. Marc cano
Diseño de vestuario. Azegiñe Urigoitia
Fotografía. Aintzane Aragüena Oar-Arteta
Producción. Matxalen Bilbao, Gobierno Vaco
Colaboran. La FuNdicIOn y Malandaín Ballet Biarritz
 
BAD 2015
JUEVES 22 oct - 19:30 h   DANZA

IBON SALVADOR E LUCIANA CHIEREGATI
COLECTIVO QUALQUER – Euskadi

“Gag”

GAG* es una pregunta, es un intento de puesta de un problema en escena (problema: algo lanzado ahí delante - arrojar una dificultad a la escena - de la conferencia de Diego Agulló). Una invitación que tiene que ver con la atribución de significados a las cosas, en este caso a un cuerpo que se mueve. Un intento de generar un territorio de imposibilidad de significar desde un exceso de interpretación - ¿vaciamiento? ¿potencia? ¿aburrimiento?.  ¿Serán los significados una construcción o serán ellos inherentes a la materia que significan? ¿Qué se produce en la sobredosis de significados que interrumpen una lógica de relaciones de superposición entre el cuerpo y las palabras? ¿Qué cuerpo? GAG es una pregunta acerca de un cuerpo bailando en escena hoy.

*Del término que indica sobre todo algo que se mete en la boca para impedir la palabra, y después la improvisación del actor para subsanar un vacío de memoria o una imposibilidad de hablar.

40 min
Concepto: Luciana Chieregati
Creación Y Coreografía: Luciana Chieregati e Ibon Salvador
Texto: Luciana Chieregati en colaboración con Ibon Salvador, Camila Telléz, Idoia Zabaleta, Rosa Casado y Mike Brooks
Sonido: Eduardo Zallio
Acompañamiento: Idoia Zabaleta, Rosa Casado, Rafael Lamata, Jaime Vallaure y Camila Telléz
Foto: Camila Telléz
Agradecimientos: Luisa Castro, Ignacio De António, Mike Brooks, Ixiar Rojas, Carolina Campos, Sofia Asencio Aznar, Germán De La Riva, Itsaso Irribaren, Vivian Chieregati Costa, Paulina Chamorro, Carlos Marquerie, Antom Ferreiro, Iara Solano
Apoyos: Ayuda a Jóvenes Coreógrafos del Gobierno Vasco Dantzan Bilaka; Azala Kreazioa Espazioa.

El Coletivo Qualquer surge en el 2008 en Lisboa a partir del encuentro de Luciana Chieregati e Ibon Salvador, ambos investigadores y coreógrafos. Durante estos años su interés se centra en elaborar piezas de danza en cruzamiento e intersección con la filosofía contemporánea. Invierten energía en la elaboración de trabajos limítrofes que dialogan con el cotidiano, desplazando la disposición del espacio teatral y sobre todo investigan la creación de lenguajes desde la coreografía.

Esta preocupación por la organización de los espacios no solo físicos sino también imaginarios y ficcionales, esta preocupación por cómo se inventa “lo real” es lo que hace que los creadores transiten por diferentes propuestas como la coordinación del espacio de residencias artísticas Seu Vicente en Lisboa y la participación en el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual en Madrid además de su participación en talleres, seminarios y encuentros con diferentes coreógrafos contemporáneos.