Un Teatro para la ciudad. Disfruta y comparte la creación contemporánea en Bilbao. Bilboko kreazio garaikiedeak disfrutatzeko eta iritzia emateko. Teléfono: 944 753 327 Fax: 944 759 115 Dirección: Francesc Macià 1-3 48014 Bilbao http://www.lafundicion.org/

Entradas 10€ / Todos los actos comienzan a las 20:00h. excepto domingos 19h. Reservas y venta de entradas: En cajeros Internet en la pg. de La Fundición o en taquillas el día del espectáculo. Reservas en taquilla Tf. 994 753 327 hasta las 1/2 hora antes del comienzo. No se permite la entrada una vez comenzada la representación.


TEATRO XTREMO / Jaén “San Lorenzo Mártir”


CIRCUITO DE LA RED DE TEATROS ALTERNATIVOS
15 de Diciembre a las 20:00h / 16 de Diciembre  a las 19:00h TEATRO

TEATRO XTREMO / Jaén
“San Lorenzo Mártir”
 / Estreno en Euskadi

En el museo catedralicio de Jaén hay una imagen inusual de San Lorenzo, en ella vemos a un hombre desnudo que se retuerce sobre la parrilla mientras es asado, sangra por la nariz, la boca, los ojos y las orejas... sufre... no produce admiración, ni compasión... es una advertencia.
La escultura es una talla pequeña, policromada, del siglo XVI, de estilo manierista hecha por Sebastián de Solís. Muestra a San Lorenzo sobre la parrilla durante su martirio, totalmente desnudo, con un tremendo escorzo intentando alejar su torso de las brasas. La pieza está protegida por una urna de cristal. Junto a la escultura se lee en latín: Assum est, inqüit versa et manduca, lo que se traduce como “Asado estoy, denme vuelta y coman”.
Descubrir a Lorenzo en el subsuelo de la catedral, nos impulsó a un proceso en el que buscamos compartir la experiencia que nos produjo la belleza de esta imagen agónica, los músculos tensos del laureado, el olor a carne chamuscada, el crepitar del fuego, los orificios sangrantes, la luz naridal roja que la salpica, la pena, la desolación, la soledad eterna, el espacio claustrofóbico, el canto de 13 ángeles, el fugaz alivio en la mirada, sed, trance, calor, las huellas del martirio, una sórdida esperanza… Sin importarnos el mito, centrándonos en la percepción de la obra, utilizando códigos contemporáneos, componemos un trabajo en el que mezclamos acción, performance, vídeo y creaciones plásticas ejecutadas en un reducido espacio atiborrado de objetos que emula la urna en la que está la escultura, en SLM proponemos al público vivir como un voyeur las actitudes íntimas que se desarrollan en 8 m cúbicos.

Teatro XTREMO
Construimos nuestras piezas valiéndonos de técnicas plásticas y escénicas, nos es válido el proceso de pintar, hacer vídeos, accionar, bailar o pelear. Comenzamos atraídos por un impulso con el que desarrollamos situaciones poliédricas para brindar experiencias. No queremos interpelar con discursos ni hacer acciones para ser entendidas. Hacemos arte con toda irresponsabilidad. Nuestro último trabajo recibe la influencia de un imaginero manierista del XVI, nos obsesionó su pieza, un San Lorenzo desnudo, sangrante, asado en una parrilla, ¿por qué lo hizo así? No lo sabemos. Lo único que podemos transmitir es lo que sentimos al descubrirla.

Participan: Luisa Torregrosa, Iván Goto, Ricardo Campelo Espacio sonoro: Sm@s#Fotografías: Ricardo BautistaEspacio, iluminación y dirección: Ricardo Campelo

PROVISIONAL DANZA "La mujer invisible"


Proyecto Europa Inestable “Islotes en Red” - Identidad

30 de Noviembre 1  de Diciembre a las 20:00h. /  2 de Diciembre a las 19:00h. DANZA

PROVISIONAL DANZA – Madrid  "La mujer invisible"  / Estreno en Euskadi
En La mujer invisible se expone el cuerpo de una manera directa y clara. Figuras que enseñan su piel, y parte de su alma, a través de las relaciones, los afectos o sus ausencias. El discurso de la obra se mueve en el grupo como unidad, frente a individualidades con sus propios complejos. Las escenas son estaciones de parada, donde los cuerpos no parecen parar para repostar, sino para dejar ver alguna de sus partes, sin dar más claves.

Intérpretes (Provisional Danza):Tatiana Chorot, Alejandro Morata, José Luis Sendarrubias, Sara Sanz Román, Ricardo Santana, Javier Sangrós, Carmen WernerIntérpretes (360 Danza): Vicen Leyva, Carlos RamírezCoreografía y dirección artística: Carmen WernerDirección escénica: Daniel AbreuDiseño de iluminación: Pedro Fresneda
Ayudantía de dirección: Tatiana Chorot
Música: Masahiro Hiramoto, Loscil, Schubert, Purcell, Haendel, Endless Falls
Compuesta e interpretada por Loscil /  Publicada por Scott Morgan (SOCAN)
Aparece por cortesía de Kranky, Ltd.
Vestuario: Cyril WickerVídeo: Diego Ortiz
Diseño gráfico: Rocío Rivera
Fotografía:  Guillermo Barcala
Colaboración especial de  Rebeca Martín Tassis

SANPAPIÉ Dance Company - "Io sono Figlio"


Proyecto Europa Inestable “Islotes en Red” - Identidad
23 - 24 de Noviembre a las 20:00h. /  25  de  Noviembre  a las 19:00h. DANZA 

SANPAPIÉ Dance Company -  Italia
"Io sono Figlio"

Soy huérfano porque lo he decidido.
Intentamos reconocer las señas de identidad que han sedimentado en nuestro cuerpo de treintañeros: bailarines, músicos, directores de cine..., cierto, pero sobre todo ciudadanos. Lejos de la psicologia y de la autoreferencialidad, buscamos el acercamiento a nosotros mismos, a nuestra historia. Entender de dónde venimos para saber a dónde queremos llegar... Lara Guidetti
El Este en los últimos veinte años de la guerra fria, Europa, que a pesar de todos los esfuerzos nota la herida del telón de acero, Italia que no encuentra la paz, congelada en los interminables años de plomo y que todavía está esperando un poder fuerte que marque la dirección.
Pero no soy este. O quizá es sólo que no quiero ser éste. Crecido entre chips y palomitas, delante de una televisión, sin memoria histórica. Rechazo a todo esto. Aquí está Io sono figlio, una manera de encontrar a los verdaderos padres para poder matarlos. Mientras bebemos una coca-cola, claro.

Con: Lara Guidetti, Francesco Pacelli, Federico Melca
Coreografia: Lara Guidetti
Dramaturgia y texto: Marco Di Stefano
Musica original: Marcello Gori
Vestuario y escenografía: Giulia BonaldiDirección: Lara Guidetti y Marco Di StefanoUna producción: Sanpapié En colaboración con:  Dance Base Edinburgh, DanceHaus Susanna Beltrami Milano


JOãO GARCIA MIGUEL - Portugal “As barcas”


 
Proyecto Europa Inestable “Islotes en Red” - Identidad 16 -17  de Noviembre a las 20:00h. /  18  Noviembre a las 19:00h. TEATRO
JOãO GARCIA MIGUEL - Portugal
“As barcas”

 
Misterios contemporáneos.
Tomamos los textos de Gil Vicente (La Barca al Infierno, La Barca al Purgatorio, La Barca al Cielo) como base para esta creación que es para nosotros como un viaje.
Los textos y las ideas del autor y fundador del teatro portugués, Gil Vicente, lo alimentan y las palabras nos transforman y se encarnan en nuestros cuerpos envolviéndolos en los espacios y los tiempos que habitan.

Este acercamiento al mundo medieval, a las bases del teatro europeo y portugués encaja en el contexto de trabajo sobre los clásicos, habitual en la compañía. Es la investigación sobre un campo muy fértil, por la cantidad de relecturas y perspectivas que proporciona. En estos viajes al pasado común vemos cómo lo medieval “pone el mundo patas arriba” para revelar sus detalles, sus secretos y sutilezas: este concepto en lo operacional ha llegado a ser el nudo de la dramaturgia de la pieza. Dramaturgia para la creación de misterios contemporáneos.

En Las barcas hemos desarrollado un sistema que se despliega en dos direcciones que existen en paralelo: la propia pieza y las tecnologías en tiempo real. Volvemos al tema del viaje. El viaje a un cuerpo imposible, desconocido, a un cuerpo perdido en el laberinto de los sentidos, condenado, imposible cuerpo sin tiempo, dado la vuelta, cuerpo que se mueve en un espacio mas allá de la vida, en un espacio de muerte. En el texto buscamos también el cuerpo, el esqueleto, el músculo. Buscamos la sensibilidad bajo le lenguaje, bajo los secretos, bajo la opacidad de los sentidos, de las palabras, de las miradas hacia le mundo. Los textos hacen que la muerte hable sobre ellos, y sobre su vida y cómo la viven. Los textos funcionan como espejos invertidos que reflejan el mundo, el tiempo… Son textos de un mundo imposible.

Escena y adaptación de los textos de Gil Vicente: João Garcia MiguelDirector: João Garcia MiguelIntérpretes: Felix Lozano , Sara Ribeiro , David Pereira Bastos , Costanza Givone
Música y Video : Rui Gato [How]Vestuario: Steve Denton
Programa Audio-visual Interactive: André Sier Technical
Director luz :  Luís Bombico
Directora de producción: Filipa HoraAsistente de dramaturgia: Teresa Fradique
Asistente de puesta en escena: Mantos Fotografía:  Jorge ReisAsistente de dirección: João SamõesProducción: Cláudia Figueiredo
Soporte gráfico: Red Beard
Apoyo a la producción : JGM, Guimarães Capital da Cultura , Festival Gil Vicente Co-Producción, Islotes En Red, Rui Viola Produções

TEATRO DE LO INESTABLE - “El desencanto”


 
Proyecto Europa Inestable “Islotes en Red” - 
Identidad  9 - 10 de Noviembre a las 20:00h. /  11 de Noviembre a las 19:00h. TEATRO

TEATRO DE LO INESTABLE -
 Valencia 
“El  desencanto”  / Estreno en Euskadi

El desencanto se plantea como un viaje por distintas identidades, edades y lugares de encuentro de éstos. Un viaje por los lugares que preexisten en la ciudad que habitamos: el parque, la casa privada, las fachadas que nos acompañan cuando transitamos por ella (pasado y presente) y el espacio real escénico desde donde se reposa todo lo acontecido y se habla sin red, directo, desde la realidad escénica.
Queremos documentar nuestro momento actual, documentar nuestra época desde nuestra proximidad, es decir, cómo vemos lo que está ocurriendo en el campo social, económico, político en este preciso momento. para hilar más fino, cómo afecta la coyuntura actual a nuestra forma de vida, a nuestros inicios de construcción del concepto familia, a nuestro proyecto artístico, a nuestra forma de ser político (de interactuar/reflexionar socialmente en las distintas cuestiones de la ciudad/estado).
Producción: Teatro de lo InestableCreación y dirección: Rafael Palomares, Mª José Guisado, Maribel Bayona, Jacobo PallarésDramaturgia: Jacobo Pallarés
Producción ejecutiva y distribución: Oscar LlorcaActores / performers: Diego Sánchez, Kika Garcelán, Alejandra Garrido, Maribel Bayona, Pedro Lozano, Jacobo Pallarés
Espacio escénico: Los reyes del mambo
Audiovisual: Caixa negraIluminación: Diego Sánchez
Prensa y comunicación: Esther MeloDiseño imagen: Casmiclab
 

Colaboran: Juanjo Mompó , Paco Marco Suc, Mª Carmen Berrio Vega , Mª Amparo Olivares Estruch, familia Pallarés-López , familia Palomares-Guisado, familia Lozano-Aleixandre, familia Bayona-Gaya




EUROPA INESTABLE "Islontes en red" / Identidad
El proyecto artístico de “islotes en red” está basado en la creación escénica. Desde y para la escena. Miradas escénicas intentando explicar la identidad o intentando explicar la imposibilidad de la identidad, desde la danza, desde el teatro, desde el hecho escénico.
La identidad ha sido considerada como una construcción social, una categoría y una ficción construida, producto de la cultura, del lenguaje y del discurso dominante. La identidad ha sido considerada una representación en movimiento permanente, en cambio permanente, la identidad, pues, es pura ficción, pura ilusión.
La identidad puede replantearse como una historia personal/cultural de significados ya asumidos, sujetos a un conjunto de prácticas imitativas que aluden lateralmente a otras imitaciones y que, de forma conjunta, crean la ilusión de un yo primario e interno.
La identidad se construye con y junto al otro. Nosotros, vosotros y los otros, mirándonos los unos a los otros.
Si la identidad es una representación, el medio escénico es el lugar idóneo para reflexionar sobre esa representación

ISLOTES EN RED Las  creaciones  que  se presenta son  una de  las  actividades  principales  del  proyecto  Europa  InestableIslotes en red, co-financiado por la UE, co-ordinado por teatro de lo inestable y co-organizado por los siete socios que aparecen en  el  reverso  de  este  programa  de mano.  Islotes  en  red  se articula  entorno  a  la  temática  de  “la  identidad”  y  cada  una  de estas  creaciones  supone  un  posicionamiento  respecto  al  tema.
Desde  febrero  a  julio  del  2012  se  sucederán  los  estrenos  en Madrid,  Valencia,  Guimarães  y  Lecco,  seguidos  de  un  festival en  Valencia  donde  se  mostrarán  todos  los  espectáculos  juntos. 

Después  de  este  arranque,  la  gira  internacional  que  pasará  por Bilbao, Dresden y Cosenza.  Como veis, muchas actividades tras las que sólo nos queda desearos  que disfrutéis con este ciclo de espectáculos sobre la identidad. 


Lo que veremos en La FuNdicIOn
9 - 10 - 11 de NoviembreESPACO INESTABLE / Valencia "El desencanto"
16 -17 - 18 de Noviembre JOAO GARCÍA  MIGUEL / Portugal "As barcas"
23 - 24 - 25  de Noviembre SANPAPIE DANCE COMPANY / Italia "Io sono figlio"
30 de Noviembre - 1 - 2 de Diciembre PROVISIONAL DANZA / Madrid"La mujer invisible"

Festival B.A.D 2012 
4 de Novimebre  a las 19.00h. DANZA
VERA MANTERO - Lisboa“One mysterious thing, said e.e. cummings*”  / Estreno en Euskadi

20min
El solo “one mysterious Thing, said e.e.cummings*” se creó en enero de 1996 para el Homenaje a Josephine Baker, un evento organizado por el teatro Culturgest en Lisboa. En su visión de la vida y el trabajo de la bailarina y cantante de color de la primera mitad del siglo XX, Vera Mantero elige una aproximación que va mucho más allá del rostro de Josephine Baker. En el programa de mano escribía. “Es una cosa que me gustaría encontrar o crear: un vasto territorio en el que prevalezca la riqueza de espíritu (...) Este espíritu del que hablo no intenta evitar el cuerpo, no se avergüenza de su deseo o de su sexo, de lo que se trata de erradicar  la ordinariez, la tontería, la ignorancia, la pobreza de horizontes, el materialismo, etc (desgraciadamente, la lista puede ser larga...)

“imposibilidad, vida difícil, tristeza, ausencia, pena, imposibilidad, atroz…” son palabras que se repiten con insistencia creciente a lo largo del la pieza “en la que Vera Mantero se balancea precariamente sobre los pies y se mueve al ritmo de la  dificultad que las palabras enuncian sin llegar a sacar los pies de la condena a la que están atados. Exasperante corporeización de una incomodidad que comienza cuando no sabemos qué hacer con el cuerpo” describe Alexander Melo en el Expresso. Y añade “Dos hipótesis para describir esta situación  genérica, general, de la civilización: hay algo que falta. O quizá mejor: hay algo que no está”.
Textos de prensa para el festival Danças na Cidade
(*Lo que él dijo realmente acerca de Josephine:
“Una Cosa misteriosa, ni primitiva ni civilizada, ni más allá del tiempo, en el sentido de que la emoción llega más allá de la aritmética”)
 
Idea e interpretación: Vera Mantero
Maquillaje: Alda Salavisa (original design by Carlota Lagido)Asistente: Teresa Montalvão
Diseño de iluminación: João Paulo Xavier   
Diseño de iluminación adaptado: Bruno Gaspar
Foto: Jorge Gonçalves Producción: Culturgest, Lisbon, 1996 /Homage to Josephine Baker
Apoyos: Casa da Juventude de Almada, Forum Dança, Re.Al / Amascultura


“Lo que podemos decir de Pierre”
 / Estreno en Euskadi

17 min

En 2006 , en la conmemoraciones del Dia Internacional de la danza presenté una pequeña improvisación con el sonido de la voz de Gilles deleuze cuando daba una clase sobre spinoza y su idea sobre los tres tipos de conocimiento posibles para el ser humano (este disertación en concreto se enfoca sobre el primer tipo de conocimiento, el mas básico, aquel en el que se mueve casi todo el mundo). Manipulé las velocidades del discurso, pero solo un poco, ya que la propia disertación tiene su propio ritmo, muy particular. Y basé mi movimiento en la insistencia y el suelo: un cuerpo que presiona y empuja el espacio hacia el suelo enteramente. Esta propuesta sigue la linea de otros trabajos míos en los que se proponen multiplicidades  que ponen en interacción la filosofía y la intuición, lo verbal y lo no verbal, lo racional y lo irracional...


Idea e interpretación: Vera ManteroBanda sonora: Gilles Deleuze (Excertos de “Spinosa: Immortalité et Éternité”)Montage de la  banda sonora: Vera Mantero con Vítor Rua y António Duarte
Iluminación: Bruno GasparFoto: Susana Neves Produción ejecutiva: O Rumo do Fumo
Co-producción Festival Escena Contemporánea '11, Madrid



Festival B.A.D 2012 
3 de Novimebre  a las 19.00h. VIDEO - Entrada libre 

VERA MANTERO - Lisboa
“CURSO DE SILENCIO” Versión de Vera Mantero   

45 min.
Tras un proceso de escritura y rodaje en común, Miguel Gonçalves Mendes y Vera Mantero materializan esta creación en dos versiones distintas, con un mismo nombre: Curso de silencio. Así , a pesar de ser un mismo material fílmico, el montaje de cada uno de los films corresponde a la visión personal de cada uno de estos creadores sobre el trabajo de Maria Gabriela Llansol.
Argumento y realización: Vera Mantero y Miguel Gonçalves MendesDirección de fotografía: Edmundo Diaz
Dirección artística: Paulo Reis
Dirección de sonido: Filipe TavaresMontaje: Claudia Rita Oliveira Dirección de producción: Ana Jordâo y Patricia RomâoProducción: O Rumo do fumo, JumpCut
Apoyos financieros: Fundación Calouste Gulbenkian, Festival Tepms d´images, Circular-Festival de Artes Performativas, O Rumo do fumo

Vera Mantero
Estudió danza clásica con Anna Mascolo y formó parte del Ballet Gulbenkian entre 1984 y 1989. Comenzó su carrera coreográfica en 1987 y desde 1991 ha mostrado su trabajo por toda Europa, Argentina, Brasil, Canadá, Corea del Sur, EEUU y Singapur.
De sus trabajos se destacan los solos “Talvez ela pudesse dançar primeiro e pensar depois” (1991), “Olympia” (1993) y “uma misteriosa Coisa, disse o e.e.cummings*” (1996), asi como las piezas de grupo “Sob” (1993), “Para Enfastiadas e Profundas Tristezas” (1994), “Poesia e Selvajaria” (1998), “Até que Deus é destruído pelo extremo exercício da beleza” (2006) y su última creación “Vamos sentir falta de tudo aquilo de que não precisamos” (2009).
Participa regularmente en proyectos internacionales de improvisación al lado de improvisadores y coreógrafos como Lisa Nelson, Mark Tompkins, Meg Stuart e Steve Paxton. Desde el año 2000 se dedica igualmente al trabajo de voz, cantando repertorio de vários autores y co-creando projectos de música experimental.
En 1999, en Culturgest organizó durante un mes una retrospectiva de su trabajo que se tituló  “Mês de Março, Mês de Vera”.
“Comer o Coração”, el trabajo creado con el escultor Rui Chafes, representó a  Portugal en la 26ª Bienal de São Paulo 2004.
En el año 2002 recibió el Premio Almada (IPAE/Ministério da Cultura)  y en el año 2009 el Premio Gulbenkian Arte por su carrera como creadora e intérprete.

DAVID ESPINOSA “Mi gran obra (Un proyecto ambicioso) ”



Festival B.A.D 2012  1  de Noviembre  /  12.30h  - 18:00h - 20.00h
DAVID ESPINOSA   – Barcelona
“Mi gran obra (Un proyecto ambicioso) ”

Mi Gran Obra es lo que yo haría si tuviera un presupuesto ilimitado, el teatro más grande del planeta, 300 actores en escena, una orquesta militar, una banda de rock, animales, coches y un helicóptero.

Mi Gran Obra es una utopía. La realidad en la que siempre nos hemos movido como artistas se caracteriza por la precariedad y la escasez de medios, y precisamente ahí ha estado siempre el acento de nuestros trabajos: ingeniar mecanismos para resolver la falta de recursos, convertir la necesidad en virtud, subrayando las carencias para potenciar el fracaso como interés y motor de la creación.
Por eso ahora que nos encontramos en una complicada situación socio-económica, en la que muy pocos se pueden permitir este lujo, nos parece el momento idóneo para abordar nuestro primer gran proyecto, un proyecto ambicioso.

En “Mi Gran Obra” nos planteamos construir un espectáculo de gran formato, sin escatimar en gastos, desarrollando todas las ideas que aparecieran por muy caras que pudieran resultar, con material y un equipo artístico ilimitado. Pero, obviamente, con un ligero matiz: a escala. Es decir, pensando en grande y haciendo en pequeño, usando para ello planteamientos y técnicas propias de un arquitecto.
Planeamos de inicio la construcción de un espacio, de un lugar utópico, que respondiera a lo que nos cuestionamos nosotros como teatro, a lo que nos gustaría que fuese ahora mismo y deseamos que pueda ser en un futuro. Teniendo presente todo el proceso artístico e industrial que envuelve a la creación y exhibición de las artes escénicas, diseñamos un edificio que resolviera nuestras necesidades.
 
Creación y dirección: David Espinosa
Interpretación: David Espinosa / Cía. Hekinah Degul
Ayudante de dirección: África Navarro
Música y sonido: Santos Martínez / David EspinosaEspacio Escénico: David Espinosa / AiR Maquetas y Proyectos de Arquitectura.
Producción: El Local E.C. / C.A.E.T., con la colaboración del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya
Distribución: M.O.M.-El ViveroProyecto becado por el Programa de Artistas en Residencia de Bilbaoeszena
        

 
David Espinosa
Licenciado en Interpretación Textual por la E.S.A.D de Valencia en 1998. Desde 1994 estudia Danza Contemporánea, Improvisación, C.I. y Capoeira en Valencia, Bruselas y Barcelona.
Intérprete en diferentes compañías de danza: Mal Pelo, Las Malqueridas, Osmosis cie. (Francia), Lapsus-Alexis Eupierre y Sònia Gómez/General Elèctrica. Como actor, trabaja en Z, Duques de Vergara Unplugged y De los Condenados, dirigidas por Sergi Fäustino, El enemigo de la clase, dirigida por Paul Weibel, y Joan el cendrós, de Carles Alberola, entre otras.
En 2006 forma junto a África Navarro la Asociación El Local Espacio de Creacion, con la que han creado los espectáculos: Desconcierto nº1 para teclado y fracasado (2011), La Procesadora (2010), Felicidad.es (2009),
Deliriosdegrandez@hotmail.com (2008), Desaladas Club (2007) y Propiedad Privada (2005), y las piezas de calle Summertime (2008) y Agonías de lo imposible (2006).
Paralelamente, participa junto a diferentes artistas en piezas cortas y diversos proyectos de investigación y creación (Pompeia, Space Invaders, La Pajarera, Enterrats en viu, A trizas feliz, De pan y cebolla…)
De 2006 a 2008 colabora con el colectivo Bipol•art, en la gestión del Festival d'Art al Carrer de l'Hospitalet y dirigiendo el Programa de Creadors en Residència de la Generalitat  de Cataluña en el Centre Cultural la Bòbila. Desde 2002 imparte clases de improvisación y movimiento en distintos centros de Barcelona, y talleres de creación para diversos proyectos.

Cia. LARESSISTNES – Bilbao “Fa en cuarta”



Festival B.A.D 2012      29 de Octubre a las 19:00h. TEATRO

Cia. LARESSISTNES  – Bilbao
“Fa en cuarta”
 
LaRessistens nace en Bilbao en el 2001. El colectivo crece en torno a un espacio de encuentro e investigación multidisciplinar en el que, a través de la plástica, el espacio sonoro y la representación, se crean diferentes trabajos, performance, conciertos, espectáculos, marionetas, acciones …
Fa en cuarta es la historia del interior de una mujer, sus claroscuros, como el espacio en el que se encuentra y su lucha por superar el abandono.
Un violonchelo abandonado y desafinado por el músico que se fue. Una mujer encerrada y acallada, que necesita unas manos que la afinen y la hagan vibrar.
Tras un largo periodo de abandono, una grieta en el tiempo, una causa azarosa trae el momento para que ese violonchelo despierte y nos hable de sus cuerdas rasgadas, sus clavijas desajustadas, sus notas olvidadas, …otro instrumento desafinado que a penas recuerda quien es.
Fa en cuarta nace de la relación existente entre el cuerpo del violonchelo y el cuerpo de la mujer, tanto en su forma como en la esencia de su atmósfera interior.
Fa en cuarta es un cuento para adultos que nos habla de un alma a punto de caer, pero sobre todo de una mujer, ¿o de un chelo? y de un músico, ¿o de un amante? 
 
Idea Original: Sandra Fdz. Aguirre
Dirección: Marta Alvarez
Actriz: Sandra Fdz Aguirre
Manipulador: Iker García
Espacio Sonoro: Ibon Aguirre
Iluminación: Victor Palacio
Vestuario y escenografía: Laenananaranja
Producción: LaRessistens

ROSER LÓPE ESPINOSA – Barcelona


Festival B.A.D 2012      http://www.bad-bilbao.com/2012/


28  de Octubre   /  19:00h.   / Danza  
ROSER LÓPE ESPINOSA – Barcelona
“Miniatura”

Duración: 35 min 

MINIATURA es un mundo de cosas pequeñas, retratos, manipulaciones y mecanismos.
Las miniaturas son retratos y figuritas a pequeña escala. Unas y otras son fácilmente manipulables y esto las hace muy frágiles y a la vez sumamente versátiles. MINIATURA es un engranaje de manipulaciones de los elementos que entran en escena: el cuerpo, el movimiento, el video, la música y el espacio escénico. Nos convertimos en objetos y en cuerpos que manipulan, en retratos y en artífices, en paisajes imaginarios donde las dimensiones reales se modifican a través de las perspectivas. Nos ponemos en la piel de las muñecas de caja de música y de las mujeres de mirada sobria de los retratos antiguos. Bailamos el detalle y le hacemos un lugar de honor a todo lo minúsculo, que puede ser tan grande como la mirada.
“Una auténtica delicia para los sentidos." Patricia Salvatierra. Underdogs, 2010.

Concepto y dirección: Roser López Espinosa

Creación y danza: Maria Campos Arroyo y Roser López Espinosa
Música original: Ilia Mayer
Diseño de iluminación: Katinka Marac
Técnico: Israel Quintero 
Asesora artística: Àngels Margarit
Producción: L'escènica
Management: Marien Budin / Elclimamola
Agradecimientos: Abel Cunillera, Eulàlia Blasi, Aritz Bizkarra, Fàtima Campos, Daniel Caballero y Toni Mira
Foto: Yoannam2


Artista residente La Caldera 2010. Con el apoyo de Àngels Margarit / Cia Mudances - Invitados 2009/10, AREAtangent, Festival GREC, CONCA - Generalitat de Catalunya e INAEM.
Estreno en La Caldera / Festival GREC de Barcelona 2010. Tercer Premio del XXIV Certamen Coreográfico de Madrid 2010. Pieza seleccionada para la red europea Aerowaves 2011.

Roser López Espinosa ha bailado en Holanda con la Magpie Music Dance Company de Katie Duck (aprendiz), Marta Reig Torres y Pere Faura. En Barcelona colabora especialmente con Àngels Margarit / Cia Mudances (Corol•la, Kolbebasar, Flexelf), y también con Cesc Gelabert e Isaki Lacuesta, Iago Pericot (Mozartnu) o Las Malqueridas, entre otros. Desde 2006 ha creado piezas propias (The lizard’s skin, Còncau II, Miniatura, Before we fall...) que han recibido el reconocimiento internacional con premios en Masdanza, en el Certamen de Burgos-NY y en el Certamen de Madrid, y se han visto en Europa, Egipto, Canadá y Japón. En 2011 la revista de danza Susy-Q la considera una de las coreógrafas jóvenes más prometedoras del panorama español.

FESTIVAL BAD       27 de Octubre a las 19:00h.  
CLÁUDIA DIAS – Lisboa
“Vontade de ter vontade" / Estreno en Euskadi


Si me quedo aquí, en 2023 tendré 51 años. En 2024 tendré 52. En 2025 53. 54… 55… 56… 57… 58… 59.
Si voy allí (…) es porque estamos con la mierda al cuello para mirar pasivamente el desarrollo del subdesarrollo. Hay mucho que hacer y mucho por lo que luchar. El futuro todavía no ha llegado al presente. El pasado está mejor iluminado. O, por lo menos, yo lo veo más claramente. Que no nos falte la voluntad de tomar en consideración nuestros mejores instintos. Y, por qué no, de ponerlos en práctica. Hay mucho que hacer y mucho por lo que luchar, pero para actuar tenemos que apartar la vista de esta escena y caminar en la oscuridad durante unos momentos.

Dirección artística y coreografía: Cláudia Dias 
Asistencia: Cátia Leitão 
Interpretación: Cláudia Dias o Cátia Leitão 
Texto: Cláudia Dias , Cátia Leitão 
Escenografía: Eric Costa
Direción técnica: Carlos Gonçalves 
Iluminación: Carlos Gonçalves ou Nuno Borda D’Água
Música de América del Norte: Seu Jorge 
Profesora de Pilates: Maria João Madeira
Profesores de Samba: Carmen Queiroz y Pedro Pernambuco 
Fotografía: Carlos Gonçalves
Producción y difusión: SUMO/ Sofia Campos
Coproducción: Singel Internationale Kunstcampus y Culturgest 
Apoyos / Residências Dance Ireland, Fórum Cultural José Manuel Figueiredo,Espacio AZALA
Agradecimentos Anselmo Dias, Paulo Mota, Idoia Zabaleta, Jorge Feliciano, Célia Fechas, Karlien Meganck, Manuel Mendonça, Gil Mendo, equipa do Fórum Cultural José Manuel Figueiredo e Assim Ser – Associação Intercultural Brasílica de Portugal.
Cláudia Dias es una artista apoyada por: Modul-dance


PLANTEAMIENTOS de CLAUDIA DIAS

Vontad de ter vontade (Voluntad de tener voluntad)


Entiendo mi trabajo de creación como un proceso que se va edificando en el sentido de llegar a una pieza tras la cual ya no tendría sentido construir otra. Así, voy estableciendo relaciones y niveles entre las diferentes creaciones como si en cada una descubriese algo mas que añadir a un manual de instrucciones operativo. Como un método. Voluntad de tener voluntad se inserta en este pensamiento. Y desde este punto de vista es una pieza de continuidad en un proceso que comenzó con el solo One Woman Show y continuó con Visita Guiada y Das Coisas Nascem Coisas. Y si bien en cada creación me ocupo de las cuestiones especificas del quehacer artistico, en todas el inicio es siempre el mismo: el detonante es una imagen.

Esta pieza nace de un sentimiento de confrontación generacional que siento con muchos de mis alumnos. Confrontación que me hace pensar sobre mi generación y cómo me relaciono con lo antecedente y lo precedente, hacia el futuro y hacia atrás me sitúa en el epresente. En un aquí y ahora.

Y así nace la imagen que galvaniza esta nueva pieza: la de transformar el teatro en un territorio: Portugal. A partir de esta idea nace el dispositivo escénico, piezas de madera con unas características físicas concretas, inestables, precarias, limitativas…

En términos dramatúrgicos Vontade de Ter Vontade es un proceso donde las dimensiones individual y colectiva, personal e histórica, cohabitan en el mismo espacio. Diria que trata sobre el momento actual que vivimos en Europa (en el mundo), poniendo en evidencia las relaciones Norte-Sur, entre colonizador y colonizado, entre central y periférico. Y también un manifiesto contra la inevitabilidad. Cláudia Dias

Vontade de Ter Vontade de Cláudia Dias llama a la responsabilidad de no desisitir, en una pieza que prolonga su trabajo sobre la identidad y el territorio desde “One Woman Show (2003), “Visita Guiada (2005) y “Das coisas nascem coisas (2008),espectáculos que la reafirmaran como una de las más importantes autoras de danza contemporánea de la tercera generación de coreógrafos, aquellos que aprendieron de los que iniciaron la Nova Dança Portuguesa al final de los años 80 y que continúan en el camino abierto por ellos. 


CIRCUITO DE LA RED DE TEATROS ALTERNATIVOS
20 de Octubre a las 20:00h / 21 de Octubre  a las 19:00h DANZA
DANIEL ABREU / Madrid
Otros rostros otros rastros”  Estreno en Euskadi


Un hombre se entrega a la tarea de dibujar el mundo. A medida que pasan los años, llena el espacio con imágenes de provincias, reinos, montañas, bahías, barcos, peces, habitaciones, instrumentos, estrellas, caballos y personas. Justo antes de morir, descubre  que su paciente laberinto de líneas es una huella de su propio rostro.
Jorge Luis Borges, 1960



Otros rostros, otros rastros, es una propuesta coreográfica de la Cía. Daniel Abreu, para tres intérpretes sobre la metáfora del  camino y las maneras de afrontarlo.
En este marco de acción los cuerpos viajan distorsionando el espacio, con una extrema tensión muscular interna, resignados en el gesto y en la danza.
Aunque el título pueda apuntar hacia un trabajo teatral es una pieza íntegramente bailada. El camino que plasma el trabajo deja un paisaje fotográfico que bien podría hablar de los opuestos, sin pretensiones, de la vida y de la muerte. 
El maquillaje, los gestos, los tics del rostro y del cuerpo son acomodaciones cuya esencia es la satisfacción, representaciones del pensamiento, de la idea de lo que el mundo es o lo que ese mundo debería ser y de ellos se sirve la obra para narrar su historia.

El rostro humano nunca miente. Es el único mapa que registra todos los territorios en los que hemos vivido.
Luis Sepúlveda, 1998


Dirección y coreografía: Daniel Abreu
Ayudante de dirección: Janet Novas
Intérpretes: Anuska Alonso, Alvaro Esteban y Daniel Abreu
Diseño de iluminación y espacio escénico: Daniel Abreu
Técnico de sonido e iluminación: Sergio García 
Fotografía: Capricolor y Élida Dorta

Subvencionado por la Comunidad de Madrid
Colabora: Centro de Danza Canal, Centro Cultural Paco Rabal y Provisional Danza.
Dácil González, Janet Novas, Carmen Werner, Susana Ahijón, Sergio García, Alberto Sanz... muchas gracias a todos y a los que de alguna manera habéis hecho que todo fuera más fácil.


http://www.youtube.com/watch?v=Es1vzpF9uOo&feature=share&list=ULEs1vzpF9uOo

LA CASA DEL ARBOL – Madrid “Manual básico de cine experimental” 6/7 de Octubre 2012


CIRCUITO DE LA RED DE TEATROS ALTERNATIVOS
6 de Octubre a las 20:00h / 7 de Octubre a las 19:00h.  Teatro 
LA CASA DEL ARBOL – Madrid 
“Manual básico de cine experimental”

Manual Básico de Cine Experimental es cine en vivo. El espectador asiste a un rodaje en directo. La pieza se apoya en un lenguaje cuerpo-cámara con el que los actores van rodando un guión y construyen las secuencias dejando que el “frame” de la cámara (el encuadre) disponga su fisicalidad, sometiéndose a la tiranía del dispositivo tecnológico. El intento de adaptar a este lenguaje cuerpo-cámara las formas narrativas del cine y la búsqueda constante de planos cada vez más impactantes e intrépidos pone al límite la fisicalidad de los actores que tienen que ayudarse, sostenerse, empujarse, apoyarse, estirarse, retorcerse… Sus esfuerzos generan una coreografía compleja. Una danza de acciones, posiciones y movimientos dictados por la tecnología.
En un momento el espíritu obsceno e irreverente de la película que se está rodando invade el espacio no ficcional de los actores y corrompe las reglas del propio performance. El guión llega a un punto muerto. La cámara se mueve, gira y se sitúa en el lado opuesto grabando el espacio y todo lo que hay en él: actores, espectadores y arquitectura. Ahora todos formamos parte de la película como si la cámara nos hubiera devorado. Ella es el último espectador. Cambian los roles y el trabajo audiovisual ya no se da en un contexto escénico, es lo escénico lo que entra a formar parte del audiovisual. Alcanzamos un nuevo nivel de realidad. En este momento entra el “Hombre del traje”.
Este personaje compone su discurso desde la superficialidad de quien no ha pasado por las situaciones que cuenta. De quien busca el humor por encima de cualquier consideración. El tono confesional y claustrofóbico que tiene el texto contrasta con la indiferencia del monologuista. La propia realidad de los actores se convierte en tema de entretenimiento para la cámara-espectador. Una cámara depredadora que absorbe todo (realidad y ficción) como un agujero negro. Un homenaje a la película Arrebato de Iván Zulueta.
Manual Básico de Cine Experimental es una pieza sobre la percepción. Sobre la forma en que construimos la realidad. Trata sobre el tiempo, el espacio y el movimiento. Sobre la decepción, el fracaso personal, la falsa espiritualidad, sobre “la imposibilidad de decir yo” (Agamben). Habla de perros, de sicólogos, de máquinas de gimnasio, de “teatro cuántico” de alguien que, “corre todo lo que puede para permanecer siempre en el mismo lugar”.
Al final MBCE es una comedia por que no podría ser de otra manera. Es humor incomodo, violento y estrafalario que se propone desde un juego de construcción narrativa que cuestiona la veracidad de la imagen, la necesidad de su materialización y el complejo entramado de relaciones económicas y mercantiles que dan forma a los conceptos de realidad e individuo dentro de la sociedad del espectáculo.

La clave de nuestro proyecto está en la relación con el espectador y en la forma en la que actores y público negocian y establecen una serie de reglas y herramientas con las que irán construyendo juntos la representación. Nos dirigimos a un espectador que participa de forma activa en la pieza por qué es él quien le da su última forma.

Manual Básico de Cine Experimental se inspira libremente en el texto “Decadencia” de Steven Berkoff.
Es un proyecto que se desarrolla bajo el concepto de creación-investigación”, nace dentro del Máster en Prácticas Escénicas y Cultura Visual de la Universidad de Alcalá (UAH)en colaboración con el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Matadero Madrid y La Casa Encendida, dirigido por José Antonio Sánchez y se estreno en el CA2M (Centro de Arte 2 de Mayo) dentro del Festival Escena Contemporánea, Madrid 2011.

Concepto: Vicente Colomar
Asesoramiento: Cuqui Jeréz
Creación y Performance: Eva Trancón, Josehan Mauleón y Vicente Colomar
Video: Javi Carrillo
Asistente de movimiento: Ricardo Santana
Fotografía: Maribel Jabón
Diseño Gráfico: Ricardo Santana
Asistencia técnica: Gerardo Quintana
Colaboraciones: Sex-peare, Fundación Carmen Werner para Danza Contemporánea



Residencia de Creación 2012 en La Fundición - Bilbao 
28-29 DE SEPTIEMBRE 20:00h.   Estreno
30 DE SEPTIEMBRE / 19:00h   TEATRO-DANZA 

IREN GAZTAÑAGA Y GABRIEL OCINA / Bilbao
“Diálogo”


Creación colectiva: Xabier Agirre, Pilar Andrés,Emilio Encabo, Miren Gaztañaga, Gabriel Ocina, Gabo Punzo
Fotografía: Adrián Hernández
Agradecimientos: Eztena Jaialdia, Galder Pérez, y a tod@s l@s que en el proceso nos han ayudado con su opinión y su mirada. 
Proyecto en Residencia de Creación en La Fundicion 
Proyecto en Residencia de Creación en Muelle 3 
Proyecto subvencionado por el Departamento de Cultura del Gobierno Vasco




 Ya es la hora.
 ¿Nos ponemos ya?
 Por mi sí.
 Es curioso. Ahora nadie nos ve, ni nos oye pero luego es al revés.
 Es verdad.
 ¿Hay algún sitio donde te gustaría estar?
 ¿Antes que aquí?
 Si.
 En mil sitios.
 Dime uno.
 Pues… bajo el agua, buceando, viendo mi sombra moverse sobre la arena.
 A mi me gustaría estar en una noche de verano, con amigos.
 Y no tendríamos que hablar de esto que vamos a hablar.
 No, ja, ja, ja.
 Hablaríamos de cosas mas divertidas.
 De las cosas buenas de la vida.
 Hablaríamos de historias que nos contaron o que queremos contar.
 Si alguien tuviera una guitarra yo igual hasta me pondría a cantar.
 Y yo.
 Ja, ja, ja… ¡Cuantos proyectos!
 Si…
 Algún día tenemos que hacerlo. Tú cantas muy bien.
 Tu también.
 Pues haríamos un dúo.
 Si, ja, ja, ja.
 Como en la noche de San Juan.
 Si.
 Bueno, van a entrar.
 Si.
 Mucha mierda.
 Mucha mierda.
 Disfrútalo.
 Siempre.
 Lo se.
 Tu también.
 Si, siempre.






Otoño 2012

Una NUEVA TEMPORADA, celebradas ya 25, y mucho entusiasmo por parte de todos los implicados para combatir y compensar estos tiempos complejos. Podremos disfrutar de las compañías locales, y algunas que estrenan pieza, como Miren Gaztañaga-Gabriel Ocina; de la colaboración con la próxima edición del Festival BAD ; del Circuito de la RED Estatal de Teatros Alternativos; y de un nuevo monográfico: el Proyecto Europeo “Europa Inestable”Acércate: te va a merecer la pena. 


DENBORALDI BERRIA, beste 25en ostean, eta izugarrizko gogoa parte hartzaile guztien aldetik egoera konplexu honi aurre egiteko. Bertako konpainiak disfrutatzeko aukera izango dugu, hauetako batzuk lan berria estreinatuko dutenak, hala nola, Miren Gaztaña-Gabriel Ocina; datorren BAD Jaialdiarekin elkarlanekoak; Circuito de la RED Estatal de Teatros Alternativos-ekoak; eta monografiko berri batekoak: "Europa Inestable" Europar Proiektua. Hurbildu zaitez, merezi du.

Residencia Artística en La FuNdiciON 
JUEVES 28, A LAS 12:00h.

Estas invitado a compartir el proceso de trabajo de la pieza "Dialogo". 
Con: Miren Gaztaña, Gabriel Ocina, Emilio Encabo, Pilar Andrés, Gabo Punzo y Xavier Agirre. 
Un tiempo de encuentro charla y acompañamiento en este punto de la creación. 
Su estreno en La Función el 28 de septiembre abrirá la temporada de invierno 2012.




Residencia Artística en La FuNdicIon 10 al 21 de Julio 2012 Proyecto becado por el Programa de Artistas en Residencia de Bilbaoeszena

DAVID ESPINOSA
Mi Gran Obra (un proyecto ambicioso)

Creación, dirección e interpretación: David Espinosa Ayudante de dirección: África Navarro
Espacio Escénico: David Espinosa con la colaboracion de AiR
Música y sonido: Santos Martínez y David Espinosa
Producción: El Local E.C., CAET Terrassa Distribución: M.O.M.-El Vivero
Proyecto becado por el Programa de Artistas en Residencia de Bilbaoeszena 2012 
Trata nada menos, que de averiguar hasta que punto puede mejorarse la condición moral y física de la especie humana, oponiendo a la vez un dique a las guerras, a las revoluciones, y a los motines. Es la empresa más santa de cuantas han podido imaginarse; pues sus beneficios deben alcanzar, no a un solo pueblo, provincia o nación, sino a la humanidad entera, sin que la cueste una gota de sangre, ni una lágrima» Manuel Sagrario de Veloy

 
Residencia Artística en La FuNdiciON
de: Miren Gaztaña, Gabriel Ocina, Emilio Encabo, Pilar Andrés, Gabo Punzo y Xavier Agirre
"Diálogo".  
Nuevo trabajo en prosceso de ensayos. Su estreno en La Función el 28 de septiembre abrirá la temporada... de invierno 012 .

1º Parte de Residencia / del 18 al 29 de Junio
2º Parte de Residencia. / del 17 al 27 de Septiembre
Estreno 28 Septiembre a las 20.00h.
Dias de Función 29 - 30 a las 20:00h. de Septiembre
LEKUZ LEKU  2012  - BILBAO 
Festival de Danza en  Paisaj es UrbanosAbandoibarra, 29 y 30 JUNIO 2012
www.lekuzleku.com




Durante dos días, 29 y 30 de junio, a  partir de las 19:00h en Abandoibarra se encuentran la danza y el público paseante. Su objetivo: acercar la gran variedad de lenguajes de la danza contemporánea a todos los públicos de forma gratuita, y presentar trabajos coreográficos en los espacios urbanos. Para ello, en esta VIII edición, Lekuz Leku presenta propuestas  de bailarines nacionales e internacionales con creaciones específicas para cada espacio.
Se  presentan trabajos de distintos paises como: Alemania, México y Holanda, junto con coreógrafos más cercanos, de Galicia, Madrid, Cataluña, Aragón o Euskal Herria. Propuestas distintas para el disfrute de la danza a orillas de la ría.

Lekuz Leku en cifras: 4 paises, 5 Autonomías, 10 compañías, 10 piezas cortas, 2 días de presentación de videos de otras Ciudades Que Danzan y la presentación de la revista “dancing cities” /danza en paisajes urbanos y 1 pieza destinada a la participación del público.

Lekuz Leku 2012 – Ciudad – Danza – Vídeo
Lekuz Leku  es un festival asociado a CQD (Ciudades que Danzan), una Red internacional de festivales que presentan programaciones en paisajes urbanos. Actualmente engloba 38 festivales europeos y latinoamericanos. Constituye un encuentro entre marcos urbanos y danza.
El Paseo Abandoibarra, antes zona de construcción naval, es ahora el centro neurálgico de la ciudad, en términos de diseño, ocio y cultura. Ahí encontramos los edificios más emblemáticos del Bilbao del siglo XXI y es ahí donde se desarrolla el festival.

Lekuz Leku
- Plantea un itinerario artístico comprendido entre el Museo Guggenheim y el Palacio Euskalduna.
- Ofrece a coreógrafos y bailarines el marco arquitectónico de la ciudad como nuevo escenario.
- Redescubre los espacios urbanos transformándolos, modificando así la percepción del ciudadano.
- Potencia la presencia de las nuevas generaciones de coreógrafos, bailarines.
- Favorece la circulación internacional de obras y creadores.

EL FESTIVAL 
Programa de Danza:
• 29 y 30 de junio en el marco del Paseo de Abandoibarra.
• 30 de junio en el Paraninfo de la UPV-EHU. Bizkaia Aretoa
PROGRAMA DE VÍDEO:   29 y 30 de junio en el marco del Paseo de Abandoibarra se presentarán vídeos de los distintos Festivales asociados a la red Ciudades que Danzan (CQD)
Punto de encuentro: todos los días después  de las actuaciones  un momento para la conversación, con una copa en la mano, entre los artistas y los espectadores.

TINTO DE VERANO 2012
"Original y  Copia" 
La FuNdicIOn, ya en la nueva edición de "Accidentes artísticos para la creación", propone ORIGINAL Y COPIA,  con Rosa Muñoz.

ORIGINAL Y COPIA es un espacio de investigación sobre materiales ya construidos y que se prestan a la deconstrucción.

RESIDENCIA CON ROSA MUÑOZ Del 11 al 15 de junio
COPIA "John, Johnny"


 

Presentación
15 - 16 -  17 Junio - Danza


Participan:  Matxalen de Pedro, Esti Olabarri, Natxo Montero, Bego Krego,
Olatz de Andrés

Notas de Rosa Muñoz:

El planteamiento es disponer e informar a los participantes de las reglas del juego en las que basamos la pieza y que las personas que participan en la residencia vivan la experiencia de acatar esas reglas y practicar el juego. A partir de ahí iré dando forma, observando qué ocurre y dibujando las bases de lo
que será la presentación, dejando a la sensibilidad del grupo y a su búsqueda las zonas más abiertas de improvisación.

Para esta construcción inmediata de la pieza es muy importante la observación de las reglas del juego y los 7 puntos:
• Que los participantes busquen y traigan sus mitos musicales.
• Creación de un mapa-recorrido
• Trabajo con ojos cerrados.
• No creación de una pieza con sus diferentes escenas.
• Trabajar la independencia cuerpo-música y plantear el mínimo movimiento Intervención del azar.
• Jugar con el concepto de voyeurismo, de ser observado.