Un Teatro para la ciudad. Disfruta y comparte la creación contemporánea en Bilbao. Bilboko kreazio garaikiedeak disfrutatzeko eta iritzia emateko. Teléfono: 944 753 327 Fax: 944 759 115 Dirección: Francesc Macià 1-3 48014 Bilbao http://www.lafundicion.org/

Entradas 10€ / Todos los actos comienzan a las 20:00h. excepto domingos 19h. Reservas y venta de entradas: En cajeros Internet en la pg. de La Fundición o en taquillas el día del espectáculo. Reservas en taquilla Tf. 994 753 327 hasta las 1/2 hora antes del comienzo. No se permite la entrada una vez comenzada la representación.


18 - 19 de Diciembre /LEIRE ITUARTE - MATXALEN BILBAO - PILAR ANDRÉS

Programa compartido
LEIRE ITUARTE - MATXALEN BILBAO - PILAR ANDRÉS
"Mazing” (25’)

LEIRE ITUARTE
”Look at me, Bang Bang” (30´)

La Fundición puso en marcha un proyecto internacional que llevó a Buenos Aires a Leire Ituarte, Matxalen Bilbao y Pilar Andrés el pasado mes de Noviembre para presentar una pieza que desarrollaron en Residencia de Creación aquí en La Fundición.

“Mazing” era parte del Proyecto Cuerpo y Ciudad (Performance en espacio público) dirigido por Adriana Barenstein, en el Edificio San Telmo del CCEBA (Centro Cultural Español en Buenos Aires).


"Mazing” (25’)

…cuerpos que se encuentran, se cruzan y no se miran, cuerpos que recorren, cuerpos que convergen en infinitos puntos de mira, cuerpos que se abandonan, cuerpos de carne, cuerpos (re) productivos, cuerpos a la deriva en un laberinto de piedra…
…ciudad, cuerpo sin vísceras, cristal, acero, colmena, caleidoscopio, horizonte, utopía…de paisajes emocionales y huellas temporales del mapa urbano…
LEIRE ITUARTE
”Look at me, Bang Bang” (30´)

Look at me, Bang Bang propone un recorrido visual que ironiza sobre la reproducción del cuerpo femenino y la imagen de la mujer en la cultura visual contemporánea. Una mirada pop que, desde el otro lado del espejo, investiga la dialéctica entre lo bello y lo siniestro como imaginario subliminal de las imágenes y estereotipos de la mujer y de lo femenino en la cultura de masas. Todo ello, con el propósito de interpelar y socavar la tradicional ecuación que equipara a la condición femenina con la imagen fetichista –icono, enigma, simulacro, mascarada, identidad especular, cuerpo bidimensional, sede de la mirada masculina- sometida a la eterna dualidad entre lo erótico y lo abyecto femenino.

Creación & Interpretación: Leire Ituarte
Concepción visual & Diseño de Imagen: Leire Ituarte, Sibophot
Fotografía & Montaje Visual: Sibophot
Iluminación: Ricardo Cerezo, Gabo Punzo
Vestuario: Kataklismo
Maquillaje & Peluquería: Olaia Bermudez
Escenografía: Leire Ituarte
Música: Damon Albarn, Propellerheads, Shirley Bassey
Efectos de Sonido: Aritz Cestona
Arreglos de Sonido: Sibophot
Vídeo promocional: Víctor González

Colaboran: La Fundición, Bilboeszena, Departamento de Cultura del Gobierno Vasco
Esta creación ha participado en el programa de Residencias Artísticas de la Fundición-Bilbao

11-12 de Diciembre / SASÂ ASENTÍC




Programa ARTEA / UPV-EHU

SASÂ ASENTÍC / Serbia / Estreno en el Estado
"My private biopolitics"
Sasâ Asentíc

ARTEA (Investigación y creación Escénica, www.arte-a.org) propone a la Universidad del País Vasco (UPV-EHU) la organización de una experiencia en tres partes: 1- Conferencia de Ana Vujanovi´c, 2- Performance "My private biopolitics", del artista serbio Saša Asentiæ y la teórica Ana Vujanoviæ, 3- Taller, con Saša Asentiæ y Ana Vujanoviæ. Bajo conceptos como bio-política y bio-poder, Asentiæ y Vujanoviæ articulan sus preguntas sobre la fundación de la danza contemporánea en los países del Este europeo y su relación con la transición política del comunismo a la democracia.

La performance My private biopolitics de Saša Asentíc (2007) se concibió desde el principio como una investigación abierta en el ámbito de la danza-performance en el contexto del periodo de transición del Este Europeo. Surge de un proyecto de investigación teórico-práctico llamado Indigo Dance en el que participaron varias personas (el propio Saša Asentiæ, la bailarina y coreógrafa Olivera Kovaèeviæ - Crnjanski, la teórica y dramaturga Ana Vujanoviæ entre otros) y que se desarrolló en diferentes formatos: además de la performance escénica existe también una presentación en CD llamada Bal-Can-Can Susie Dance y la instalación de archivo-vídeo histórico Tiger's Leap into the Past y Recycle Bin.

Autor e intérprete: Saša Asentíc
Asistente: Olivera Kovaèeviæ-Crnjanski
Soporte teórico y dramaturgia: Ana Vujanoviæ

Apoyos: ha tenido una coproducción del Centro Nacional de la danza de París, Apoyo de investigación en Residencia (Theorem Dance residencies), y ha sido creada gracias a la preparación de dramaturgias interdisciplinares de THe FaMa en Belgrado (Serbia) y Dubrovnik (Croacia). La performance está apoyada por DanceWEB (con el soporte del Cultural Programme 2000 of the European Union en el marco de danceWEB Europe).

26/27/28 de Noviembr /MARINA WEINER


PROGRAMA RED DE TEATROS ALTERNATIVOS

MARINA WEINER / Madrid
“El Cuerpo Deshabitado
Marina Weiner


"Disección del estupor, autopsia de una tetera o anatomía de la confusión;“
en todo caso,.
fragmentos rotos de un puzzle que, de resolverse, tampoco contestaría nada.…
La historia se ha roto.
El loco cuerdo vuelve loco al sano y lo que desespera es la ausencia de motivo.
Cuando se vive en el horror, toda esperanza figurativa se desvanece.
Toda certeza cae, el suelo mismo cae.
Y al final de la caída, espera el falso fondo de las chisteras de los timadores…

Interpretes: Daniel Abreu, Laura González, Josë Luis Mosquera, David Picazo
Texto y dirección: Marina Wainer
Ayudante de dirección: Mar Pina Molina
Edición de sonido: José Gómez
Técnica de luces: Paloma Parra

(Rutas de búsqueda / Forma y fondo: El texto no ilustrará el movimiento, ni siquiera se mezclará con él, desde otro plano sin tocarse, -Lo que se piensa no se dramatiza nunca / Se pueden crear analogías pero no ilustrar. Y las analogías serán sobre algo que ya fue dicho hace mucho tiempo o que se dirá más tarde La acción no corresponde a la palabra ni la palabra a la acción.(lo siento Hamlet) / Doble vínculo--Desde las espaldas del público sin dar la cara? Desde un cuerpo que tampoco es el que habla? aunque mueva, de vez en cuando , los labios? /El texto se escucha pero no se ve al que lo piensa / Cambios de referencia de la voz -no sale desde el mismo sitio siempre, cambia el ángulo / O se escucha al que no habla / O habla el que no se ve / La boca que no habla /sobre la espalda las frases
Narrador en off falso /falso directo y falso off (la voz desde las espaldas del público/ una voz que no tiene cuerpo, ilocalizable pero presente. Una voz que cambia de lugar siempre desde la oscuridad (Sin dar la cara) / La manera de decir debiera ser lo más parecido a la voz interna de un lector )


20 – 21 de Noviembre /FILA 13 - LINA CRUZ / Canadá



FILA 13 - LINA CRUZ / Canadá
“Mindscapes / Soupe du Jour”
Lina Cruz


¿Cómo traducir el titulo de la obra Mindscapes/Soupe du Jour? Se puede decir, sin duda alguna, que se trata una vez más de una obra nacida de una imaginación desenfrenada. La firma coreográfica de Lina Cruz es considerada como extremadamente singular y termina siempre, de una forma o de otra, por estar al margen de las corrientes del momento. ¿Por qué? Porque el trabajo de Lina Cruz no tiene censura estética. El objetivo es crear libremente paisajes imaginarios alrededor del elemento "danza". Se puede decir entonces que la coreógrafa trabaja con gran libertad, mezclando estilos diversos y elementos teatrales. A las formas hiper estilizadas se junta una ambigüedad a nivel del gesto y de la estética del conjunto, creando personajes extraños e imágenes sutilmente jocosas y, al mismo tiempo, perturbadoras. Otro aspecto importante de esta obra es la integración de un músico al concepto global y la participación de los bailarines en la música. El resultado es un trabajo vivaz, cautivador y de gran originalidad.

Dirección artística y coreografía: Lina Cruz
Música/ composición e interpretación en escena: Philippe Noireaut
Bailarines, intérpretes: Elinor Fueter, Catherine Larocque, William Yong, Loïc Stafford,Soula Trougakos
Vestuario y accesorios: Lina Cruz Iluminación: Hugo Valencia y Lina Cruz
Director técnico de la compañía: Hugo Valencia
Fotografía: Cécé

Otras músicas en el espectáculo: citación del Agnus Dei del Réquiem (op 48) de Gabriel Fauré; citación del segundo movimiento de la sinfonía #7 (op. 92) de Ludwig-Van Beethoven.

Patrocinios, subvenciones, colaboraciones: Lina Cruz y Producciones Fila 13 agradecen el apoyo del Consejo de Artes y Letras de Quebec y también a su Programa de subvención para la circulación hacia el exterior de Quebec, así como al Consejo de Artes de Canadá y al Consejo de Artes de Montreal. Otros agradecimientos:
Siren Dream Factory, Small Mastering Studio, Jimmy Tanaka, Julien Grégoire, Hugo Valencia, Frédéric Salter, Laurent Boutéraon, Ariel Ifergan, Alexandre Frenette, Allen Solomon, Serena Fueter, Luce Botella, Barbara Gruezmacher, Javier Cruz, Denise Camara, Laura Etxebarria y los equipos de La Fundición y del Museo ARTIUM.

13 - 14 Noviembre / EMBER


13 – 14 de Noviembre EMBER - Laura Arís - Jorge Jáuregui
"Impostura"
Laura Arís – Jorge Jáuregui

Las personas necesitamos ficciones para vivir. Inventamos y jugamos a creernos las invenciones de los otros.
Impostura plantea construir una ficción: una persona desaparece en su cuerpo.
Es un intento de descifrar y rescatar la memoria no sólo animal, sino vegetal y mineral que alberga nuestro cuerpo. Inventamos un ritual diseñado para alcanzar este cuerpo primigenio.Un viaje iniciático mediante el cual uno deje de ser uno para convertirse en alguien nuevo y poder trascender nuestro cuerpo social, ese cuerpo inventado y reinventado tantas veces.En definitiva, un viaje hacia lo desconocido, hacia un cuerpo desconocido.

tu cuerpo no es una palabrano miente ni tampoco dice la verdad.(Margaret Atwood)

Dirección: Jorge Jáuregui Allue
Creación & interpretación: Laura Arís Álvarez, Luciana Carlevaro
Música original: Luciana Carlevaro (Nubla), Ander Agudo
Asistencias: Iñaki Azpillaga, Idoia Zabaleta
Diseño de iluminación: Mingo Albir
Diseño de sonido: Ander Agudo
Vestuario: Gimena González Busch
Espacio escénico: EmberProducción: Ember
Colaboran: Malqueridas, Azala, Artium, L’Estruch, La Fundición-Bilbao
Subvenciona: Departamento de Cultura del Gobierno Vasco

PERFORMANCES CUERPO Y CIUDAD

PERFORMANCES CUERPO Y CIUDAD

05/11/2010 19:00 HS. CCEBA SEDE PARANÁ 1159
07/11/2010 19:00 HS. CCEBA SEDE BALCARCE 1150
ORGANIZAN: CCEBA, CUERPO Y CIUDAD y LA FUNDICIÓN (BILBAO)
SEDE PARANÁ 1159
Conferencia-Taller La Fundición (Bilbao) y presentación de las artistas vascas:
Matxalen Bilbao, Pilar Andrés, Leire Ituarte.

CUERPO Y CIUDAD es un proyecto de intervenciones urbanas que convoca a diferentes artistas que con sus miradas y poéticas particulares intervendrán las estaciones de subte y el espacio público de la ciudad de Buenos Aires con un eje temático: el cuerpo en la ciudad. Los objetivos de las acciones son pensar y percibir artísticamente la tensión cuerpo - ciudad; recuperar el sentido, la riqueza y la identidad de los espacios públicos; vibrar, hablar, bailar, ocupar, volver visible, reflexionar acerca del cuerpo en la ciudad como territorio de intersección que se da para el tránsito por la vida de toda una comunidad; ensayar nuevas formas de percepción colectiva.

6 – 7 de Noviembre / Natxo Montero


NATXO MONTERO DANZA / Bilbao
“Carni di prima qualità”
Natxo Montero – Patricia Fuentes
Estreno Absoluto

La piel, la carne, el sonido y el movimiento, distintos elementos que interactúan desplazando la organización binaria entre hombre-mujer y las relaciones jerárquicas que se establecen.

En “Carni di primà qualità” el cuerpo se (des)organiza de otro modo: no hay género, sólo hay choques, roces, contacto, deslizamientos de piel a velocidades e intensidades distintas que generan movimiento y producen el sonido a través del contacto.

“Carni di prima qualità” habla de esos momentos y situaciones deseados y no deseados que nos suceden a todos en la vida.

“Carni di prima qualità” fue galardonada en la XXIII Edición del Certamen Coreográfico de Madrid en 2009 con el segundo premio, con una residencia en el Centro de Creación LA CALDERA –Barcelona y el primer premio según el Jurado CHOREOROAM (grupo de coreógrafos europeos presentes durante todo el Certamen).

Compañía en Residencia de "Creación en La Fundición-Bilbao / Octubre 2010"

Dirección artística: Natxo Montero
Creación e interpretacíon: Patricia Fuentes y Natxo Montero
Iluminación: Natxo Montero_danza
Fotografía: Jesús Vallinas
Producción: Teatro Mutante S.L

Colaboración: Centro Coreográfico La Gomera, Festival B Motion (Italia), Paso a 2, La
Fundición-Bilbao, Programa de Residentes-La Caldera (Bcn).
Proyecto subvencionado por: Departamento de Cultura del Gobierno Vasco
Agradecimientos a: Desi por estar ahí siempre, a la cuadri, Nagore y Quique, y a los
que han confiado en nosotros.

3 – 4 de Noviembre / Cie. FRED BENDONGUÈ / Francia

FESTIVAL B.A.D. ´10
Bilboko XII. Antzerkia eta Dantza Garaikidearen Jaialdia
XII Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao






Cie. FRED BENDONGUÈ / Francia
“Instant”
Fred Bendonguè / Estreno en el Estado

Dúo performance
Un diálogo entre danza y escultura junto con la música de Jimi Hendrix.
Creación para la Biennale de la Danse de Lyon 2010

Fred Bendongué présenta una música, un aire, una atmósfera de época que no se encuentra muy a menudo. Un ambiente que nos deja sentir el poder de elementos como los de una deconstrucción electroacústica en dirección hacia un lugar natural, un viento furioso donde suenan los truenos de cielos rotos.
En una pulsión final de vida, el cuerpo se hace más flexible, más ondulante, más polimorfo, al ritmo del paso del tiempo. Impregnados de esta vibración urbana, los bailarines crean su propio gesto, relajados y contenidos, dulces y explosivos, como si no hubiera un mañana…

Una danza única que recupera aquella leyenda que todavía recubre los muros de nuestros espacios vitales, Jimi Hendrix.


Coreógrafo intérprete: Fred Bendongué
Bailarina intérprete: Patricia Guannel
Concepción y creación de esculture y vestuario: Malika Mihoubi
Creación musical: Laurent Grappe
Diseño de iluminación: Jérôme Tournayre

1 y 2 de Noviembre /PAKO REVUELTAS - ENRIQUETA VEGA - NA GOMES


FESTIVAL B.A.D. '10
Bilboko XII. Antzerkia eta Dantza Garaikidearen Jaialdia
XXII Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao

PAKO REVUELTAS - ENRIQUETA VEGA - NA GOMES / Bilbao
"Calla y come"
Creador invitado: Sergi Faustino

Pieza de teatro que plantea varias preguntas y una sola certeza: Nuestra gran fragilidad.

Ingredientes: Una actriz
Dos actores
1 kilo de Lentejas
Una mesa redonda
Dos kilos de azúcar
Tres kilos de fragilidad
Plumas
Café
Un chubasquero amarillo
Zanahorias
Una guitarra
Tres o cuatro dientes de ajo
Una sala de teatro
Un manojo de puerros
5 kilos de piedras
2 paquetes de Tabaco
Una bola de cristal
Un mariachi
Buen humor
Público
Pan.

Hágase a fuego lento. O no.

En escena: Enriqueta Vega, Na Gomes, Pako Revueltas.
Ojo externo-contaminante:
Sergi Faüstino.

Esta pieza nace a partir del proyecto "Accidentes para la creación 2010" de La Fundición Aretoa, sin la cual no hubiera visto la luz.


Pako Revueltas se forma en la Escuela de teatro de Basauri y comienza a trabajar como actor profesional en 1998. Desarrolla su trabajo de actor en espectáculos de compañías como Hortzmuga, Markeliñe, Pikor o FTI, espectáculos que ganan diferentes premios en el ámbito teatral como el premio MAX (2001), y diversos premios en festivales y ferias como Tárrega, Valladolid o Vilarreal. Además es cofundador el colectivo La Chusma con el que realiza varios espectáculos.
En estas compañías y por su cuenta a dirigido los espectáculos, "Daños Colaterales", "La Oca", "Matraka" (premio mejor espectáculo de la feria de Leioa), "Pressioa", "BURM(U)INA y Mondo Flurss entre otros.
Recientemente toma parte como actor en el largometraje "Ander" (2009) de Roberto Castón que gana numerosos premios internacionales entre los cuales está el premio CICAE de la BERLINALE 2009.

Enriqueta Vega es actriz profesional desde hace más de diez años después de formarse en arte dramático durante cuatro años. Durante estos años ha alternado su participación como actriz en compañías como Pikor, Hortzmuga o la producción EMMA (Howard Zinn) del Teatro Arriaga dirigida por Ramón Barea y la cual es galardonada con el premio Ercilla 2010, con la presencia en sus dos compañías Masmédula y Tearto Teatro, en las cuales crea los espectáculos "Yo tan tan yo", "El feeling es así", "Estoy tan contenta de que hayáis venido" y "Diva Di Palo".
Entre 2009 y 2010 entra en el campo audiovisual trabajando de actor con un personaje fijo durante una temporada en la serie "Goenkale", y como guionista para la serie "Martina" en ETB.

Na Gomes comienza su andadura teatral en 1998 dentro la compañía Fábrica de Teatro Imaginario (FTI), la cual obtiene el Donostia saria en 2004. En ella, desarrolla tanto de actor como de guionista espectáculos como "8 Olivettis Poéticos", "Mis rarezas dirías tú", "Caja XXI Kutxa", "Ritos: gure azken lur zatia", "Kaputen Kanta", "Mundopolski: extragedia y rebelión" o "Aur Revoir Triunfadores".
Paralelamente trabaja en los espectáculos de la compañía Markeliñe "Aló Europa", "DSO" (Premio mejor espectáculo en los festivales de Tárrega, Leioa y Valladolid), "Carbón Club" y "Los domingos no hay piratas" durante seis años.

Sergi Fäustino. Realiza estudios de movimiento y dirección en la "School for New Dance Development" en Amsterdam (Holanda), a la vez que participa en varias producciones que se presentan y giran por el país trabajando con Martin Sonderkamp y Helena Lizari. Su solo "Las putas destrjen el ombre" se estrena allí.
Desde 2003 crea las piezas "Nutritivo", "La historia de Mª Engracia Morales" (que obtiene el galardón al espectáculo mas innovador en la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca), "El Cremaster de los Cojones" (Premi d'arts escèniques Lleida 2004), "f.r.a.n.z.p.e.t.e.r.", "de los condenados" (premio al mejor espectáculo de teatro de la Feria Internacional de Teatro y Danza de Huesca), "Duques de Bergara unplugged" y "Z".

31 de Octubre /RADHOUANE EL MEDDEB


FESTIVAL B.A.D. '10
Bilboko XII. Antzerkia eta Dantza Garaikidearen Jaialdia
XXII Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao

RADHOUANE EL MEDDEB / Túnez - Francia
"Quelqu´un va danser..."
Radhouane El Meddeb

Despúes de haber explorado en mis primeras piezas el cuerpo y la emoción, el deseo de ser en Pour en finir avec MOI; el cuerpo y una espiritualidad encarnada, los secretos de lo desconocido en Hûwà, Ce LUI, quería trabajar en este solo mi relación con el cuerpo y la memoria y la danza en todos sus estados. La investigación para la pieza se ha nutrido con lecturas de Genet, Proust, Pessoa, pinturas de Goya, imágenes de bailarines de Pina Bauch...

La danza siempre ha estado en mi. El deseo siempre ha seguido a la obsesión por bailar. En Quelqu ' un va danser... quiero mostrar apasionadamente mi relación con el cuerpo y la danza, inspirándome en la vida real. Mi relación con la danza, porque es un campo donde todo puede ocurrir a la vez. La emoción no es estática, lo envuelve todo. Todo va a ser narcisista, pero estoy ahí para compartirlo. El objetivo de esta pieza sería llegar a un danza sin fin, enfebrecido, una vertiginosa relación con el movimiento, hasta la desaparición. Porque hago este trabajo para desaparecer.


Concepción, coreografía e interpretación: Radhouane El Meddeb
Colaboración artistica: Mathilde Monnier, Héla Fattoumi Deputy
Texto y narración: Camille de Toledo
Escenografía: Annie Tolleter
Diseño de iluminación: Xavier Lazarini
Sonido: Stephan Gombert
Vestuario: Cidalia Da Costa
Asesora coreográfica: Trisha Bauman
Producción: La Compagnie de soi

Coproducción: Rencontres chorégraphiques internationales de Seine-Saint-Denis / Centre chorégraphique national de Caen/Basse-Normandie -Théâtre de l'Agora, scène nationale d'Evry et de l'Essonne / Centre chorégraphique national de Montpellier Languedoc-Roussillon
Con el apoyo de: Direction régionale des affaires culturelles d'Ile de France -Ministère de la culture et de la communication, de Culturesfrance/ Afrique et Caraïbes en créations and de l'association Beaumarchais.
Residencias de Creación en: Arcal, the Théâtre de l'Agora, scène nationale
d'Evry et de l'Essonne, the Centre chorégraphique national de Montpellier Languedoc-Roussillon and theCentre chorégraphique national de Caen/Basse-Normandie,
Con la colaboración de National centre of the Dance - Pantin (studios).

29 de Octubre /010 RADHOUANE EL MEDDEB


FESTIVAL B.A.D. '10
Bilboko XII. Antzerkia eta Dantza Garaikidearen Jaialdia
XXII Festival de Teatro y Danza Contemporánea de Bilbao

RADHOUANE EL MEDDEB / Túnez-Francia
"Je danse et je vous en donne à bouffer"
Radhouane El Meddeb





PERFORMANCE CULINARIA BAILADA

En mi casa siempre he observado a mi madre y a mis tías mientras cocinan el couscous. Es nuestro plato nacional, que se prepara en todas las ocasiones: bodas, circuncisiones, duelos... Un mismo plato para todos los momentos importantes de la existencia. Siempre con una constante: el amor y la sensualidad que se pone en la preparación se convierten en algo sagrado y solemne, independiente de las circunstancias que provocan el encuentro.
A través de esta pieza estoy de nuevo inmerso en las cosas que amo: bailar y cocinar. Mientras manejo verduras, sémola, carne y especias doy rienda suelta a mi cuerpo para que regrese a la danza.

El titulo de la pieza, tan descriptivo, puede llevaros a imaginar en qué consiste ésta: preparo un couscous y bailo con toda la grandeza, la generosidad y la poesía de estas dos artes. Entre concentrado de tomate, calabacines, zanahorias y canela, un salto, una mirada, una suspensión, una ruptura de dirección. Entre sémola y chassés, el couscous se va haciendo a fuego lento.

"Huele bien, hay canciones, danza y también comida!!"

Cercana a la idea de sinestesia, este ofrecimiento coreográfico evoca todos los sentidos. Sentados por aquí y por allá, los espectadores se sienten rodeados de aromas en el aire. El movimiento del cuerpo sigue el ritmo del lento despliegue de perfumes culinarios. La duración de la pieza viene determinada por el tiempo de cocción. Olores, sabores -algo que no es muy habitual en los espectáculos- crean una gustosa confusión de los sentidos en los invitados. Radouane El Meddeb

Concepción, coreografía e interpretación: Radhouane El Meddeb
Agradecimientos a Marie de Heaulme, Salia Sanou, y al Centre Nacional de la Dance


Reflexions Entorn de la Dansa 2010 / Laura Etxebarria

Para la Revista del Mercat de les Flors
Laura Etxebarria / Directora de La Fundición

Todos somos producto de nuestros antecesores y de lo que ellos generaron. En ese sentido nos sentimos herederos de una tradición. Sería absurdo decir lo contrario. Individualmente y como generación, hemos pasado por diversas lineas académicas, hemos bebido de diversas "escuelas" y en ese sentido nos sentimos herederos. También como generación, hemos participado de los movimientos anti-tradición.

Si, según la pregunta, entendemos modernidad como lo contrapuesto a la tradición, hablamos desde la modernidad. Pero ella misma, entendida como tiempo histórico, ha tenido un desarrollo tan amplio que efectivamente nos conduce a una
tradición dentro de la modernidad, donde todos los creadores han tenido contacto estrecho con sus predecesores, tanto para asumirlos como para romper con sus principios. Así, el terreno de la danza, después de los tiempos renovadores de los Ballets Rusos, el siglo XX ha sido enormemente rico: tras las rupturas que plantearon las vanguardias y los iniciadores de la danza moderna se abrió todo un mundo que tuvo su continuidad con la danza postmoderna y los sesenta, la danza contemporánea y al final del siglo, la nueva danza.…

Ya en el siglo XXI y, dada la evolución social de las últimas décadas y, por tanto, la artística, podríamos mejor situarnos con más definición en la post-postmodernidad, en la desaparición de la homogeneidad y la disolución de los discursos artísticos globales.

Productos de distintas naturalezas originan la necesidad de espacios distintos donde convergen significados nuevos y contra lo establecido. Espacios distintos dan acogida a la gran diversidad de propuestas y es ahí donde se sitúa nuestra programación.

Dadas las características específicas de La Fundición, como espacio para la visibilidad de los proyectos artísticos y como Centro de Recursos para los mismos, podríamos decir que nuestra práctica no está vinculada al legado cultural y la transmisión del mismo, sino a la creación que se genera precisamente en contra de la tradición, o al margen de la misma y desde innumerables puntos de vista, desde una perspectiva líquida …

La fricción entre lo establecido y lo nuevo genera el discurso que se abre y que responde a esa visión fragmentada de la realidad. Y es ahí donde nos situamos.

Por otro lado, hablar de legado nos lleva a pensar dónde acaba la tradición y se abre otro tiempo, porque la dinámica: ruptura- investigación- innovación- absorción- asimilación, se ha convertido en un rasgo de la creación escénica que a veces hace pasar ciertas propuestas con demasiada rapidez de "rupturista" a "legado", que incluso dejaría corta la apreciación de que restos de la tradición de los sesenta, de los setenta, constituyen ahora esa "modernidad" que encontramos en alguna propuestas.

Sólo partiendo del supuesto de que el "legado cultural" condiciona -sea por aproximación, sea por alejamiento- todos los discursos artísticos actuales, podríamos hablar de nuestra práctica como transmisores.

Pero, repetimos, no es la transmisión el objetivo que perseguimos: la programación de La Fundición tiene más que ver con dar viabilidad a la multiplicidad de discursos. Que a su vez van ligados a la transversalidad y a la diversidad de lenguajes, con lo cual, hablar sólo de danza resultaría un poco excluyente o inexacto en este caso. Hablamos mejor de creación contemporánea y de poética de los cuerpos.

Las posibilidades y recursos con los que contamos (los que uno puede imaginar para un espacio de pequeño formato y de iniciativa privada con financiación mixta) nos hacen pensar, además, que la pregunta es más adecuada para dirigirla a instituciones públicas en su misión de "conservador" y "archivo".

Pasando ahora al tema, de la relación con la audiencia, no tanto por hablar de la creación de públicos, podríamos decir que nuestra práctica ha sido la de generar puentes entre la enorme diversidad de poéticas y la mirada de quien comparte ese ritual escénico.

En un campo en el que la seducción es generalmente intelectual, por un lado y, por otro, se realizan búsquedas más cercanas a los dominios de la intuición, y donde además las tecnologías han tomado un gran protagonismo, esa mirada requiere interés, curiosidad, generosidad, pero también ampliación de la información, posibilidades de contraste, de acercamiento al hecho creativo, al proceso, a los propios creadores, de un lugar-momento donde se puede tener acceso a tantos nuevos códigos... tratamos de crear contextos donde cada uno se sienta implicado, habitual, familiar; donde la mirada, que es tan subjetiva como la obra, encuentre vías para una percepción aproximadora.

En este sentido decir también que el acompañamiento a la creación, en sus diversas facetas, es otro de los elementos básicos de nuestro trabajo. Este apartado que parece quedar fuera de la mirada del público, es una herramienta que, en principio parece no tener ninguna vinculación con él, pero que a su vez nos permite establecer las conexiones.
Un ejemplo podrían ser las Residencias para la creación, en las que se establece un acuerdo de intercambio con los creadores: La Fundición aporta espacio de trabajo, infraestructura, espacio de exhibición, y las compañías aportan, clases, ensayos, discusiones sobre procesos… todo ello abierto, en unos casos a profesionales, en otros, al público en general.

Podemos decir que, a lo largo de todos estos años y hasta hoy, nuestra relación con el público ha sido de proximidad y ha tenido que ver con la continuidad de la apuesta por una programación, nacional e internacional, de riesgo. Si "crear es abrir los posibles y la creación depende de una confianza en lo común", hemos compartido con el público coraje, curiosidad, fragilidad, osadía, dudas… y hemos intentado transmitir esa convicción de que bucear en las aguas ajenas a las consignas de mercado produce vértigo y a veces inseguridad, pero por otro lado nos acerca a un universo rico, inquietante y fragmentado como los pixels que componen una imagen que se puede leer desde espacios de libertad individual y colectiva y que como las esporas, va creando mundos para el placer y el conocimiento de aquellos que se atreven a mirar.

PROYECTOS DE INTERCAMBIO INTERNACIONAL


PROYECTOS DE INTERCAMBIO INTERNACIONAL
Cuerpo y Ciudad / Performance en espacio público
http://www.cuerpoyciudad.com.ar


La Fundición pone en marcha un proyecto que lleva a Buenos Aires a Leire Ituarte, Matxalen Bilbao y Pilar Andrés el próximo mes de Noviembre 2010 para presentar una pieza que tras una Residencia de Creación aquí en Bilbao formará parte del proyecto Cuerpo y Ciudad (Performance en espacio público) dirigido por Adriana Barenstein, en el Edificio San Telmo del CCEBA (Centro Cultural Español en Buenos Aires).

Viernes 5 de noviembre, 19:00 hs. - CCEBA Se Parana 1159
Conferencia-Taller
Domingo 7 de noviembre, 19:00 hs. - CCEBA Sede San Telmo
ESTRENO de “Mazing”
ORGANIZA CCEBA, Cuerpo y ciudad, La Fundición, Itaú Cultural

Presentación de las artistas del País Vasco:

LEIRE ITUARTE - MATXALEN BILBAO - PILAR ANDRÉS

"Mazing
…cuerpos que se encuentran, se cruzan y no se miran, cuerpos que recorren, cuerpos que convergen en infinitos puntos de mira, cuerpos que se abandonan, cuerpos de carne, cuerpos (re) productivos, cuerpos a la deriva en un laberinto de piedra…
…ciudad, cuerpo sin vísceras, cristal, acero, colmena, caleidoscopio, horizonte, utopía…de paisajes emocionales y huellas temporales del mapa urbano…

LEIRE ITUARTE PEREZ: Se doctora en Comunicación Audiovisual por la Universidad del País Vasco (2003) –especialidad en Teoría fílmica feminista- donde trabaja como personal docente e investigador. Delicias de la Civilización (2006), su opera prima como creadora, obtuvo el tercer premio en el Certamen internacional de Danza Contemporánea Masdanza11. Su segundo trabajo, Azul en tres Actos (2008), es un tributo posmoderno a la melancolía. “Look at me, Bang Bang” (2009), su última creación, propone una mirada irónica sobre la performatividad del cuerpo femenino y la mirada masculina en las imágenes y estereotipos de la mujer y de lo femenino en la cultura de masas.

MATXALEN BILBAO: Ha trabajado como intérprete para diferentes compañías. A partir del 2003 forma su propia compañía, compaginando las labores de intérprete, coreógrafa y profesora de danza contemporánea. Ocho piezas avalan su trayectoria como creadora. En el 2008 realiza el Master en Artes y Ciencias del Espectáculo en UPV. La base de su trabajo es el movimiento unido a los sonidos y a las imágenes, un trabajo con un claro discurso abstracto. Entiende el cuerpo como una entidad compleja en continuo proceso de transformación y de diálogo con el espacio.
PILAR ANDRÉS CONTRERAS: Se forma en danza clásica y contemporánea. Trabaja como intérprete en compañías del País Vasco, Francia y Canadá, desarrollando lenguajes corporales que abarcan desde propuestas más abstractas, a más teatrales.

Cuerpo y Ciudad
es un proyecto de intervenciones urbanas que convoca a diferentes artistas que con sus miradas y poéticas particulares intervendrán las estaciones de metro y otros espacios públicos de la ciudad de Buenos Aires con un eje temático: el cuerpo en la ciudad.
Los objetivos de las acciones son pensar y percibir artísticamente la tensión cuerpo - ciudad; recuperar el sentido, la riqueza y la identidad de los espacios públicos; vibrar, hablar, bailar, ocupar, volver visible, reflexionar acerca del cuerpo en la ciudad como territorio de intersección que se da para el tránsito por la vida de toda una comunidad; ensayar nuevas formas de percepción colectiva.

Idea, curaduría y dirección general: Adriana Barenstein
Producción artística: Gustavo Crivilone
Coordinación artística: Sergio Pletikosic