Un Teatro para la ciudad. Disfruta y comparte la creación contemporánea en Bilbao. Bilboko kreazio garaikiedeak disfrutatzeko eta iritzia emateko. Teléfono: 944 753 327 Fax: 944 759 115 Dirección: Francesc Macià 1-3 48014 Bilbao http://www.lafundicion.org/

Entradas 10€ / Todos los actos comienzan a las 20:00h. excepto domingos 19h. Reservas y venta de entradas: En cajeros Internet en la pg. de La Fundición o en taquillas el día del espectáculo. Reservas en taquilla Tf. 994 753 327 hasta las 1/2 hora antes del comienzo. No se permite la entrada una vez comenzada la representación.


DANTZALDIA 2014 - Café con CAROLYN CARLSON 13/12 /O14 BILBAO


Café con CAROLYN CARLSON en el DANTAZALDIA 2014 Bilbao. www.dantazaldia
Conocemos a la coreógrafa en el escenario, ahora es un encuentro de con la persona. ¿Cómo se construye una pieza? ¿ Que relación se estable con sus bailarines?¿El gesto poéticos? ¿Las fuentes de inspiración? ¿El mundo del agua? ¿El fluir lento de las cosas y su constante transformación? ¿La escucha? ¿El mundo oriental?.... elementos que forman la arquitectura invisible de su danza. Todo estoy y mas ha compartido con una artista fundamental para entender la creación escénica de la danza desde los años 70 hasta nuestros días. 
Palacio Euskalduna
14 Diciembre / 20h 
CAROLYN CARLSON Company (París)
“Short Stories” (Li – Mandala – Immersión



















TEATRO XTREMO "Liberación mediante la compresión en el estado intermdio"



Una ceremonia hipnótica y apasionante realizada con litúrgica concentración y misteriosa intensidad.JUAN I. GARCÍA GARZÓN (ABC)

12 Diciembre 20h. 13 Diciembre 20h.TEATRO
TEATRO  XTREMO - Jaén

"Liberación mediante la compresión en el estado intermedio"


Básicamente, cuando mueres tu espíritu abandona el cuerpo, en realidad en un primer momento puedes ver toda tu vida reflejada en un espejo mágico. Entonces empiezas flotando como un fantasma, puedes ver todo lo que ocurre a tu alrededor, se puede oír todo, pero no te puedes comunicar. Entonces verás luces, luces de todos loscolores, estas luces son las puertas que te lanzan a otros planos de la existencia, pero a la mayoría de la gente le gusta tanto este mundo, que no quieren ser llevado, así que todo el asunto se convierte en un mal viaje, y la única manera de salir es conseguir reencarnarse.”

‘Liberación mediante la comprensión en el estado intermedio’, es una performance de expresión física y audiovisual. La obra parte de las vivencias del trabajo anterior de la compañía, ‘San Lorenzo Mártir’, en el que llevaban el cuerpo al límite, y de la lectura del tibetano ‘Bardo Thodol’, cuya traducción más fiel es ‘Liberación mediante la comprensión en el estado intermedio’, aunque también se ha denominado el libro tibetano de los muertos.



Los monjes tibetanos cuentan a los moribundos lo que aparece en este libro, en el que se relata el tránsito de la muerte a una nueva vida, trayecto en el que la persona pasa por distintos estados de placeres y miedos corriendo el peligro de quedarse enganchado a ellos y sólo al lograr escapar de los mismos consigue la reencarnación.

La exposición al límite que condujo a la compañía el montaje ‘San Lorenzo Mártir’ hizo que Ricardo Campelo viviera una experiencia similar a lo expuesto en el libro y esa vivencia es la que reconstruye con su cámara enfocando y encuadrando las performances de trabajo físico que realizan Luisa Torregrosa y Diana Lucena.
El espectador elige si está en la acción directa, más potente, de las dos intérpretes o en la realización de imágenes más subjetiva, a veces mostrando lo imperceptible y en ocasiones temerosa ante lo que acontece, que propone en la proyección de la pantalla Campelo, transmitiendo así una “experiencia íntima”.


En escena: Luisa Torregrosa, Diana Lucena y Ricardo Campelo Parabavides

Espacio sonoro: Coeval
Fotografías: Ricardo Bautista
Dirección: Ricardo Campelo Parabavides


Prensa:


La propuesta de Teatro Xtremo transita entre la escena, la plástica, la música y la informática, constituyendo una estupenda muestra de la vanguardia escénica multimedia.

Luisa Torregrosa, Diana Lucena y Ricardo Campelo, que también dirige el espectáculo, realizaron una minuciosa descripción de lo indescriptible, dejando a los espectadores en profunda cavilación sobre cómo desarrollarían su búsqueda personal en el exterior de la cueva cuando llegara el inevitable momento.  /  Javier Aguirre - El Librepensador



“Teatro Xtremo propone al público una situación de voyeur, en sus performances exhiben momentos privados estimulados por sustancias que les ayudan a conseguir estados y atmósferas delirantes. Aquí, los cuerpos son lienzos donde se pinta y mancha sobre la marcha, bajo el ojo perpetuo de una cámara de video. Una performance en sentido inverso, que reconstruye el viaje desde el caos al orden”. /  Adolfo Simón – Que revienten los artistas.



TEATRO XTREMO

Nuestro trabajo es teatral, teatral como un arte específico, teatro como arte del todo,teatro como TEATRO. En el 2005 abrimos el espacio TX (IX premio Jóvenes, modalidad: Arte otorgado por el Instituto Andaluz de la Juventud y III premio Emprende otorgado por Ayto. de Jaén), donde hemos celebrado 7 ediciones del festival internacional Jaén Subterránea, 6 del ciclo nacional Alienígenas y 2 del ciclo internacional de danza contemporánea Mecánica.
Hemos impartidos cursos y conferencias en la Universidad Autónoma de Madrid, Universidad Internacional de Andalucía, Universidad de Jaén, Centro Andaluz de Teatro, Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral, Centro de Apoyo al Profesorado de la Comunidad de Madrid, Instituto Andaluz de la Mujer, Concejalías de Cultura y Juventud del Ayuntamiento de Bailén, Escuela de Arte José Nogué de Jaén y TX.
Creado las obras Liberación mediante la comprensión en el estado intermedio, San Lorenzo Mártir, Opus (mención especial del jurado a la propuesta más provocadora y arriesgada del VII Festival Iberoamericano de Mar del Plata – Argentina), Reset… propuestas de investigación que han girado por Europa e Iberoamérica, participando en diversos espacios, festivales, muestras y ciclos internacionales.




Hedwig and the Angry Inch / CINE CAMP / Jueves 11 / Diciembre/ 20h / Entrada libre



Jueves 11 / Diciembre/ 20h / Entrada libre
CINE CAMP en COMPAÑIA en La FuNdIcIOn

Cine camp, cine-cam, musicales, cine de género, coreografía, clásicos del cine…, en fin, cine para ver juntos. Cada vez que hemos proyectado cine y video en La Fundición ha sido un verdadero placer. Nos gusta como se ve la imagen. Queremos repetir la experiencia y compartirla con vosotros.

Hedwig and the Angry Inch, adaptación del célebre musical rock del off Broadway (circuito teatral alternativo en la periferia de Broadway), es la historia de una cantante de rock «mundialmente desconocida» y sus esfuerzos por alcanzar el estrellato y encontrar el amor. Hedwig nació varón, un chico llamado Hansel que soñaba con encontrar su otra mitad, pero de mala gana se sometió a una operación de cambio de sexo que le permitió casarse con un soldado americano y alcanzar la libertad al otro lado del muro de Berlín. La operación salió mal y Hedwig se quedó con esa “pulgada irritada” (“angry inch”) que da nombre a la película. Abandonada y divorciada en un parque de caravanas de Kansas, Hedwig decide formar un grupo de rock y conoce al joven Tommy Gnosis, que se convierte en su amante y protegido antes de abandonarla, robarle sus canciones y triunfar por todo lo alto como estrella del rock. Acompañada de su grupo paneslavo, “The Angry Inch”, Hedwig, afligida pero divertida, sigue a Tommy en su gira de masas, tocando en restaurantes medio vacíos ante clientes desconcertados y unos cuantos fans incondicionales.
Dirección: John Cameron Mitchell.
País: USA.
Año: 2000.
Duración: 95 min.


I
nterpretación: John Cameron Mitchell (Hedwig), Michael Pitt (Tommy Gnosis), Miriam Shor (Yitzhak), Stephen Trask (Skszp), Theodore Liscinski (Jacek), Rob Campbell (Krzysztof), Michael Aranov (Schlatko), Andrea Martin (Phyllis Stein).Guión: John Cameron Mitchell; basado en la obra de John Cameron Mitchell y Stephen Trask.
Producción: Pamela Koffler,
Katie Roumel y Christine Vachon.Música: Stephen Trask.
Fotografía:
Frank G. DeMarco.
Montaje:
Andrew Marcus.Diseño de producción: Thérèse DePrez.Dirección artística: Nancey Pankiw.Vestuario: Arianne Phillips.
Decorados: Liesl Deslauriers.


TEATRO XTREMO - Jaén"Liberación mediante la compresión en el estado intermdio"



12 Diciembre 20h. 13 Diciembre 20h.TEATRO
TEATRO  XTREMO - Jaén 

"Liberación mediante la compresión en el estado intermdio"


“Básicamente, cuando mueres tu espíritu abandona el cuerpo, en realidad en un primer momento puedes ver toda tu vida reflejada en un espejo mágico. Entonces empiezas flotando como un fantasma, puedes ver todo lo que ocurre a tu alrededor, se puede oír todo, pero no te puedes comunicar. Entonces verás luces, luces de todos loscolores, estas luces son las puertas que te lanzan a otros planos de la existencia, pero a la mayoría de la gente le gusta tanto este mundo, que no quieren ser llevado, así que todo el asunto se convierte en un mal viaje, y la única manera de salir es conseguir reencarnarse.”

‘Liberación mediante la comprensión en el estado intermedio’, es una performance de expresión física y audiovisual. La obra parte de las vivencias del trabajo anterior de la compañía, ‘San Lorenzo Mártir’, en el que llevaban el cuerpo al límite, y de la lectura del tibetano ‘Bardo Thodol’, cuya traducción más fiel es ‘Liberación mediante la comprensión en el estado intermedio’, aunque también se ha denominado el libro tibetano de los muertos.
Los monjes tibetanos cuentan a los moribundos lo que aparece en este libro, en el que se relata el tránsito de la muerte a una nueva vida, trayecto en el que la persona pasa por distintos estados de placeres y miedos corriendo el peligro de quedarse enganchado a ellos y sólo al lograr escapar de los mismos consigue la reencarnación.
La exposición al límite que condujo a la compañía el montaje ‘San Lorenzo Mártir’ hizo que Ricardo Campelo viviera una experiencia similar a lo expuesto en el libro y esa vivencia es la que reconstruye con su cámara enfocando y encuadrando las performances de trabajo físico que realizan Luisa Torregrosa y Diana Lucena.
El espectador elige si está en la acción directa, más potente, de las dos intérpretes o en la realización de imágenes más subjetiva, a veces mostrando lo imperceptible y en ocasiones temerosa ante lo que acontece, que propone en la proyección de la pantalla Campelo, transmitiendo así una “experiencia íntima”.

En escena: Luisa Torregrosa, Diana Lucena y Ricardo Campelo Parabavides
Espacio sonoro: Coeval
Fotografías: Ricardo Bautista
Dirección: Ricardo Campelo Parabavides

Prensa:
La propuesta de Teatro Xtremo transita entre la escena, la plástica, la música y la informática, constituyendo una estupenda muestra de la vanguardia escénica multimedia.
Luisa Torregrosa, Diana Lucena y Ricardo Campelo, que también dirige el espectáculo, realizaron una minuciosa descripción de lo indescriptible, dejando a los espectadores en profunda cavilación sobre cómo desarrollarían su búsqueda personal en el exterior de la cueva cuando llegara el inevitable momento.  /  Javier Aguirre - El Librepensador


“Teatro Xtremo propone al público una situación de voyeur, en sus performances exhiben momentos privados estimulados por sustancias que les ayudan a conseguir estados y atmósferas delirantes. Aquí, los cuerpos son lienzos donde se pinta y mancha sobre la marcha, bajo el ojo perpetuo de una cámara de video. Una performance en sentido inverso, que reconstruye el viaje desde el caos al orden”. /  Adolfo Simón – Que revienten los artistas.
TEATRO XTREMO
Nuestro trabajo es teatral, teatral como un arte específico, teatro como arte del todo,teatro como TEATRO. En el 2005 abrimos el espacio TX (IX premio Jóvenes, modalidad: Arte otorgado por el Instituto Andaluz de la Juventud y III premio Emprende otorgado por Ayto. de Jaén), donde hemos celebrado 7 ediciones del festival internacional Jaén Subterránea, 6 del ciclo nacional Alienígenas y 2 del ciclo internacional de danza contemporánea Mecánica.
Hemos impartidos cursos y conferencias en la Universidad Autónoma de Madrid, Universidad Internacional de Andalucía, Universidad de Jaén, Centro Andaluz de Teatro, Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral, Centro de Apoyo al Profesorado de la Comunidad de Madrid, Instituto Andaluz de la Mujer, Concejalías de Cultura y Juventud del Ayuntamiento de Bailén, Escuela de Arte José Nogué de Jaén y TX.
Creado las obras Liberación mediante la comprensión en el estado intermedio, San Lorenzo Mártir, Opus (mención especial del jurado a la propuesta más provocadora y arriesgada del VII Festival Iberoamericano de Mar del Plata – Argentina), Reset… propuestas de investigación que han girado por Europa e Iberoamérica, participando en diversos espacios, festivales, muestras y ciclos internacionales.

LA FUNDICIÓN CREA UN TALLER DE ESPECTADORES /Jueves 4 de diciembre / 20h / ENTRA DA LIBRE

LA  FUNDICIÓN  CREA UN  TALLER  DE  ESPECTADORES  Jueves 4 de diciembre  / 20h  / ENTRA DA LIBRE
Contenidos:

• Goizalde Landabaso: los Medios de comunicación y los temas de cultura.
• Alex Gerediaga: procesos de trabajo en la compañía de teatro KHEA ZEATER.
• Laura Etxebarria explicará la figura de Carolyn Carlson como pionera en la danza del siglo XX.
• Paco Hernando conducirá el análisis de las piezas recomendadas.
• David Barbero conducirá la sesión.
La Fundición arrancará la Temporada poniendo en marcha un Taller de espectadores de creaciones contemporáneas en artes escénicas.
Lo plantea como un club para personas, de todos los horizontes profesionales, interesadas en debatir y analizar temas como: artes escénicas, nuevas tendencias escénicas, nuevas tecnologías, nuevas propuestas en danza y teatro, relación con el público o la programación de La Fundición, además de otros posibles asuntos para la discusión creativa.
 
En las reuniones, se disfrutará también de encuentros con coreógrafos, directores, bailarines, representantes de medios de comunicación, de Talleres de mediación, y expertos en la práctica teatral.
Este Taller de espectadores de La Fundición se abre como un espacio para el enriquecimiento personal y la formación técnica de sus participantes como interesados en estas cuestiones artísticas de vanguardia, a través del debate, la exposición, el análisis, el descubrimiento de nuevas formas, el intercambio de opiniones y los encuentros con destacados creadores e intérpretes actuales de las diferentes ramas de las artes escénicas.  
Los debates serán conducidos por David Barbero. En ellos, contaremos, además, con la presencia de críticos y/o periodistas especializados en cultura, creadores y/o compañías, que presenten sus estrenos y procesos y procesos de creación.
Los Talleres de la primera fase, otoño 2014, tendrán lugar los primeros jueves de octubre, noviembre y diciembre, de 20 a 21:30h, en La Fundición.

JAVIER LIÑERA "Barro rojo" 1 al 17 de Diciembre / Residencia de Creación / Teatro


La FuNdicIOn como CENTRO DE RECURSOS
Residencia de Creación
del 1 al 17de DICIEMBRE


JAVIER LIÑERA
"Barro rojo"
(gays y lesbianas en los campos de concentración)

LA FUNDICIÓN, en su apartado de acción como Centro de Recursos, y en relación alos procesos de investigación, creación y producción, conecta con la necesidad de lascompañías de disponer de un espacio para llevar a cabo estas fases de sus procesos,para lo cual se propone colaborar con éstas ofreciendo equipamiento y espacio detrabajo en las fechas previas a la presentación de la pieza en el programa de La Fundición. Por otro lado, como Espacio interesado en desarrollar la conexión con las audiencias y otros profesionales, La Fundición plantea la Residencia como una herramienta deacercamiento que tienda puentes entre los procesos creativos, los artistas invitados y los locales, y todo aquel interesado en conocer más de cerca el entramado de lapuesta en marcha y/o en escena de una nueva creación y su dramaturgia.

"Barro rojo"
(gays y lesbianas en los campos de concentración)
El eje de la obra: los gays y lesbianas en los campos deconcentración. Se trabajará este tema, que es bastante amplio, teniendo en cuenta diversas variables a la hora de enfocar el trabajo. Y la más importante es que no se buscará el victimismo, sino el reconocer la historia tal cual fue. La realidad ya muestra quienes fueron las víctimas, pero mi enfoque va hacia un empoderamiento de la persona, del gay.
Para ello enfocaré la historia desde los dos ambientes que se crean en las diferentes historias que he leído: los retorcidos de la vivencia en los campos frente a las ganas de vivir y de identificación. Este último punto, la identificación, tendrá que ver con la pluma gay como juego irónico, una ruptura con la pluma heterosexual, con la representación e identidad masculina. Es decir, la pluma como un símbolo de lucha.
Conocer sus historias, ponerles nombre, hace que existan.
Hacer públicas las historias que se ven en escena consigue que el silencio que ha cubierto las historias se rompa. Para mi es importante, tanto personalmente como históricamente, ya que en el estado español no se conocen los campos de concentración, ni las historias de los gays en ellos.

“Tiempo y olvido son las grandes ventajas del verdugo. Los aliados con los que siempre cuenta. Son conscientes de ello. Por eso es necesario que mantengamos intacta la memoria contra la barbarie” Miguel Ángel Sosa.

Para tratar estas historias se pasará del tratamiento en primera al de tercera persona. Siendo el mismo personaje el que vive la situación o siendo el artista la persona que cuenta lo que sucede.

Diferentes espacios. Un viaje desde Alemania a España. Un viaje del pasado al presente. Un viaje entre lo real y lo ficticio, entre lo que le sucede al personaje en su propia vida comparándola con lo que sucede en los campos de concentración, realizando un trabajo metafórico. De tal manera que situaciones muy crudas serán contadas de una manera cuasi anecdótica. El espectador no sabrá concretamente de qué tiempo, ni de qué espacio se habla. Buscando de esta manera que el espectador pueda pensar que algo que ha sucedido en el pasado, puede volver a suceder. Y también ir descubriendo que en el estado español han existido estos campos, un tema casi desconocido.

JANET NOVAS / Madrid “Who will save me today?” 29 - 30 Noviembre 19:00h. / Danza

 
CIRCUITO DE LA RED DE SALAS ALTERNATIVAS 2014
29 Noviembre 20.00h.  - 30  Noviembre 19:00h.   / Danza
JANET NOVAS  / Madrid  “Who will save me today?”


Habito un tiempo y convivo en una sociedad que me crea un constante conflicto, este es uno de los principales motores de mi trabajo. Una tensión que me provoca buscar la manera de operar dentro de los diferentes contextos, preservándome, preservando mi trabajo. Indago sobre el modo de presentarme dentro de los contextos y en esta tensión encuentro mi herramienta. Desde este lugar creo dispositivos que inviten a entrar en mi mundo y habitarlo por un tiempo. Un mundo donde el cuerpo se convierte en objeto para fundirse o prolongarse y así revelar lo común del ser humano.
¿Como integrar una (o mi) verdad transparente y convivir con ella habitando un sistema en el cual todo se clasifica y se ordena de forma estructural? ¿Como compartir mi verdad y como aceptar la verdad de otros? ¿Cuantos somos muchos y solos cuantos somos? ¿Necesitamos ser salvados? ¿Se han salvado quienes ya estuvieron? ¿Quienes nos salvarán?¿Who will save me today?
Who will save me today? surge de mis vivencias en la actualidad. Nace de un encuentro conmigo misma y de la aceptación de mis experiencias y creencias como ser humano. Una necesidad de hacer de mi trabajo un ejercicio de honestidad. Esto es lo único que me salva y me permite continuar día a día.

Dirección artística: Janet Novás
Asistencia artística:  Ricardo Santana
Música: Pergolessi
Música original:  Haru Mori
Intérpretes: Janet Novás
Escenografía: Janet Novás
Vestuario: Cyril Wicker
Iluminación: David Picazo
Foto: Piti Prieto 
DURACIÓN 55 min.

AGRADECIEMIENTOS Natalia Balseiro, Haru Mori,Pablo Esbert,Bea Calatrava, Victoria Perez, Katia Kissina, Janet Parra, Centro Conde Duque , CC de Humanidades Sierra Norte, Certamen Coreográfico de Madrid y Choreoroam Europe.

Natural de Galicia . Se ha formado en danza contemporánea en la escuela Carmen Senra, en el Conservatorio Profesional de Danza (Madrid) y en diferentes escuelas de Bruselas y Berlín. Recibe varios premios a lo largo de su carrera entre los que podemos destacar el 2º premio del XXI Certamen Coreográfico de Madrid, el premio B-motion , una beca para el danceWEBeurope 2008 (Viena) y el Premio InJuve, con su creación “Cara pintada”. También fue seleccionada para participar en el programa de talleres y residencias ChoreoRoam 2011 organizado por The Place (Londres), Festival Opera Estate (Bassano del Grappa) , Dansateliers (Roterdam) , Danceweek Festival (Zagreb) y el Certamen Coreográfico de Madrid.
Desde sus inicios como creadora Janet Novás ha contado con la colaboración del músico y compositor Haru Mori y el coreógrafo y performer Ricardo Santana.

Sus trabajos se han presentado en prestigiosos festivales nacionales e internacionales como Rencontres Choregraphiques, Festival de Marseille , Festival Nouvelles-Pole Sud, Cement Festival, Danza en Transito, MOV_S , TNT Dansa , Mes de Danza Sevilla y el XXV Festival de Madrid en Danza entre otros.

3 COREÓGRAFAS del SIGLO XX / CINE DANTZALDIA 2014 27 Noviembre






27 nov, 19h – La Fundición
CINE-DANTZALDIA 
Entrada libre hasta completar el aforo

3 COREÓGRAFAS del SIGLO XX
Carolyn Carlson
Anna Theresa De Keersmaeker
Pina Bausch 


Carolyn Carlson
, de ascendencia finlandesa, coreógrafa norteamericana de danza contemporánea, artista y poeta. “La danza contemporánea europea aún guarda un pequeño puñado de figuras únicas. Son creadores e intérpretes con una solvencia artística intachable, un perfil definido pero no congelado, inconfundibles en escena. No crean escuelas, necesariamente, pero marcan a los bailarines con quienes colaboran. Carolyn Carlson es una de estas artistas. La coreógrafa, conocida tanto por sus sugerentes creaciones y sus impresionantes trabajos en solitario, nació en Califonia y luego se marchó, como buena parte de los bailarines estadounidenses, a Nueva York, donde fue musa durante siete años del magistral coreógrafo norteamericano Alwin Nikolais. Desde hace más de tres décadas está afincada en Europa. Su cuerpo larguísimo llena el espacio escénico y conjura a la poesía”. Laura Kumin

En 1983 una joven coreógrafa belga conmocionó el mundo de la danza contemporánea con una pieza extrema en potencia, viveza y humanidad. La coreógrafa se llamaba Anna Theresa De Keersmaeker; la pieza -aún hoy en el repertorio de la compañía que nació a raíz de su éxito- Rosas danst Rosas. 
Prefigurando las tensiones que caracterizan el trabajo posterior de De Keersmaeker, cuatro mujeres interpretan la danza del contraste, la dialéctica entre agresión y ternura, la contienda entre uniformidad e individualidad. Convertida en clásico, Rosas danst Rosas se ha representado incontables veces en teatros y festivales de todo el mundo.

La International Encyclopedia of Dance de la Universidad de Oxford define el trabajo de Pina Bausch como único, sosteniendo que su cuerpo de danza lo forman bailarines "de apariencia y perspectiva madura, donde cada uno alude a la enorme capacidad multifacética y cosmopolita del mundo de Bausch. A menudo se quedan en la compañía durante décadas, y cuando alguien decide irse, varios cientos de aspirantes asisten a una audición en la que se sumergen en las técnicas y el universo de Pina”, lo que señala cuán importante fue su aportación a la creación y a la danza y la influencia de su legado, tras su muerte en 2009.

Compañía TERESA NAVARRETE"Salon Otto"22 de Noviembre a las 20h. 23 de Noviembre a las 19h. DANZA


Circuito Red de Salas Alternativas 2014 
22 de Noviembre a las 20h. 23 de Noviembre a las 19h.  DANZA
Compañía TERESA NAVARRETE - Sevilla"Salon Otto"
IV PREMIOS PAD 2014
ASOCIACIÓN DE PROFESIONALES Y CÍAS PARA EL DESAROLLO DE LA DANZA EN ANDALUCIA.PAD 


Mejor espectáculo de sala
Salón Otto, Compañía Teresa Navarrete
Mejor dirección
Teresa Navarrete, Salón Otto, Compañía Teresa Navarrete
Mejor coreografía
Teresa Navarrete, Salón Otto, Compañía Teresa Navarrete
Mejor diseño de iluminación
Nando Pérez / Diego Cousido, Salón Otto, Compañía Teresa Navarrete
Mejor diseño de espacio sonoro / composición original
Miguel Marín / Montgomery, Salón Otto, Compañía Teresa Navarrete
Salón Otto es la espera y la esperanza; un aliento, pero no el último.

“Salón Otto” pudiera ser ese bosque, “donde los senderos, los pájaros, los gusanos, los reptiles, los helechos, los árboles, etc, no tienen comparación posible. Las escalas temporales continúan sus caminos, de la hormiga al roble, de la fotosíntesis a la fermentación. En este apogeo de tiempos, energías e intercambios, ocurren incidentes que se desfasan y por tanto esperan en un entretiempo. Esa es la fotografía de Jitka”.
Adoptamos el concepto de entretiempo como idea de espera, de no prisa ni ansiedad por buscar el hueco, el camino. La espera aquí como calma y libertad de movimientos, sin la presión de no estar allá, sin la presión de estar aquí. “Podemos colocarnos en medio del bosque de Jitka, y con naturalidad perseguir su influjo.” Por lo tanto, hablemos de paciencia. Una espera no pasiva, una espera de acción y cambio; desde la mirada, la contemplación, desde la poesía de lo cotidiano.

La obra de John Berger Con la esperanza entre los dientes se muestra devastadora y multiplicadora de posibilidades. Los textos propios de Teresa Navarrete y Nando Pérez, extractos de la obra Nocilla experience de Agustín Fernández Mallo y apuntes de Franzt Fanon, Andréi Platónov y Virginia Arroyo, se articulan como elementos dramatúrgicos, evolucionando hacia acciones plásticas y físicas en la puesta en escena, recreando así una minuciosa observación de lo pequeño.


MONTGOMERY En este nuevo trabajo, Compañía Teresa Navarrete cuenta con la presencia del creador sonoro Montgomery, una colaboración estelar en este nuevo asalto creativo de la compañía. Salón Otto se nutre de nuevos matices que forman parte de una línea estética en constante evolución. Montgomery ofrece estas nuevas perspectivas en cuanto a la composición y ambientación musical, ofreciendo además una potente presencia física que vigila y alimenta la escena.


Compañía Teresa Navarrete está codirigida por la coreógrafa y bailarina Teresa Navarrete, el actor físico Nando Pérez, y el músico y compositor Miguel Marín. Cuenta en este proyecto con la participación del artista sonoro Montgomery. Junto a ellos, formando parte del equipo de trabajo, figura la diseñadora de espacios y fotógrafa María Meler.
Como en todos sus procesos de creación, Compañía Teresa Navarrete recibe el apoyo de otros profesionales de la escena que actúan de mirada externa y aportan riqueza y perspectiva al proceso, ya sea desde una óptica escénica, bien sea desde terrenos más técnicos. Para este proyecto se cuenta con estos profesionales, dependiendo del encuentro, del lugar, de las necesidades del grupo. El artista plástico Joaquín Jara colabora con la realización de los muñecos empleados en escena; la Dirección técnica la realiza Diego Cousido.

Un espectáculo de Compañía Teresa Navarrete con la participación especial de Montgomery

Creación e Interpretación: Teresa Navarrete, Nando Pérez, Montgomery
Composición original, diseño de espacio sonoro: Miguel Marín, Montgomery
Textos propios y adaptaciones de diferentes autores
Diseño de espacio escénico: Compañía Teresa Navarrete, María Meler
Creación de muñecos: Joaquín Jara
Diseño de iluminación: Nando Pérez, Diego Cousido
Imagen: María Meler
Dirección técnica: Diego Cousido

Asesoría administrativa y representante legal: Gestora de Nuevos Proyectos S.L
Una producción de :Compañía Teresa Navarrete y Gestora de Nuevos Proyectos S.L.

Con la colaboración de: AAIICC - Consejería de Cultura - Junta de Andalucía, Excma. Diputación de Córdoba.
Con el apoyo de: L’animal a l’esquena. Girona AZALA. Álava,  CICUS. Sevilla
Compañía Teresa Navarrete es miembro de la Asociación de Profesionales y Compañías para el desarrollo de la danza en Andalucía -PAD-

ANIEL ABREU " Animal" 20 de Noviembre / DANTZALDIA 2014





DANTZALDIA 2014  www.dantzaldia.org

PREMIO NACIONAL DE DANZA 2014 / CREACIÓN 
Alhóndiga Bilbao 20 Noviembre  -20h CÍA DANIEL ABREU (Madrid)
 “Animal”


Para el pensamiento animal, la naturaleza no existe, no es un refugio, no es un lugar. Por lo que no puede tener un nombre aquello que uno no reconoce como ajeno, que forma parte de lo que uno es.
Animal es un trabajo coreográfico para cinco intérpretes, que se presenta en una atmósfera onírica para hablar de la necesidad y el deseo; un discurrir de cuadros y escenas superpuestas de las respuestas físicas emocionales, de las situaciones límites y el instinto en el lado más cotidiano de los días.
El trabajo, sin un hilo argumental clásico, muestra un recorrido de imágenes de lucha, de necesidad, de descanso, de amor, de secuestros emocionales. Acciones ligadas a la idea de la animalidad y la supervivencia.
La mezcla de danza y acción propias del estilo de la compañía, así como los textos de Marina Wainer, se entremezclan y viajan para sugerir escenas del mundo impulsivo, que nos mueve hacia las cosas o las situaciones.

Dirección y coreografía: Daniel Abreu
Ayudante de dirección: Janet Novas
Textos: Marina Wainer
Intérpretes:  Dácil González, Álvaro Frutos, Álvaro Esteban, Anuska Alonso y Daniel Abreu
Diseño de iluminación: Irene Cantero
Espacio escénico: Daniel Abreu
Coordinación técnica: Sergio García
Fotografía: Yassiek
Coproducen: Mercat de les Flors y Auditorio de Tenerife
Con el apoyo de: Modul Dance
Colaboran: Plezna Izba Maribor (Eslovenia), Station Zuid de Tilburg (Holanda).
Agradecimientos a: Guy Cools

Duración: 55 min

Daniel Abreu, natural de Tenerife, es licenciado en Psicología por la UNED, bailarín, coreógrafo y director de su propia compañía que nace en el año 2004.
Ha trabajado como intérprete en varias compañías de danza y teatro de España, así como en varias colaboraciones como intérprete y asistente de creación.
- Premio a la Mejor dirección en el INDIFESTIVAL 2010, por el trabajo Los zuecos van hacia sus buenos hábitos.
- Premio del jurado del XVIII Certamen Coreográfico de Madrid junto a Mónica García, por Y eso que no me dejaban ver Dallas.
- Premio a un Bailarín sobresaliente en el XVIII Certamen Coreográfico de Madrid, con una beca para el American Dance Festival.
- Premio al Bailarín más destacado del IV Certamen Coreográfico de Maspalomas.
Ha realizado más de treinta trabajos coreográficos que han sido presentados en más de diecisiete países de Europa, Asia, América Central y del Sur. Además, ha realizado coreografías de encargo para Proyecto Titoyaya (Valencia, 2010), Zawirowania Dance Theater Company (Polonia, 2010), Cía. de Danza Nómadas (Tenerife, 2007 y 2009),  festival En Pé de Pedra (Santiago de Compostela, 2006) entre otros.
Varios de sus trabajos han sido seleccionados para el Circuito de la Red de Teatros Alternativos en los últimos años y además Perro y Equilibrio han estado en Aerowaves 2009 y 2011.
Ha realizado la ayudantía de dirección de Provisional Danza y de Matarile Teatro en Pie izquierdo, así como el seguimiento a creadores noveles en los programas “Accidentes artísticos” de La Fundición de Bilbao o el “Programa de residencia” de la Casa Encendida (2009), junto a talleres de danza y creación para compañías de danza y teatro a nivel nacional e internacional.
En el año 2010 entra a formar parte del programa europeo Modul Dance, con la producción Animal.

SOCIETAT DOCTOR ALONSO & MOARÉ DANZA “La Naturaleza y su temblor”


 
 
 
 
13 Noviembre  / (dos pases) 16:30h  y 18.30h - Guggenheim Bilbao
SOCIETAT DOCTOR ALONSO & MOARÉ DANZA / (Catalunya - Euskadi)
“La Naturaleza y su temblor”

El grupo de artistas que nos reunimos para esta producción pretendemos cuestionar y reflexionar sobre las veladuras a través de las cuales se reproduce y multiplica la visibilidad, la representación y se consumen la información y la experiencia hoy en día.
Son veladuras opacas, tupidas, que niegan la posibilidad de imaginar la vida detrás de ellas.
La naturaleza y su temblor es un mecanismo de intervención site-especific, un paseo-visita pausado acompañando a la realidad, que, a partir de herramientas coreográficas, teatrales y cinematográficas, pretende revelar desvelando otra realidad.
Despertando en el espectador posibilidades de percepción que le hagan mirar, descifrar y comprender de otra forma, invitándole a adentrarse en su fantasmagoría.
Un paseo por la ciudad que nos invita a sentir que de alguna forma el temblor que palpita debajo de las apariencias es aquel que da sentido a nuestra existencia, la llena de matices y permite que la vida no sea solo un rasguño superficial.
 
Género: site especific - visita guiada
Autores: Tomàs Aragay, Sofia Asencio, Chus Domínguez e Idoia Zabaleta
Dirección: Tomàs Aragay e Idoia Zabaleta
Espacio visual: Chus Domínguez
Concepción coreográfica: Sofia Asencio e Idoia Zabaleta
Duración aprox.: 75 min
Idioma: Castellano
Este espectáculo surge de la experiencia artística de La Glorieta. Agradecemos especialmente la participación de Esperanza Lopez.
Una coproducción de: Societat Doctor Alonso, Moaré Danza y Festival GREC.
Espectáculo subvencionado por el Departamento de Cultura del Gobierno Vasco.
Con la colaboración de: Bulegoa z/b (Bilbao) y La Casa Encendida (Madrid).
Societat Doctor Alonso recibe el apoyo del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, Institut Ramon Llull e INAEM.

Societat Doctor Alonso & Moaré Danza
Tomàs Aragay Sastre (Barcelona, 1968) estudia Dirección y Dramaturgia en la Escuela Superior de Arte Dramático (Institut del Teatre) en Barcelona. En 1996 funda junto con Roger Bernat el desaparecido colectivo de teatro General Elèctrica (-2000). Durante ese periodo gana el 1er premio en el Certamen Coreográfico de Madrid con la obra Cruza cuando el hombrecito esté en verde (1997) y el premio de autor en Seine-Saint Denis con la pieza John Kovak state of emergency (Francia, 1999). Desde 2002 codirige junto con Sofía Asencio la compañía Societat Doctor Alonso, con el que han estrenado, diversos espectáculos de creación contemporánea y proyectos de investigación. Desde el 2004, es codirector artístico del colectivo Cèl•lula y del festival MAPA. Es guionista de películas como Krampack, En la ciudad, Ficción o Blog, con las que obtiene nominaciones al mejor guión en los premios Goya en 2000 y 2002 y el premio Gaudí al mejor guión por la película Una pistola en cada mano. Paralelamente es profesor de guión en la ESCAC (Escola Superior de Cinema i Audiovisuals de Catalunya). www.doctoralonso.org
 
Idoia Zabaleta (Gasteiz, 1970) es coreógrafa y licenciada en Biología por la UPV-EHU, donde se especializó en Ecosistemas y Dinámica de poblaciones. Estudia Nueva Danza e Improvisación en Barcelona, Florencia, Ámsterdam y Nueva York. En 1990 crea la asociación Moaré Danza. Ha colaborado con la compañía Mal Pelo (Girona). Desde el año 2000 coproduce y crea su propio trabajo, colaborando con artistas e investigadores, como Filipa Francisco, Isabel de Naverán, Antonio Tagliarini, Jaime Conde Salazar… Comisaria junto con Isabel de Naverán el curso de verano Lanbroa, organizado por el museo de arte contemporáneo Artium. Codirige Dantza Kodeak, el aula de danza de la UPV desde el año 2000. Colabora en la publicación de los libros Zeru Urdina, 4 itinerarios y otras fotos y Bicho. Su trabajo ha podido verse en festivales y encuentros de ámbito internacional. Desde 2008, construye y gobierna junto con Juan González, el espacio de creación AZALA, en Lasierra (Araba), www.azala.es
 
Sofía Asencio (Elche,1971) estudia danza contemporánea en el Institut del Teatre de Barcelona. Tras trabajar con Vicente Sáez (Valencia), Lanónima Imperial (Barcelona), Angels Margarit/Mudances (Barcelona), General Elèctrica (Barcelona) y Lluis Ayet - Cie. Acta (Montpellier), forma junto a Tomàs Aragay la Cía. Societat Doctor Alonso en el año 2002. Bajo este nombre crea y dirige diversos espectáculos y proyectos de investigación. Paralelamente ha colaborado con artistas como Rosa Muñoz o Iva Horvat. Actualmente dirige un laboratorio escénico regular en Celrà, Girona. Es codirectora de la Cèl.lula y del festival MAPA (2004-2011). www.doctoralonso.org
 
Chus Domínguez (León, 1967) es artista visual. Trabaja con elementos provenientes directamente de la realidad para construir a partir de ellos narrativas que se encuentran entre lo documental, lo experimental y lo poético. Sus piezas cinematográficas y video-creaciones han sido premiadas en varios festivales internacionales. Ha colaborado en diversas creaciones escénicas (danza, teatro, performance) con la compañía Societat Doctor Alonso, la coreógrafa Idoia Zabaleta y la actriz Espe López (proyecto La Glorieta), con el músico y performer Nilo Gallego (proyecto Orquestina de pigmeos), con el dramaturgo Rodrigo García y La Carnicería Teatro, con las coreógrafas Elena Alonso, Mónica Valenciano, Olga Mesa y Elena Córdoba y con el Centre Chorégraphique National de Rennes et de Bretagne. En febrero de 2011 el programa Metrópolis de RTVE emitió un monográfico sobre su obra. www.chusdominguez.com
 
Imágenes del proyecto en Bilbao / Programa DANTZALDIA 2014 /  La FuNdicIOn

MIGUEL BONNEVILLE - Lisboa ‘La importancia de ser Simone de Beauvoir’

15 Noviembre 20h. 16 Noviembre 19h. 
MIGUEL BONNEVILLE - Lisboa‘La importancia de ser Simone de Beauvoir’

http://www.miguelbonneville.com/

‘La importancia de ser…’ es el título de un proyecto performativo, basado en la vida de artistas cuya importancia ha sido vital para mi trayecto.
‘La importancia de ser Simone de Beauvoir’ es un proyecto de creación en residencias artísticas itinerantes entre 2013 y 2014. De esta manera puedo construir progresivamente el espectáculo, haciendo que el tiempo y los espacios de trabajo tengan un impacto positivo en su logro.
‘La importancia de ser Simone de Beauvoir’ es el resultado del estudio para un cuerpo a partir de la filosofía de Simone de Beauvoir. Este espectáculo busca incorporar literalmente una filosofía. El existencialismo, el  feminismo y el activismo coreografiados en solo.
Esta pieza forma parte de las artes escénicas - en el cruce entre la danza, la performance y las artes visuales.

LA IMPORTANCIA DE SER SIMONE DE BEAUVOIR
Desde que leí 'La Invitada’ hace unos años que Simone de Beauvoir ha estado presente en todas mis obras.
Sus obras tocan todos los temas que son fundamentales para mi trabajo: la autobiografía, el feminismo, el existencialismo, la ficción, la dedicación y la lucha. Estos son temas que abordamos de maneras muy diferentes, pero la base y el principio es el mismo - creemos en la búsqueda de la verdad, creemos en el valorde la cultura, porque las dos, muy temprano, nos han salvado de la desesperación. Es a partir de estos temasque comenzaré a trabajar.
Inevitablemente el aspecto político va a estar presente, el aspecto de la conciencia política, que en un momento como este, es imposible abandonar.

Ella dijo: ‘sea cual sea el país, capitalista o socialista, el hombre fue arrasado por todas partes por la tecnología, alienado de su propio trabajo, hecho prisionero, obligado a un estado de estupidez’. Y dijo, ‘la sociedad sólo se preocupa por el individuo aunque sea lucrativo. Los jóvenes saben esto, su ansiedad cuando entran en la vida social coincide con la angustia de los viejos cuando son excluidos de ella.’

Mis performances están llenas de implicaciones éticas, políticas y filosóficas. Esta no es una excepción. ‘La Importancia de Ser Simone de Beauvoir’ me permite profundizar el cuestionamiento de la ambigüedad de nuestra responsabilidad y los límites de nuestra libertad, la legitimidad de la violencia, la tensión entre la experiencia que tenemos de que, al mismo tiempo, nosotros estemos solos y estemos fatalmente conectados
unos a los otros. El dilema de sacrificarnos el "yo" cuando nos confrontamos con una norma colectiva.
Dirección artística y interpretación: Miguel Bonneville
Música original: Susana Santos Silva
Vestuario: Mariana Sá Nogueira
Diseño de luces: Nuno Patinho
Monitoreo dramatúrgico: João Manuel de Oliveira
Registro video y fotográfico: Joana Linda
Producción Ejecutiva: Cristina Correia
Producción: Horta Seca Associação Cultural
Residências de creación: Artes Printing House (Lituania), Balleteatro (Portugal), Arte y Desarrollo (Madrid), Azala (Lasierra) y La Fundición (Bilbao)

Agradecimientos: André Júlio Teixeira, Armando Pinho, Carlos Polite, Cláudia Varejão, Daniel Abrantes, David Bonneville, Edvinas Grin, Gabriele Labanauskaite, Isadora Alves Nunes, Magda Henriques, Maria Gil, Pablo Fidalgo, Sofia Arriscado, Victor Navero
Proyecto Financiado por Direcção Geral das Artes (Portugal)


RESIDENCIA ARTÍSTICA del 10 al 14 de Noviembre 2014 / MIUGUEL BONNEVILLE – Lisboa

RESIDENCIA ARTÍSTICA  del 10 al 14 de Noviembre 2014
MIUGUEL BONNEVILLE – Lisboa  
ESTRENO
15 de Noviembre a las 20.00h   / 16  deNoviembre  a las 19.00h. 

"LA IMPORTANCIA DE SER Simone de Beauvoir"
"La importancia de ser Simone de Beauvoir" y la consecuencia. Estudio para un cuerpo de la vida y el trabajo
Simone de Beauvoir.



Mi nombre es Miguel Bonneville.
Nací en enero de 1985 en Porto, Portugal.
Mi trabajo es autobiográfico.
Es sobre la destrucción y la reconstrucción de la identidad.
La destrucción y la reconstrucción del pasado.
Trabajo en los ámbitos del live art, performance y artes visuales.


LA FUNDICIÓN como CENTRO DE RECURSOS
RESIDENCIA Artística


LA FUNDICIÓN, en su apartado de acción como Centro de Recursos, y en relación alos procesos de investigación, creación y producción, conecta con la necesidad de lascompañías de disponer de un espacio para llevar a cabo estas fases de sus procesos,para lo cual se propone colaborar con éstas ofreciendo equipamiento y espacio detrabajo en las fechas previas a la presentación de la pieza en el programa de La Fundición.
Por otro lado, como Espacio interesado en desarrollar la conexión con las audiencias y otros profesionales, La Fundición plantea la Residencia como una herramienta deacercamiento que tienda puentes entre los procesos creativos, los artistas invitados y los locales, y todo aquel interesado en conocer más de cerca el entramado de lapuesta en marcha y/o en escena de una nueva creación y su dramaturgia.
 
 


DIEGO ANIDO "Symon Pédícrí / 7 Viernes , 8 Sábado Noviembre a las 20h. TEATRO



CIRCUITO DE LA RED DE TEATROS ALTERNATIVOS
7 Viernes , 8 Sábado   Noviembre a las 20h.  TEATRO 
DIEGO ANIDO  / Santiago de Compostela  
Symon Pédícrí
de Diego Anido

“...A lo mejor me he pasado un poco, pero esto se veía venir.
Tengo un pronto de la hostia.
Ahora ya no hay vuelta atrás, y aunque esto salga mal vamos a llegar hasta el final.
Porque esto de la vida, lo he intentado, pero es muy complicado.
Ser alguien es... no sé... es un cristo de cojones...”

Symon, cirujano autodidacta de gran talento, nace 9 meses, 9 días y 16 horas después de lamuerte de otro Symon Pédícrí ,su hermano y homónimo, con cuya sombra se bate durante toda su vida.
Sabedor de que su otro yo tuvo que morir para que sus padres lo concibiesen, llegó a aplicar el legado científico de los Pédícrí, antiguos criadores de caballos, sobre su propio cuerpo.
Dirección: DiegoAnidoAutores: Diego Anido, JorgeAcebo, Pablo RosalAntimateria: Pablo RosalInterpretación: Diego AnidoIluminación: Àlex AviñoaSonido: Pablo RegaEspacio y vestuario: Isabel FrancoVídeo: JordiSolerDramaturgista: Jordi FondevilaProducción: Maria Ros / MónicaPérezAsesoría Teórica: Víctor MolinaTecnología: Martí SánchezEquilibrio mental: Raquel RegueiraVentriloquía: Miguel Ángel LemboColaborador artístico: Andrés CorcheroAsesoría Forense: Catherine Willows
Tras años de adicción a la televisión y un correcto fracaso escolar, en 2002 inicia formación en artes escénicas en Santiago de Compostela. De estos comienzos nace Paperboy (2004), su primer espectáculo.
En 2004 se traslada a Barcelona para ampliar su formación en ”movimiento”. Allí desarrolla su segunda pieza , El Alemán (2006), y la tercera, Cucaracha (2009).
Además colabora con diferentes colectivos y creadores de la ciudad, trabaja con Raravis-Andrés Corchero-Rosa Muñoz (como bailarín y ayudante de dirección) y forma parte de la Agrupación Sr. Serrano, girando nacional e internacionalmente.
Symon Pédícrí continúa la línea comenzada con sus anteriores espectáculos desarrollando con humor y demencia la deforme personalidad de Symon Pédícrí, un personaje capaz de entregar su cuerpo por un patético aunque para él sagrado fin.

"Algo valioso se agota” 31 Octubre 19h 1 Noviembre 19h.







31 Octubre 19h 1 Noviembre 19h. CLAUDIA DIAS & “PROYECTO EN ESTA PARTE ESQUINADA DE LA PENÍNSULA” / Portugal - Euskadi "Algo valioso se agota”

“Algo valioso se agota” es un objeto integrado en el proyecto de formación/creación “En esta parte esquinada de la península”.  
http://esquinapeninsula.wordpress.com/acerca-de/

Este proyecto ha consistido en aprender a crear un objeto creándolo. Así, “Algo valioso se agota” emerge de este proceso y ahora se presenta de forma destacada y autónoma.

Los materiales encontrados y trabajados a lo largo del proceso han sido fechas, el acto de fechar o fechado y todo aquello que las fechas transportan consigo: inscripción, evocación, pasado, presente, futuro, números, historias individuales, acontecimientos colectivos, memoria.

Concepción y dirección pedagógica: Cláudia DiasAsistencia: Cecília LaranjeiraParticipación de: Sofía Asencio, Laida Azkona, Idurre Azkue, Giulia Ferrato, Sandra Gómez, Loida Gómez, Itsaso Iribarren, Ángela Millano, Matxalen de Pedro, Idoia Zabaleta, Carolina Campos, Daniel Pizamiglio y Luciana Chieregati.Organización: Azala, Muelle 3 y La FundiciónProducción ejecutiva: María Salazar/Histeria Kolektiboa
Co-producción: Muelle 3, La Fundición, Azala  y Festival BAD
Proyecto apoyado por el Departamento de Educación, Política Lingüística y Cultura del Gobierno Vasco, Harrobia y el INAEM (Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música)

26 oct. 11.00h. "Algo valioso se agota" / Ensayo abierto - Charla coloquio posterior

 





26 oct.  11.00h. "Algo valioso se agota" / 
 Ensayo abierto - Charla coloquio posterior  

CLAUDIA DIAS & “PROYECTO EN ESTA PARTE ESQUINADA DE LA PENÍNSULA” / Portugal - Euskadi "Algo valioso se agota”


Algo valioso se agota” es un objeto integrado en el proyecto de formación/creación “En esta parte esquinada de la península”. 
http://esquinapeninsula.wordpress.com/acerca-de/
Este proyecto ha consistido en aprender a crear un objeto creándolo. Así, “Algo valioso se agota” emerge de este proceso y ahora se presenta de forma destacada y autónoma.

Los materiales encontrados y trabajados a lo largo del proceso han sido fechas, el acto de fechar o fechado y todo aquello que las fechas transportan consigo: inscripción, evocación, pasado, presente, futuro, números, historias individuales, acontecimientos colectivos, mem



 
 

"Algo valioso se agota” CLAUDIA DIAS & “PROYECTO EN ESTA PARTE ESQUINADA DE LA PENÍNSUL

 
 
 
 
31 Octubre 19h 1 Noviembre 19h. CLAUDIA DIAS & “PROYECTO EN ESTA PARTE ESQUINADA DE LA PENÍNSUL/ Portugal - Euskadi "Algo valioso se agota”

“Algo valioso se agota” es un objeto integrado en el proyecto de formación/creación “En esta parte esquinada de la península”. 
http://esquinapeninsula.wordpress.com/acerca-de/

Este proyecto ha consistido en aprender a crear un objeto creándolo. Así, “Algo valioso se agota” emerge de este proceso y ahora se presenta de forma destacada y autónoma.

Los materiales encontrados y trabajados a lo largo del proceso han sido fechas, el acto de fechar o fechado y todo aquello que las fechas transportan consigo: inscripción, evocación, pasado, presente, futuro, números, historias individuales, acontecimientos colectivos, memoria.

Concepción y dirección pedagógica:
Cláudia DiasAsistencia: Cecília LaranjeiraParticipación de: Sofía Asencio, Laida Azkona, Idurre Azkue, Giulia Ferrato, Sandra Gómez, Loida Gómez, Itsaso Iribarren, Ángela Millano, Matxalen de Pedro, Idoia Zabaleta, Carolina Campos, Daniel Pizamiglio y Luciana Chieregati.Organización: Azala, Muelle 3 y La FundiciónProducción ejecutiva: María Salazar/Histeria Kolektiboa
Co-producción:
Muelle 3, La Fundición, Azala  y Festival BAD
Proyecto apoyado por el Departamento de Educación, Política Lingüística y Cultura del Gobierno Vasco, Harrobia y el INAEM (Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música)