Un Teatro para la ciudad. Disfruta y comparte la creación contemporánea en Bilbao. Bilboko kreazio garaikiedeak disfrutatzeko eta iritzia emateko. Teléfono: 944 753 327 Fax: 944 759 115 Dirección: Francesc Macià 1-3 48014 Bilbao http://www.lafundicion.org/

Entradas 10€ / Todos los actos comienzan a las 20:00h. excepto domingos 19h. Reservas y venta de entradas: En cajeros Internet en la pg. de La Fundición o en taquillas el día del espectáculo. Reservas en taquilla Tf. 994 753 327 hasta las 1/2 hora antes del comienzo. No se permite la entrada una vez comenzada la representación.


GRÁFICA GÉNESIS / Costa Rica "Homotextural"


Sábado 10 de Diciembre a las 20:00h / Domingo 11 de Diciembre a las 19:00h / DANZA

GRÁFICA GÉNESIS / Costa Rica

"Homotextural"Homotextual es una pieza unipersonal en un solo acto, que expone el tema de la humanidad como parte de un sistema que encasilla a hombres y mujeres a cumplir con procesos ya definidos, determinándoles a roles, estereotipos, condicio-nes sociales, tradiciones, costumbres, idiosincrasias establecidas y sistematizadas que forman parte de una (sociedad normal).Creado por el autor con el fin de generar un matiz psicológico de acercamiento con el público, manipulando positivamente puntos semióticos característicos en los aspectos homotextuales: Búsqueda de la identidad, alteración deltemperamento, puntos de referencia parecidos a la personalidad del intérprete e identificación con algún punto de referencia llamado público, entre otros.

Este es un proyecto con perspectiva social de género, basado en la danza-teatro, que expone la condición masculina y femenina estereotipada en la sociedad civil, que limita al ser humano y le restringe su elección de ser, traspasa la línea de búsqueda de identidad como personas y expone la necesidad de confirmación como seres auténticos.

Dirección y Coreografía: Francisco CentenoIntérprete: Adrián Figueroa R.Asesoría en dramaturgia: Ofir LeónComposición Musical Original y Edición: José DuarteVoz en Off: Alfonso SolanoCreación Audiovisual: Anthony SharpeDiseño de Vestuario: Francisco Centeno y Adrián Figueroa R.Creación de Vestuario: Rosaura MezaDiseño de Espacio Escénico: Francisco CentenoDiseño de Imagen: Gráfica GénesisDiseño Gráfico: Gráfica Génesis, Rigoberto GutiérrezFotografía de Afiche: José MoyaExhibición de Fotos: David FernándezDiseño de Luces: Francisco Centeno y Nereo SalazarLuminotecnia: Gráfica GénesisProducción General: Gráfica Génesis, Ricardo Alfieri Comunicación y Difusión: Sylvia Sossa y José Martínez

Fiesta de Aniversario 25 Años de Fundición

AGUPACION Sr. SERRANO/ "Memo


CIRCUITO RED DE TEATROS ALTERNATIVOS
Viernes 25, Sábado 26 de Noviembre a las 20:00h
Domingo 27 de Noviembre a las 19:00h / TEATRO-DANZA

AGUPACION Sr. SERRANO/ Barcelona
"Memo"

Interpretada por tres performers, diez magnetófonos, un vídeo VHS, una sandwichera eléctrica y decenas de globos hinchables, MEMO explora los mecanismos de construcción de la memoria a través de una puesta en escena apoyada en la danza, la creación sonora y el vídeo en directo.
Una determinada experiencia pone en marcha nuestro cerebro y de golpe queda fijada como recuerdo en nuestra memoria. En un primer momento parece que el recuerdo es fijo, pero las imágenes que atesoramos con voluntad inmutable cambian constantemente: son contaminadas por nuevas experiencias, alteradas por elementos de otros recuerdos parecidos y peinadas por el tiempo.

MEMO sucede en la Sección de Cumpleaños Singulares de la Memoria de una persona cualquiera, donde tres individuos esperan pacientemente la entrada de las experiencias de esta persona y se encargan de construir, mantener y transmitir sus recuerdos, en una lucha constante para conservarlos inmutables. Y es que, seguramente, esta lucha contra la inexorable caducidad de los recuerdos, a pesar de saberla estéril y abocada al fracaso, está en el núcleo de aquello que nos define como seres.


Como es habitual en las producciones de la Agrupación Señor Serrano, MEMO se formaliza a través de la mezcla de lenguajes y disciplinas. Un grupo de tres bailarines-performers conforma el cuerpo físico de la pieza, a través de la coreografía y, sobre todo, de partituras de movimiento y acción. Son ellos los que soportan el peso principal de la dramaturgia a partir de la ejecución de las diferentes escenas, basadas en la manipulación de objetos, coreografías, elementos multimedia y otros recursos físicos y visuales.
Como ha sido recurrente en nuestra trayectoria, la captura de vídeo en vivo y la aplicación de efectos de imagen en tiempo real es una de las herramientas más destacables de la pieza, aumentando, fraccionando, multiplicando o deformando aquello que sucede en escena para añadir significado a la acción.
El resultado final de MEMO es el de una pieza de teatro visual/danza con predominio de la composición plástica, sonora y gestual.

Dirección: Àlex Serrano
Dramaturgia: Pau Palacios y Àlex Serrano
Performers - Colaboradores en la creación: Diego Anido, Susana Gómez y Claudia SolWat
Aplicación interactiva de vídeo: Martí Sánchez Fibla
Coreografía: Claudia SolWat
Espacio sonoro y música: Sebastián García Ferro
Diseño de iluminación - Vestuario: Isabel Franco
Ayudante de dirección - Producción: Barbara Bloin y Pablo Rosal
Creación de vídeos: Josep Maria Marimon
Asesor del proyecto: Víctor Molina
Agradecimientos: Pau Bachero, Sol Picó Cia de Dansa, Heroínas de la cultura, Color Impar y Anna Díaz Laudo

Una producción de Agrupación Señor Serrano y Centre d'Arts Escèniques de Terrassa (CAET)
Con el apoyo del CoNCA (Consell Nacional de la Cultura i les Arts - Generalitat de Catalunya)
Proyecto ganador del Premio a Proyecto de Escenificación 2010 del Institut del Teatre de Barcelona
La Agrupación Señor Serrano es compañía residente del centro para el desarrollo de las artes L'Estruch de Sabadell


Viernes 18, Sábado 19 de Noviembre a las 19:00h
Domingo 20 de Noviembre a las 18:00h / TEATRO

CHÉVERE/ Santiago de Compostela
"CITIZEN"

CITIZEN I - CITIZEN II - CITIZEN III
Versión completa e íntegra de Citizen, un espectáculo de 3 horas y 15 minutos de duración con 2 intermedios.

El Proyecto
Después del trabajo realizado con Testosterona sobre identidad y construcción de género, el nuevo proyecto de creación escénica de Chévere para 2011 es CITIZEN. Se trata de poner en práctica nuevos procesos de trabajo y producción, combi-nando la apuesta por la investigación con la necesidad de obtener unos resultados de cara al público.

El proyecto completo de Citizen está estructurado en tres partes, en tres espectáculos autónomos de pequeño y mediano formato, que se fueron haciendo y estrenando a lo largo de la temporada 2010-2011 como si se tratase de una obra de teatro por episodios. Cada uno de ellos es la continuación y la consecuencia del anterior. Y, al final, la suma de los tres supondrá un nuevo espectáculo de mayor
formato.

Citizen se inspira en el Citizen Kane de Orson Welles. Esta película cuenta la historia de Charles Foster Kane, un empresario norteamericano de la comunicación que llegó a ser una de las personas más ricas y poderosas del mundo en el primer tercio del siglo XX. Nuestra obra cuenta la historia de A.O., un empresario gallego del textil que se convierte en una de las personas más ricas del mundo en el último tercio del siglo XX.

DE QUÉ HABLA CITIZEN?
Citizen habla de la construcción de un imperio económico desde la periferia. Habla de cómo utilizar lo que nos ofrece la historia en beneficio propio, de cómo se construye la realidad como si se tratase de un culebrón. Citizen es la biografía no autorizada e inventada de un personaje real llamado Amancio Ortega, dueño de Inditex, más conocida como Zara. De esta manera, Citizen se convierte en una buena disculpa para hablar, ironizar y cuestionar los efectos de la globalización en
relación con nuestras identidades individuales y colectivas.

CITIZEN I (Mayorías silenciosas) (75 min)
Nos sitúa en ese momento iniciático que tiene toda gran aventura. Cuando es difícil separar la realidad de los sueños. La verdad, de la invención. El teatro, de la vida. Pero también es una historia de la Transición, contra la Transición. Estamos en 1975. Franco ha muerto. Todo tendría que cambiar. Ella está exactamente donde hay que estar. Él no tiene posición. Ella es de un lugar del que viene hu-yendo. Él no sabe ni de dónde viene, pero sabe exactamente a dónde quiere llegar...
Citizen I es un trabajo hecho con la palabra y el texto, pero también opera con cámaras en directo y proyecciones para mostrar la construcción de realidades paralelas y contradictorias. Citizen I se estrenó en la Sala Nasa de Santiago de Compostela el 6 de octubre de 2010.

CITIZEN II (Made in Galiza) (65 min)
Es una obra hecha desde el cuerpo de cuatro actrices para contar, con muy pocas palabras, lo que fue el trabajo de miles de mujeres anónimas en talleres semiclandestinos durante los años 80 y 90. Esa parte de la historia que nadie cuenta y que permitió el crecimiento y la expansión inicial de Zara. Citizen II se estrenó el 24 de noviembre de 2010 en la Sala Nasa.

CITIZEN III (Wii economía) (65 min)
Es un ejercicio de economía-ficción. Trabajar con la más pura actualidad para llevar lo real al escenario de la ficción teatral.
Habla de la crisis económica, de las consecuencias que no tuvo, del colapso del capitalismo y del fin de la globalización. Citizen III se estrenó el 3 de febrero de 2011 en la Sala Nasa.

En marzo de 2011, en la Sala Nasa se puso en escena la versión completa e íntegra de Citizen, un espectáculo de 3 horas y 15 minutos de duración con 2 intermedios.

Una creación: Chévere, compañía residente en la Sala NASA
En escena: Patricia de Lorenzo, Manuel Cortés, Miguel de Lira, Mónica García, Arantza Villar, Nekane Fernández, Iván Marcos
Dramaturgia y dirección: Xron
Movimiento escénico: Rut Balbís
Guión: MCortés
Arreglos sonoros: Xacobe Martínez Antelo
Vídeos: Oroboro Films, Quadra producións
Sonido/proyecciones: Xacobo Castro
Iluminación: Dr. Cabaleiro
Locutores informativo: Monti Castiñeiras, Iria Pinheiro
Producción: Juancho Gianzo
Comunicación: Xana García
Diseño gráfico: Fausto Isorna
Economistas colaboradores: Xosé Manuel Beiras, Xavier Vence,
Lidia Senra, Fernando García Tobío
Con el apoyo de: AGADIC, Concello de Santiago de Compostela, INAEM
Nuestro agradecimiento a Óscar, Paco Bixou, Lola, Dominga, Amalia, Estrella, a las cooperativistas de Harmonía y Millenium, al Padre Jorge, a Belén, a Fátima.

Encuentro In-formal con Chevere

Jueves 17 a las19:00h Entrada Libre

Encuentro In-formal con los Chévere antes de ver su Citizen en La Fundición

CHÉVERE/ Santiago de Compostela
"Cuando damos la cara nos va de culo, pero es que no tenemos buen perfil"

Los Chévere llevamos casi 25 años tratando de encontrar nuestro mejor perfil, pero al final siempre acabamos dando la cara. Y cuanto más damos la cara más nos va de culo. Cuando tocaba subirse al carro de las grandes celebraciones socialistas abrimos una sala alternativa a la que llamamos la Nasa. Cuando nos hubiese correspondido acceder a lo contemporáneo nos inclinamos por lo cómico e hicimos una de vaqueros. Cuando aún no estaban de moda los musicales montamos una opereta pop. Cuando ya sólo funcionaban las comedias con famosetes nos empezamos a poner serios. Cuando ayudamos a jubilar a Don Manuel no aprovechamos las circunstacias bipartitas. Cuando volvieron los del PP y resistimos nos acusaron de terroristas. Y cuando tuvimos que cerrar la sala se enteraron los de la CNT y nos llamaron explotadores. Ahora teníamos que montar uno de esos espectáculos muy progres y muy bien hechos que tanto gustan en Madrid o en Barcelona, aprovechando la crisis para ponernos del lado de los buenos con un par de reflexiones ingeniosas, y nos ha salido un bio-pic un poco minimalista del tipo este que se forró con lo de Zara, una cosa entre graciosa, documental y emotiva, pero invendible porque dura más de tres horas e intraducible porque por mucho que hablemos en español, esto sigue sonando a gallego cerrado.


Viernes 11, Sábado 12 de Noviembre a las 20:00h.
Domingo 13 de Noviembre a las 19:00h / DANZA-TEATRO

Cia. IKER GÓMEZ / Barcelona
"La Danza del Cisne" el ballet en miniatura
En esta pieza escénica, el coreógrafo y vídeo-realizador Iker Gómez reinterpreta en un código contemporáneo al ave más preciada del ballet: el manido cisne.

Tres intérpretes, arquitectura e integración del video en la acción escénica, danza contemporánea, teatro físico, música en directo, texto, activismo existencial y una inevitable dosis de humor para desarrollar todo un ballet en miniatura: La Danza del Cisne.

"Una calculada progresión del espectáculo que va ganando en interés y en fuerza, la manera sutil pero decidida en que va evolucionando el papel que juega la intérprete que le acompaña y el fantástico e ingenioso entorno audiovisual de gran riqueza y expresividad a partir de elementos tan simples como una manada de cisnes de origami, además de un gran acierto que engancha al espectador, nos desvela a un coreógrafo contemporáneo con las claves fundamentales para unir la eficacia y la emotividad del conjunto de una obra".

Kyriaki Cristoforidi / crítica e historiadora de artes escénicas

Dirección/ Video/ Coreografía: Iker GómezMúsica: Nerea Alberdi. Libre interpretación de "El Lago de los Cisnes" de TchaikovskyIntérpretes en escena: Iker Gómez / Nerea AlberdiVideo intérprete: Pili AbaurreaDiseño de luces: Daniel CaballeroCoproducción: CAET - Fábrica TNT/ AREAtangentSoporte: Centro Coreográfico Galego/ La Casa Encendida/ Aula de Danza de Alcalá de Henares

Agradecimientos: Ana Belén/ Cristina/ Raquel/ Pepe/ Carolina/ Maral/ Laura/ Manu/ Agu/ Pili

Iker GómezComienza sus estudios en el País Vasco dividiendo su tiempo entre la Universidad de Bellas Artes y el Estudio de Danza.Completa su formación con un postgraduado en el Institut del Teatre de la Diputació de Barcelona donde pasa a formar parte de la compañía del Institut-ITDansa.Durante cinco años, desarrolla su carrera como bailarín profesional en teatros europeos como el Ballet Nacional de Suiza o el Regensurg Tanztheater, teniendo oportunidad de trabajar con coreógrafos internacionales de diferentes estilos como Jiry kilyam, Stjin Cellis, Rui Horta, Wim Vandekeybus o Jo Stromgrem, entre otros.Motivado por la inquietud de conocer nuevas tendencias y estilos coreográficos, abandonala estructura de los grandes teatros para saltar al mercado europeo de las compañías freelance.En este nuevo marco comienza a trabajar estrechamente con los coreógrafos y directores, enfocando su carrera hacia la dirección escénica, la coreografía y las artes audiovisuales.En este periodo, centra su trabajo en investigar y profundizar la doble perspectiva que le aporta el movimiento de la cámara, desarrollando posibilidades cinematográficas, que aplicadas a la composi¬ción coreográfica, le permiten enmarcar la danza, el teatro y la acción en escena

en un nuevo espacio y contexto.

Cía. LEIRE ITUARTE

FESTIVAL BAD 2011

Jueves 3 de Noviembre a las 19:00h / DANZA
Cia Leire Ituarte / Bilbao
"@leph"

El @leph, una minúscula esfera de apenas dos o tres centímetros de diámetro brinda al espectador la posibilidad de contemplar, sin disminución de tamaño, el espacio cósmico en su totalidad. La fantasía panóptica de una aventura proporcional a su posibilidad para imaginar y explorar otros mundos y otros planetas. Un viaje virtual y solitario de posibilidades, una simulación de individuos, encuentros, realidades, laberintos y espejos que se reduplican. Hasta que el viajero extenuado comprueba, desconcertado frente a la realidad del simulacro, que en el @leph también él está siendo observado.

Concepto & Dirección: Leire Ituarte
Interpretación: Gustavo Gorosito, Nélida Ranedo
Coreografía: Leire Ituarte, Gustavo Gorosito, Nélida Ranedo
Iluminación: Gabo Punzo
Concepción vídeo: Leire Ituarte, Adrián Hernández
Videocreación:Adrián HernándezEspacio Sonoro: Edu Zallio
Arreglos sonoros: Ahoztar Larrea
Construcción escenográfica: Gabo Punzo
Vestuario&Estilismo: KataKlismo
Fotografía: Adrián Hernández
Texto: Jorge Luis Borges
Locución: Gabi Ocina
Producción: Flakos'
Producciones Creativas Elkartea
Colaboran: La Fundición, Dpto de Cultura del Gobierno Vasco
Agradecimientos: U.P.V (Facultad de Ciencias Sociales y de la Comunicación)


Esta creación ha participado en el Programa de Residencias Artísticas de La Fundición



@leph rinde tributo a los laberintos de Borges y el "Panóptico" de Michel Foucault como metáforas visionarias de la expansión de la red cibernética, entendida no sólo como utopía virtual de un viaje inmóvil a través de realidades múltiples, simultaneidad de tiempos, espacios y posibilidades sino como dispositivo disciplinario de vigilancia y control de las nuevas tecnologías del poder en la cultura del simulacro. También reflexiona sobre los efectos que ese imaginario virtual de mundos posibles ha ejercido sobre el concepto mismo de "realidad" que heredamos de la época moderna. La simulación digital de la realidad, tras alcanzar cotas de perfección hasta ahora inimaginables, es responsable de que en la era del simulacro lo "real" -reducido a utopía, objeto perdido- y lo "virtual" -en tanto que ilusión o simulacro de lo "real"- se hayan convertido en categorías intercambiables. La confusión entre lo real y lo virtual, el original y la copia, el mapa y el territorio ha penetrado en las narrativas posmodernas como ansiedad colectiva y leitmotiv recurrente del desvanecimiento de "lo real" mismo y sus efectos colaterales en el "debilitamiento" de las viejas coordenadas identitarias del sujeto moderno. @leph también se pregunta, por tanto, sobre la nueva condición del sujeto posmoderno atrapado en el laberinto cibernético a partir de un trabajo de exploración en torno a la manipulación tecnológica de los cuerpos y la confusión y los límites, cada vez más difusos, entre el cuerpo virtual y el cuerpo real, el cuerpo artificial y el cuerpo natural, el cuerpo mecánico y el cuerpo biológico; una reflexión, en última instancia, sobre el desvanecimiento del cuerpo mismo o sobre la cada vez más apremiante concepción de éste como simulación generada y manipulada por control remoto.

HENRIK KAALUND / "DreaMe"


FESTIVAL BAD 2011 / DANZA
Lunes 31 Oct. - Martes 1 de Nov. a las 19:00 h

HENRIK KAALUND / COPENHAGUE-BERLÍN
"DreaMe"

DreaMe trata de la interacción entre la realidad y la realidad deseada. Presta especial atención a los ideales del éxito y de la belleza, tal y como nos los dictan los medios de comunicación. ¿Cómo hacer frente a esta presión creciente? Y, ¿cómo de grande es el margen dentro del cual me puedo mover, sin dejar de ser fiel a mí mismo?
En la superficie de proyección de la parte posterior del escenario, aparecen dobles del artista, como identidades-fantasma. Los dobles representan los ideales, valores y metas de la mujer real creados artificialmente, por un lado, y las necesidades de su subconsciente por el otro. Su problema es diferenciar entre su identidad verdadera y la artificial. Y eso no es tarea fácil, porque incluso si algo de lo que representan los dobles puede resultar falso, parte de lo que son se deriva de las necesidades básicas y deseos de la persona real, que no está en contacto con ellos y mucho menos capaz de controlarlos. Naturalmente, esto lleva a conflictos, visibles en esta configuración como la lucha entre la persona en el escenario y sus apariciones vídeo. Durante el curso de la pieza, llegamos a conocer a tres vídeo-identidades o personajes principales, algunos más fuertes que otros. Después de un tiempo estos personajes son capaces de traspasar el mundo del vídeo y presentarse en vivo en el escenario, en el cuerpo del intérprete.
La obra hace uso de una configuración técnica que permite la sincronización exacta entre el video, sonido y iluminación. De esta manera se puede utilizar técnicas similares a las utilizadas en el cine y la televisión para introducir cortes marcados en las imágenes presentadas en vivo en el escenario y en la pantalla de proyección. Esto presenta un reto para el intérprete en escena: tiene que cambiar de personaje en un instante, "saltando" de su papel a la imagen de vídeo, aprovechando un "oscuro" durante un momento, o entrar detrás de la pantalla en el momento exacto en que su vídeo-imagen aparece...
Los elementos escénicos, el video y el sonido juegan un papel tan importante como el movimiento. Cada uno de ellos crea una serie de acontecimientos, a veces independientes de los otros medios. Para la intérprete, sin embargo, son rivales ante su intento de posicionarse.

Idea, coreografía, video, texto: Henrik Kaalund
Interpretación: Catherine Jodoin
Creación sonora: Michael Haves
Fotografía: Christian Glaus

Henrik Kaalund, bailarín y coreógrafo danés que vive ahora en Berlín.
Su formación profesional se completó en la John Cranko School, Stuttgart and David Howards School of dance, New York, y con le Cleveland ballet, Ballet Arizona, Basel Ballet, Dormunt Ballet, donde trabajó con Rui Horta, Amanda Miller, Mei Homg Lin y Jean Renshaw entre otros.
Ha bailado con las compañías de Conny Jansen Danst-Rotterdam, Jan Pusch-Hamburgo, Felix Landerer-Hannover, Pieter de Ruiter-Amsterdam, entre otras. Ha creado coreografías para el Dormunt Ballet, Ballet Hildesheim, Ballet Greifswald en varias ocasiones y ha ganado varios premios como coreógrafo y bailarin en Hannover, Leipzig, Burgos, Atenas

MARCO CANALE / “La Puta y el Gigante”


FESTIVAL BAD 2011
Sábado 29, Domingo 30 de Octubre las 19:00h /TEATRO

MARCO CANALE / Guatemala
“La puta y el gigante”

En 2009 el autor y director Marco Canale acude a un taller impartido por Angélica Liddell en Guatemala. Se plantea entonces abordar una escritura en la que la ficción queda relegada por lo autobiográfico y lo real. Ese mismo año viaja al sur de Colombia y escribe La puta y el gigante. Unos meses más tarde decide representarla él mismo, poniendo su cuerpo y su voz sobre el escenario.

“La obra nace de la acción de buscar una y otra vez artículos de El País en Internet, siguiendo los nombres de las diferentes masacres perpetradas en Colombia por paramilitares durante el gobierno de Álvaro Uribe, sin encontrar prácticamente ninguna. Y pensar que son demasiados cuerpos torturados y asesinados como para que se trate de un descuido.
La economía y sus muertos. Y el silencio.

Texto, interpretación y dirección: Marco Canale
Ayudante de dirección e interpretación: Patricia Orantes
Iluminación: Fernando Renjifo
Producción: Marco Canale y Escena Contemporánea
Con el apoyo de Iberescena
Obra publicada en la colección Artezblai

Agradecimientos: Yosú y PCN (Proceso de Comunidades Negras), Pepe Henríquez, Laura Corcuera, Alberto Nuñez y Equipo Escena Contemporánea, Charo Francés, Sara Rosenberg, Iberscena, Mark James Maughan, Hanna Cuenca, Andrés Asturias, Ian Ingelmo, Ruben Ávila, Carlos Gil, Elena Ros, Lucas Vermal, Celina Tolosa y Agustina Ramos Mejías.

Marco Canale
Marco Canale (Buenos Aires, 1977) reside desde 2001 en Madrid y desde 2008 entre Guatemala y España. Se licenció en Dramaturgia en la RESAD y ha estrenado o publicado sus obras en España, Argentina, Marruecos, Francia y Guatemala.

Lo político y lo autobiográfico atraviesan su obra, compuesta por títulos como La bala en el vientre, centrada en el conflicto vasco (V Premio Madrid Sur de Textos Teatrales); Evita Montonera, sobre la lucha armada en Argentina (Finalista del Premio Born); Piel de rinoceronte, escrita junto a Alberto Conejero y Julio Salvatierra, centrada en la decisión personal y política de migrar (estrenada en el Festival Thas Arts de Marruecos, 2008); El duelo, estrenada en la Muestra de las Autonomías del Círculo de Bellas Artes; y La alambrada, (accésit del XVI Premio SGAE, estrenada en el Teatro Beckett de Buenos Aires y presentada en el XXIII Festival Iberoamericano de Cádiz).

Desde el año 2007 colabora como dramaturgo y director en procesos colectivos con actrices no profesionales y grupos políticos, donde ahonda en la relación entre la biografía y lo político. Colabora a su vez con grupos indígenas mayas mam de resistencia contra la Mina Marlin (de la minera canadiense Goldcorp), con la Red de mujeres mayas ixiles y con el grupo de jóvenes teatreros de la comunidad kaqchikel de Santa María de Jesús (Guatemala).

BEA FERNÁNDEZ / "Tres personas, todos los cuerpos"


FESTIVAL BAD 2011
Viernes 28 de Octubre a las 19:00h / DANZA

BEA FERNÁNDEZ / Barcelona
"Tres personas, todos los cuerpos"

El proyecto que presenta Bea Fernández surge de un interés por compartir su experiencia como intérprete con otros intérpretes, de un interés en profundizar sobre ciertos temas, que a la hora de hablar de la creación, quedan en un segundo lugar o en una capa oculta. El proyecto contiene dos vías de comunicación y exploración que se presentan paralelamente: la pieza escénica (Tres personas, todos los cuerpos) y la instalación (Los que se ven entre sí).

Tres personas somos Monse Penela, Mauricio González y Bea Fernández, más todos los cuerpos que hemos revisado del pasado para versionarlos en el presente desde diferentes perspectivas.
Somos muchos cuerpos, tantos como hemos bailado.
Somos trocitos y cuerpos de otros, somos los restos de esos cuerpos que se nos han quedado pegados y sus versiones futuras, su memoria transformada.

LA MEMORIA DEL CUERPO DEL BAILARÍN
La pieza se construye en la suma de tres intervenciones solitarias sobre la base de la memoria del cuerpo del bailarín como archivo vivo de datos y recuerdos transitados a lo largo de su trayectoria profesional, y la identificación de cada uno con esas materias desde el presente. Creamos un mosaico de restos de cuerpos del pasado, un espacio de tiempo real donde se insertan los espacios de memoria, cuerpos vividos en otras piezas pasadas o restos de trabajos que nunca se enseñaron.

Idea y dirección: Bea Fernández
Creación e interpretación: Bea Fernández, Mauricio González, Montse Penela
Iluminación: Jeroen Smits
Producción ejecutiva: Paloma Gueilburt
Una producción de: Las Santas

Proyecto subvencionado por: EADC, Generalitat de Catalunya; ICUB, Ajuntament de Barcelona. Producido por Las Santas y La Porta - Espacios cómodos 2009 (Barcelona).
Coproducido por: Programa de residencias DAT / ETC (Las Palmas)
Con la colaboración de: La Caldera, Cel•lula Pontós, L'animal a l'esquena, l'Estruch de l'Ajuntament de Sabadell,
Las Fernández, Institut Ramon Llull y Canarias CREA.

BEA FERNÁNDEZ / "Los que se ven entre sí"


FESTIVAL BAD 2011Jueves 27 de Octubre a las 17:00h./ VÍDEO DOCUMENTAL
ENTRADA LIEBRE
BEA FERNÁNDEZ / Barcelona
"Los que se ven entre sí"
A partir de las conversaciones con 16 intérpretes de diferentes ámbitos de la creación actual, se ha producido un documento que relaciona estas diferentes perspectivas sobre la figura del intérprete (sobre su relación con la creación, con el autor, sobre el significado actual de las huellas que quedan de los diferentes trabajos y la utilización de éstas y otras influencias, sobre su relación con la escena y con el público). Un documento que puede acercarnos a través de un recorrido a esa otra mirada (más interna?), y que recoge diferentes experiencias y cuestiones sobre la creación y el hecho escénico.
Entrevistados: Africa Navarro, Natali Labiano, Carme Torrent, Gema Díaz, Mercè Recacha, Mònica Muntaner, Sílvia Sant Funk, Jordi Casanovas, Norberto Llopis, Mauricio González, Jesús Barranco, Raquel Sánchez, Amalia Fernández, Lola Giménez, Monse Penela, Sofía Asencio.
Idea y dirección: Bea FernándezCámara edición: Elena AlbertRealización: Bea Fernández y Elena AlbertProducción ejecutiva: Paloma GueilburtUna producción de: Las Santas
Apoyos a la creación y residencias: El Hueco, Encuentros en Magalia, Cèl•lula Pontós, La Porta - espacio cómodo'08

ROBERTO MARTINEZ -"Endless noise"


FESTIVAL BAD 2011
RESIDENCIA de Bilboeszena / ENTRADA LIBRE
Miercoles 26 a las19:00h / DANZA

ROBERTO MARTINEZ - La Rioja
"Endless noise" (título provisional)

Un Proyecto en Proceso, de Roberto Martínez, codirigido junto aAbraham Hurtado, con música en directo de Pablo Peña y vestuario / decorado de Alberto "sinpatron".

Con este trabajo exploramos el estado físico que se genera a través de acciones continuas, buscando el límite del impulso que ha producido la propia accion. Esta experiencia nos coloca en un punto en el que nos dejamos llevar por un viaje a paisajes ficticios donde el acto litúrgico se convierte en algo cotidiano, ofreciéndonos la posibilidad de poder acercarnos a la persona que hay detrás de la acción.
La excitación, Kandinsky escritor, el folklore, el aquí y el ahora, la extenuación o Blade Runner fueron algunos de los primeros motores de investigación de este ejercicio de percepción, deconstrucción y reflexion sobre el significado de "estar presente" donde el movimiento y la música actúan como nuevos motores para propulsar el viaje.

Cía. Camerino 4 "Ánima"




Programa: II CIRCUITO IBEROAMERICANO DE LA RED DE TEATROS ALTERNATIVOS
Sábado 15 de Octubre a las 20:00h.
Domingo 16 de Octubre a las 19:00h / DANZA

Cía. CAMERINO 4 / Méjico
“Ánima”

El alma es una dimensión del cuerpo.
ANIMA es una reflexión coreográfica física y teórica acerca del alma. En cada presentación recibe nuevas ideas acerca de ella, dado que diferentes grupos de personas estarán participando en un CHAT en línea que se proyecta durante la función.
Por eso es una pieza donde intervienen intérpretes reales e intérpretes virtuales. Los personajes virtuales que participan del chat van cambiando en cada función, proceden de diferentes disciplinas creando enfoques muy diversos en torno al alma que van alimentando la obra, presentación tras presentación.
A nivel coreográfico, la pieza narra el encuentro de un hombre con su parte femenina y su parte masculina generando así un estado donde conecta con su alma.

Dirección y Coreografía: Magdalena Brezzo
Intérpretes: Flor Garfias, Francisco Córdova, Tlathui Maza*
Coordinadora del chat: Haydé Lachino
Diseño sonoro: Eduardo Flores
Diseño de iluminación: Magdalena Brezzo
Diseño de vestuario: C4
Entrenamiento: Beto Pérez
Producción: C4 y Coordinación Nacional de Danza, INBA.
Manager: Tristana Silvart
Dirección de la Compañía C4: Magdalena Brezzo

* Becario FONCA Programa Creadores Escénicos Emisión 2010 - 2011

Festejando sus 10 años de trayectoria, Camerino 4 logra ocupar una posición destacada dentro de la danza contemporánea en México. Desde el 2007, la compañía comienza a proyectarse internacionalmente siendo invitada entre otros, al Sziget Festival (Hungría), a la Bienal de Danza del Caribe (Cuba), al Festival Cádiz en Danza (España), al Fórum Internacional de Dança de Sao Paulo (Brasil) y al Chase Latino Festival (Nueva York), donde le comisionan la obra "Acrílico".

Hasta la fecha ha recibido en cuatro ocasiones y con diferentes obras el Premio Nacional de Danza INBA-UAM, el premio a la composición coreográfica más destacado del país, obteniéndolo la última vez en noviembre 2009 con la obra Lola. Sus ejecutantes también se adjudicaron diversos premios y reconocimientos.
A pesar de ser una compañía independiente, durante toda su trayectoria ha sido apoyada por instituciones y organismos gubernamentales para nuevas producciones y con becas económicas para sus integrantes.

PROGRAMA DE TEATRO AMATEUR



Teatro aficionado con esencia de mujer
Programa de Teatro AMATEUR

Creaciones en femenino, basadas en el bagaje de experiencias que habita en los cuerpos, en la
voz y en la palabra de mujeres adultas…. Ellas, pilar silencioso de la sociedad que hacen teatro
para saber de qué se compone la mágia.

Sábado 1 de Octubre a las 20:00 h
Cía de teatro LUNA LLENA / Bilbao
“Habéis visto mi grito”

Domingo 2 de Octubre a las 19:00 h
Cía de teatro HEZGAITZ / Getxo
“Exiliadas”

Sábado 8 de Octubre a las 20:00h.
TOTUM Teatro
"De 16:00... a 18:00h."

Domingo 9 de Octubre a las 19:00h.
Compañía de Teatro BURBUJAS
“Nunca nos regalaron flores”

PROGRAMA- OCTUBRE-NOVIEMBRE-DICIEMBRE 2011


Octubre 1 a las 20:00h.
Programa:Teatro Amateur
LUNA LLENA / BILBAO
Octubre 2 a las 19:00h.
Programa: TEATRO AMATEUR
HEGAITZ / GETXO
Octubre 8 a las 20:00h.
Programa: TEATRO AMATEUR
TOTUM TEATRO / BILBAO
Octubre 9 a las 19:00h.
Programa: TEATRO AMATEUR
BURBUJAS TEATRO / BILBAO
Octubre 15 las 20:00h. / 16 a las 19:00h.
DANZA
CAMERINO 4 / MÉJICO
Octubre 26 a las 19:00h. Entrada libre
BAD. Bilbao Antzerkia Dantza
ROBERTO MARTÍNEZ / LA RIOJA
Octubre 27 a las 17:00h. Entrada libre
BAD. Bilbao Antzerkia Dantza
BEA FERNÁNDEZ / BARCELONA
Octubre 28 a las 19:00h.
BAD. Bilbao Antzerkia Dantza
BEA FERNÁNDEZ / BARCELONA
Octubre 29 / 30 a las 19:00h.
BAD. Bilbao Antzerkia Dantza
MARCO CANALE / GUATEMALA
Octubre 31 + Noviembre 1 a las 19:00h.
BAD. Bilbao Antzerkia Dantza
HENRIK KAALUND / COPENHAGUE-BERLÍN
Noviembre 3 a las 19:00h.
BAD. Bilbao Antzerkia Dantza
LEIRE ITUARTE / BILBAO
Noviembre 5 / 6 a las 19:00h.
BAD. Bilbao Antzerkia Dantza
ARCADI ZAIDES / ISRAEL
Noviembre 11 / 12 a las 19:00h. / 13 a las 20:00h.
DANZA-TEATRO
IKER GÓMEZ / BARCELONA
Noviembre 17 las 19:00h. / ENTRADA LIBRE
TEATRO-CONFERENCIA
CHÉVERE / SANTIAGO DE COMPOSTELA
Noviembre 18 / 19 / a las 19:00h. / 20 a las 18:00h.
TEATRO
CHÉVERE / SANTIAGO DE COMPOSTELA
Noviembre 25 / 26 a las 20:00h. / 27 a las 19:00h.
DANZA-TEATRO
AGRUPACIÓN SEÑOR SERRANO / BARCELONA
Diciembre 10 a las 20:00h. / 11 a las 19:00h.
DANZA
GRÁFICA GÉNESIS / COSTA RICA
Diciembre 16 / 17 a las 20:00h. / 18 a las 19:00h.
Teatro Familiar
ONIRICA MECÁNICA / MURCIA




EL LABORATOIRE DE RECHERCHE CHORÉGRAPHIQUE SANS FRONTIÈRES DE MALANDAIN BALLET BIARRITZ Y LA FUNDICIÓN DE BILBAO PRESENTAN :

CONVOCATORIA

REGARDS CROISÉS / MIRADAS CRUZADAS / BEGIRADA GURUTZATUAK

Desde 2007, y con el apoyo del Fondo Interreg IV A, el Centre Chorégraphique National Malandain Ballet Biarritz y el Teatro Victoria Eugenia de Donostia-San Sebastián desarrollan actividades en torno a la danza entre Biarritz y San Sebastián. En 2011, oficializan su colaboración con la firma de un convenio entre las ciudades Biarritz-San Sebastián dando lugar así al primer Centre Chorégraphique Transfrontalier d'Europe : Ballet T.

En el marco de este nuevo proyecto, el Centre Chorégraphique Transfrontalier Ballet T, quiere favorecer el arte de la coreografía y saliendo de Biarritz, extender el ámbito de acción en el Pais Vasco.

Por iniciativa del Institut Français de Bilbao se pone en marcha una colaboración con la Fundición para la presentación de dos compañías, que tras convocatoria abierta, serán propuestas por el C.C.T-Ballet T. y La Fundición.

El proyecto consiste en la organización de una presentación global de sus trabajos, con ensayos abiertos, talleres y espectáculos. Los talleres serán organizados por Le Laboratoire Chorégraphique Sans Frontières, dirigido por Gaël Domenger y se dirigirán a un público de amateurs, de pre-profesionales y de profesionales de todos los horizontes artisticos.

PLANNING DE LAS INTERVENCIONES E INFORMACIONES PRÁCTICAS
13 enero 2012 / 19h / Estudio de la Gare du Midi de Biarritz

Ensayo abierto. Presentación de un extracto de la pieza de cada compañía (30 minutos por compañía). Conversación con el público. Taller o encuentro con los componentes del Laboratoire Chorégraphique Sans Frontières y con su responsable Gaël Domenger.

Sabado 14 enero 2012 / 20h / Théâtre du Colisée de BiarritzEspectáculo de la primera compañía
Domindo 15 enero 2012 / 20h/ Théâtre du Colisée de BiarritzEspectáculo de la segunda compañía

- « Regards Croisés » cubre los gastos de cada compañía hasta un máximo de 2.500 € (dependiendo del nº de personas) + el alojamiento

- Envío de propuestas hasta el 3 de septiembre a:
La Fundición
info@lafindicion.org

El proyecto « Regards croisés » será la ocasión de crear una nueva dinámica, en el marco del Centre Chorégraphique Transfrontalier / Ballet T, entre Biarritz y Bilbao pasando por San Sebastián, para encontrarse con nuevos públicos e intercambiar prácticas de danza.