Un Teatro para la ciudad. Disfruta y comparte la creación contemporánea en Bilbao. Bilboko kreazio garaikiedeak disfrutatzeko eta iritzia emateko. Teléfono: 944 753 327 Fax: 944 759 115 Dirección: Francesc Macià 1-3 48014 Bilbao http://www.lafundicion.org/

Entradas 10€ / Todos los actos comienzan a las 20:00h. excepto domingos 19h. Reservas y venta de entradas: En cajeros Internet en la pg. de La Fundición o en taquillas el día del espectáculo. Reservas en taquilla Tf. 994 753 327 hasta las 1/2 hora antes del comienzo. No se permite la entrada una vez comenzada la representación.






cómo lo hace? La Fundición Bilbao  www.lafundicion.org

...sobre la relación con la audiencia, podríamos decir que nuestra práctica ha sido la de generar puentes entre la enorme diversidad de poéticas y la mirada de quien comparte ese ritual escénico.

En un campo en el que la seducción es generalmente intelectual, por un lado y, por otro, se realizan búsquedas más cercanas a los dominios de la intuición, y donde además las tecnologías han tomado un gran protagonismo, esa mirada requiere interés, curiosidad, generosidad, pero también ampliación de la información, posibilidades de contraste, de acercamiento al hecho creativo, al proceso, a los propios creadores, requiere un lugar-momento donde se puede tener acceso a tantos nuevos códigos... tratamos de crear contextos donde cada uno se sienta implicado, habitual, familiar; donde la mirada, que es tan subjetiva como la obra, encuentre vías para una percepción aproximadora.
Por otro lado, el acompañamiento a la creación, en sus diversas facetas, es otro de los elementos básicos de nuestro trabajo.
Este apartado que podría quedar fuera de la mirada del público, es una herramienta que, en principio parece no tener ninguna vinculación con él, pero que a su vez nos permite establecer las conexiones.
Un ejemplo, entre otros, podrían ser las Residencias para la creación, en las que se establece un acuerdo de intercambio con los creadores: La Fundición aporta espacio de trabajo, infraestructura, espacio de exhibición, y las compañías aportan, clases, ensayos, discusiones sobre procesos... todo ello abierto, en unos casos a profesionales, en otros, al público en general.

...a lo largo de todos estos años y hasta hoy, nuestra relación con el público ha sido de proximidad y ha tenido que ver con la continuidad de la apuesta por una programación local, nacional e internacional, de riesgo. Si "crear es abrir los posibles y la creación depende de una confianza en lo común", hemos compartido con el público coraje, curiosidad, fragilidad, osadía, dudas… y hemos intentado transmitir esa convicción de que bucear en las aguas ajenas a las consignas de mercado produce vértigo y a veces inseguridad, pero por otro lado nos acerca a un universo rico, inquietante y fragmentado como los pixels que componen una imagen que se puede leer desde espacios de libertad individual y colectiva y que como las esporas, va creando mundos para el placer y el conocimiento de aquellos que se atreven a mirar.

qué hace? La Fundicion Bilbao

qué hace? La Fundicion Bilbao www.lafundicion.org
ESPACIO DE EXHIBICIÓN - AYUDA A LA CREACIÓN - DIFUSIÓN - INTERNACIONALIZACIÓN - SENSIBILIZACIÓN son las palabras claves, la base de la actividad que La Fundición desarrolla través de sus PROGRAMAS:

• Las Temporadas en el Teatro La FuNdiciOn, programación anual, en la línea de difusión y colaboración de/con las Nuevas Tendencias, con programación de compañías locales, nacionales e internacionales, de pequeños formatos.
• Festival DANTZALDIA, que se celebra en los meses de febrero y marzo. El festival tiene sus inicios en el 2000, y una programación de compañías locales, nacionales y especialmente internacionales, que se desarrolla en diferentes espacios de la ciudad, propiciando diferentes acogidas y formatos.
• Festival LEKUZ LEKU, de danza en Espacios Urbanos, se celebra en junio, en verano y en espacios exteriores: es un encuentro con los paseantes y una aproximación a la danza en una dimensión abierta y lúdica.
Los tres son internacionales, y cada uno tiene una especificidad en cuanto a la utilización de diferentes espacios significativos para la presentación así como tomando diferentes tiempos en el propio calendario anual, configurando así una Programación complementaria en formatos y estilos a lo largo del año.

qué es? La FuNdicIOn MIRADAS SINGULARES FRENTE A TENDENCIAS GLOBALES


qué es? La FuNdicIOn  www.lafundicion.org
MIRADAS SINGULARES FRENTE A TENDENCIAS GLOBALES

Desde 1986: es un Espacio de exhibición y dinamización de la creación contemporánea.
Desde 1995: continúa como Espacio de exhibición y comienza a trabajar como Centro de Recursos como nuevo concepto para conseguir la consolidación de la Danza de creación dentro de la CAV, fomentando su desarrollo artístico y material, y la renovación de los lenguajes escénicos, promoviendo la cooperación entre artistas y estructuras.
Desde 2000: Espacio para la exhibición de la Creación Contemporánea en general. Centro de Recursos para la investigación, la creación, la sensibilización y la formación permanente.
Con la constante de trabajar en una dirección interior-exterior: el apoyo a los creadores locales y su visibilidad se combina con la presencia de compa
ñías estatales e internacionales.
Por ser el primer Centro especializado y por su tiempo de permanencia La Fundición ha sido uno de los lugares donde se ha generado actividad de base, acompañamiento continuo, visibilidad y, por consecuencia, la continuidad y la presencia actual, especialmente, de la danza en la Comunidad Autónoma Vasca. Del mismo modo y, por extensión, la Creación Contemporánea, las Nuevas Tendencias, son sus señas de identidad.
A lo largo de los 30 años ha generado comunidad, contenidos artísticos, modelos activos de participación y nuevas formas de producción, un espacio compartido y de relación entre artistas y público. Por su especificidad, La Fundición ha sido vista como prescriptora de programación en los ámbitos profesionales.

10 de diciembre a las 20:00h / 11 de diciembre a las 19:00h / Estreno en Euskadi FLAMENCO CONTEMPORANEO JUAN CARLOS LERIDA / Barcelona ”Al Toque”


10 de diciembre a las 20:00h  /  11 de diciembre a las 19:00h / Estreno en Euskadi
FLAMENCO CONTEMPORANEO
JUAN CARLOS LERIDA / Barcelona
”Al Toque”

Estrenada  en Viena, Juan Carlos Lérida, como director e intérprete  nos presenta “Al Toque” primera parte de la trilogía dedicada a los fundamentos expresivos del flamenco (Toque, Cante y Baile).
“Usando la abstracción y la repetición como herramientas de creación, el bailador y coreógrafo Juan Carlos Lerida se acerca a la base del toque utilizando como referencias los standares musicales de la guitarra flamenca. El no solo descuartiza (fracciona? descompone?) el baile en sus elementos, sino la guitarra misma también, para avanzar al origen del movimiento y el toque.
Cuatro cuadros forman el marco de esta obra, en los que Juan Carlos Lérida muestra hábitos, modos y costumbres como pequeños signos que ayudan a descubrir lo incógnito. Un cuadro como un instante de la vida”…
JULIA PETSCHINKA


Dirección e interpretación: Juan Carlos Lérida
Asistente de dirección: David Montero
Guitarrista: Raúl Cantizano 
Escenografía: Antonio Godoy
Iluminación: Marc Lleixa
Producción: Danilo Pioli / Dancebox.es
Fotografías: Jose Palomo, Gregory Morricet


JUAN CARLOS LERIDA
Bailarín, Coreógrafo y Pedagogo del flamenco, es licenciado en coreografía y técnicas de interpretación. Premio extraordinario 2007 del Institut del Teatre de Barcelona. Doctorando en Estudios Avanzados de Flamenco: Un análisis interdisciplinar por la universidad de Sevilla.
Comienza sus estudios de danza y flamenco a los 3 años de edad en Sevilla. Amplia su formación con estudios de Arte Dramático, Danza Contemporánea en el C.A.T (Sevilla) y Danza-Teatro e Improvisación en Barcelona con Mercedes Boronat. En Cataluña crea sus primeras obras coreográficas con su propia compañía de danza 2D1, que son galardonadas en certámenes coreográficos nacionales. Desde el año 2002 es profesor de Flamenco, Danza Contemporánea y Composición en el Institut del Teatre de Barcelona, así como en distintos puntos de Europa donde es invitado a impartir talleres de improvisación y composición de flamenco. Es invitado a Japón por la directora Yoko Komatsubara como intérprete y coreógrafo en el Teatro Nacional de Tokio. Codirige, interpreta y coreografía junto a Joaquín Cortés la obra “De amor y Odio”. Protagoniza en el 2004 el primer musical flamenco “Los Tarantos ” bajo dirección de Emilio Hernández. Su propia obra coreográfica titulada “El Arte de la Guerra”, se estrena en el Festival de Flamenco de Berlín- 2006. Aclamada por la crítica y el público le hace ser reconocido como uno de los representantes actuales del flamenco de vanguardia. En 2007 y 2008 codirige e interpreta el espectáculo “Souvenir” y “La Voz de su amo” junto a la bailaora Belén Maya. Ya en 2008 participa como coreógrafo dentro de la XV Bienal de Flamenco de Sevilla con las obras: “Pasos para Dos” Cia. Rosario Toledo, “El Tiempo Corre y Deprisa” para la Cia. Marco Vargas y Chlóe Brûle, dentro de su obra “ Ti-Me-Ta-Ble”. Desde 2009 ha sido comisario del ciclo “Flamenco Empírico” del Mercat de les flors – Barcelona. En 2010 dirige la obra “Bailes Alegres para personas Tristes”, de Belén Maya y Olga Pericet , estrenado en el Festival de Flamenco de Jerez. Estrena como director e intérprete  “Al Toque” en Viena (Austria), primera parte de la trilogía dedicada a los fundamentos expresivos del flamenco (Toque, Cante y Baile). Ese mismo año  coreografía e interpreta “Alejandrías. La Mirada Oblicua” en el XVI Bienal de Flamenco de Sevilla. En el año 2011 estrena su nueva obra “El Aprendizaje” junto al director Roberto Romei. En 2014 se desarrolla como Bailarín invitado en “Pisadas” Cia Olga Pericet y  como director coreográfico y escénico de “Laberíntica” Cia Marco Flores y en su unión con el Cante de Niño de Elche y la Guitarra de Raúl Cantizano con el proyecto “ToCaBa”.
Bajo la coproducción de Tanzhaus y la ayuda en residencia de Graner-Mercat de les Flor se estrena en el Festival Flamenco Dusseldorf , “Al Cante”: la segunda parte de la trilogía. A final de 2014 estrena la obra “Bailografía”, un trayecto alrededor de sus biografía coreográfica.  En 2015 comienza por diferentes puntos de Europa y Norteamérica  los diferentes “Acercamientos al Baile“, cuyo estreno está previsto para Octubre de 2016.


DANTZALDIA 2016 www.dantzaldia.org 7 Diciembre 20h./ Sala BBk Aretoa Rocío Molina / Sevilla "Nueva creación"

DANTZALDIA 2016 www.dantzaldia.org 

7 Diciembre  20h./ Sala BBk Aretoa
Rocío Molina / Sevilla 

"Nueva creación"



“Artista asociada a Chaillot – Théâtre National de la Danse / París, la nueva creación de Rocío Molina, recién estrenada en dicho teatro, es un nuevo recital espléndido con su cuerpo como instrumento”

Nada es lo que tiene lugar sin principio, centro o propósito final.
Algo está siempre comenzando y deteniéndose, levantándose y cayéndose.
…algo y nada no están enfrentados entre sí, sino que se necesitan mutuamente para existir.
John Cage. Conferencia sobre Algo-Silencio

El trabajo de Rocío en los últimos años se ha desarrollado en dos direcciones: por un lado, la creación de obras escénicas estructuradas desde su imaginario flamenco, nutrido desde el conocimiento profundo de la tradición, la búsqueda personal de una poética actual y una técnica impecable a la vez que inquieta y experimental. Y por otro lado, un trabajo de investigación basado en la improvisación, como viaje de su cuerpo hacia lo que no conoce, buscar los terrenos inestables y la suspensión en el vacío de lo ignoto; poner su cuerpo ante el riesgo de los límites del flamenco, siempre un territorio seguro para ella.


En esta línea y fruto de las colaboraciones con otros artistas (músicos, coreógrafos o bailarines y artistas plásticos o visuales) surgen los Impulsos; buscando la luz del amanecer del verano de París, o la oscuridad de una discoteca en Nueva York.


Este trabajo de investigación y experimentación que va desde la soledad del laboratorio a las presentaciones públicas, ha producido una riqueza de lenguaje y una inquietud plástica y poética que se debe concretar en este nuevo proyecto que a día de hoy podríamos mencionar como un díptico.


La materia del baile y de la escena de esta Nueva Creación estará relacionada con el silencio y la sonoridad siempre potente del flamenco; la fragilidad al lado de la fuerza del flamenco; la luz dialogando con la oscuridad; la inmensidad que tiende al infinito y el espacio fragmentado que en su caos se vuelve también eterno; La divina comedia de Dante Alighieri o El jardín de la delicias de Hieronymus Bosch (el Bosco). De estas yuxtaposiciones aparentemente opuestas nos encaminamos a la búsqueda del equilibrio siempre inestable, a situarnos en el espacio de la duda como fuente de conocimiento, a la suma de relatos como constitutivos de las historias.

Una nota final
La belleza de la luz y la belleza de las sombras.
El tiempo está regido por la levedad. De esta sensación de inmensidad surge el flamenco redondo y a la vez intenso encarnado en Rocío Molina.

80 minutos

Créditos artísticos:
Un espectáculo de Rocío Molina
Rocío Molina: Coreografía, co-dirección artística
Carlos Marquerie: Puesta en escena, diseño de iluminación, co-dirección artística

Elenco:
Rocío Molina: Baile
Eduardo Trassierra: Guitarra
José Ángel Carmona: Cante
José Manuel Ramos “Oruco”: Compás
Pablo Martín Jones: Percusiones, electrónica
Producción, equipo técnico Compañía Rocío Molina:
Loïc Bastos: Dirección ejecutiva
Magdalena Escoriza: Administración
Antonio Serrano: Dirección técnica, iluminación
Javier Álvarez: Sonido
Reyes Pipio: Regiduría
Una producción de: DANZA MOLINA S. L. / THEATRE NATIONAL DE CHAILLOT (PARIS)
© Foto: Pablo Guidali

3 de diciembre a las 20:00h 4 de diciembre a las 19:00h TEATRO / Estreno en Euskadi CAMBALEO TEATRO / Aranjuez (Madrid) ”Deriva naufragio apáñatelas” De Carlos Sarrió

3 de diciembre a las 20:00h 4 de diciembre a las 19:00h  TEATRO / Estreno en Euskadi
CAMBALEO TEATRO / Aranjuez (Madrid)
”Deriva naufragio apáñatelas”
 De Carlos Sarrió

Encuentro escénico de Antonio Sarrió, Carmen Werner y Carlos Sarrió en el que se hablan de algunas cosas sobre la vida y la muerte, en el que se pone en cuestión la palabra encuentro, en el
que se indaga en nuestra propia experiencia y en el que no sabemos si se desvela alguna verdad, lo
que sí sabemos es que cuando se desvela alguna verdad nadie es feliz.

frases
no hay nada para ti
para ti no
frases
lista de espera
tú ya lo sabías
tu pasado
frases
sensibilidad con estos casos
adjuntar estos papeles
frases
que duelen
no tenemos nada para ti
y unos ojos color miel que se inundan
de lágrimas
una lágrima que rueda
por una mejilla brillante
como una aceituna
un nudo enorme en el pecho
la cara de la desesperación nunca es como la
imaginas

2
habían hablado varias veces de buscar alguna verdad en escena, pero ambos sabían, o él pensaba que ambos lo sabían, que no era cierto o no era exactamente verdad nadie busca la verdad la verdad no hace feliz a nadie

3
- Una teoría no es una hipótesis, no es lo mismo.
La teoría de la evolución no es una hipótesis que puede ser o no.
- Entonces está demostrada
- Todo lo demostrada que a día de hoy puede estar la teoría de la evolución

4
El caso es que pensaba que “la raíz del mal” atendía primordialmente a que el mal es un cosa
colectiva y que constaba de dos actores: los que lo hacen y los que miran, o mejor estos últimos
eran los que “miran para otro lado” y deducía que no son tantos los que ejecutan el mal, pero
los que miran para otro lado son legión y no le quedaba más remedio que concluir que la
auténtica raíz del mal residía en estos últimos, en los que son capaces de adaptar su existencia pase
lo que pase a su alrededor.


Autor y dirección: Carlos Sarrió
Interpretes y Creadores: Carlos Sarrió; Carmen Werner; Antonio Sarrió
Técnico: Julio C. García
Espacio - Vestuario: Cambaleo Teatro
Fotografía, Vídeo, Diseñoa de publicidad: David Ruiz
Una producción de Antonio Sarrió para Cambaleo TeatroINAEM, Comunidad de Madrid 

DANTZALDIA 2016 www.dantzaldia.org 26 Noviembre / 19h. Museo Guggenheim Bilbao Museoa B.Dance | Po-Cheng Tsai / Taiwan "Floating flowers" - "Huginn / Muninn" - "Silence Scream" - "Innermost"


DANTZALDIA 2016 www.dantzaldia.org 
26 Noviembre / 19h. Museo Guggenheim Bilbao Museoa
B.Dance | Po-Cheng Tsai /  Taiwan
"Floating flowers" - "Huginn / Muninn" - "Silence Scream" - "Innermost"

Floating Flowers
Floating flowers se inspira en la tradición religiosa del sudeste asiático. Las linternas de agua, conocidas como Loi Kratong, constituyen una de las ceremonias budistas más importantes para el momento de la pérdida de los seres queridos. El significado de hacer flotar las linternas es el de conectar con Dios, ahuyentar la mala suerte y atraer la felicidad. Y además, representa también el respeto por los espíritus del agua. Loi Kratong, decoración flotante, es una fiesta anual en Tailandia y en ciertas zonas de Laos y Burma y con ella se celebran los deseos de las personas y también los recuerdos de los antepasados.

Coreografía: Po-Cheng Tsai
Bailarines: Sheng-Ho Chang y Chiung-Tai Huang
 10 min

Huginn / Muninn 
 En los muebles nórdicos antiguos es tradicional la presencia de dos cuervos apoyados en los hombros del dios Odín. Uno es Huginn, que representa el pensamiento y el otro es Muninn que representa la mente y la memoria. Estos cuervos vuelan sobre el Midgar, que es como se llama su mundo, y traen información a Odín. Cuando todos los dioses se reúnen, Odín medita sobre todo aquello que “pensamiento” y “memoria” le han contado…

Coreografía: Po-Cheng Tsai
Bailarines: Chien-Chih Chang y Sheng-Ho Chang
 10 min

Silence Scream
 Esta pieza es un vuelo sobre los momentos de impavidez. ¿Qué haces cuando te encuentras de frente ante decisiones entre tú mismo, la vida y tu amor?

Coreografía: Po-Cheng Tsai
Bailarines: I-Han Huang y Sheng-Ho Chang
 10 min


Innermost 
La mayor parte de las penas de la vida vienen de los conflictos del pasado y del presente y de sus frutos amargos. Si quieres evitar el sufrimiento tienes que buscar en tu armonía interior. ¿Conoces bien cuál es la voz de tu mente?

Coreografía: Po-Cheng Tsai
Bailarines: Chien-Chih Chang y Sheng-Ho Chang
 20 min

B.DANCE
 B.DANCE es la compañía de danza creada por el artista taiwanés Po-Cheng Tsai en 2014. A lo largo de su trayectoria Tsai percibe cómo muchos bailarines de gran talento abandonan la danza a causa de las limitadas oportunidades de trabajo. B.DANCE es una respuesta a esta situación: una plataforma de creación para reunir bailarines con vistas a una nueva coreografía y para abrir el foco internacional hacia Taiwán.


PO-CHENG TSAI
Director Artístico de B. DANCE / Coreógrafo
El despegue internacional de Po-Cheng Tsai vino de la mano de Floating Flowers, en 2013. La pieza ganó la National Creative Dance Competition en Taiwán. En 2014, Floating Flowers ganó el Audience Award y el First Production Prize en la International Competition for Choreographers en Hannover, y con ello la oportunidad de girar la pieza Floating Flowers con los bailarines de Gauthier Dance. La pieza fue invitada después del 2014 al China Dance Forward, en Hong Kong y en Guangdong, y finalmente en el Lucky Trimmer de Berlín, en 2015.


La nueva pieza de ese año de Po-Cheng, Huginn / Muninn, se presentó y ganó el premio Tanz Luzerner Theater Production Award en Suiza y el Copenhagen International Choreography Competition en Dinamarca; ganó también el Italy Balletto di Siena Production Award y el International Contest of Choreography de Burgos, España. Después, Po-Cheng Tsai fundó su propia compañía B.DANCE en Taiwán.

Tsai también trabaja como coreógrafo invitado en diferentes compañías, incluyendo Cloud Gate 2 y Kaohsiung City Ballet. Y, en paralelo, se dedica a la educación para la danza y la coreografía en la Tsoying Senior High School y en el Taipei Physical Education College.

CIRCUITO DE LA RED DE TEATROS ALTERNATIVOS 19 de noviembre a las 20:00h 20 de noviembre a las 20:00h TEATRO Estreno en Euskadi VOADORA/ Santiago de Compostela ”Calypso”

CIRCUITO DE LA RED DE TEATROS ALTERNATIVOS
19 de noviembre a las 20:00h  20 de noviembre a las 20:00h TEATRO Estreno en Euskadi
VOADORA/ Santiago de Compostela
”Calypso”

Escucha, cariño mío... este álbum de canciones que he preparado para que bailes conmigo aquí, en el reino de la vergüenza.
Porque la mejor manera de ocultar un lamparón en la camisa es bailar... mover todo el cuerpo para evitar el poso de la mirada, perdiendo el miedo a perder.
Porque la mejor manera de disimular un error es repetirlo... y convertirlo en método. Hacer que parezca una costumbre.
Ven conmigo a bailar el Calypso, el más ridículo de los bailes, bajando el listón a cada paso para pasar siempre por el aro... para colar. Borrachos de atrevimiento.
¡Hop!

CALYPSO
Duración: 60’
Elenco: José Díaz, Marta Pazos, Hugo Torres
Dirección: Marta Pazos 
Texto: Fernando Epelde 
Traducción galeg: Carlos Losada 
Traducicón inglés Cristina Río 
 Iluminación: Rui Monteiro 
Escenografía: José Capela 
Edición de impresiones: Antonio MV 
Máscaras César Lombera 
Música original: José Díaz y Hugo Torres 
Voz en off: Joyce Phillips 
Grabación voz: James Phillips

Estilismo: Fany Bello 
Sastras Ana Piñeiro y Cloti Vaello Jefe Técnico: Iván Casal 
Diseño de imagen: Jose Díaz
Asistente dirección: Gisela Matos 
Ayudante de produción:Hugo Torres
Produción: Jose Díaz

Un espectáculo VOADORA en coprodución co Concello de Rianxo, co apoio de AGADIC, con la colaboracón da Universidade de Santiago de Compostela, Restaurante La Flor e Pousadas de Compostela.
Obras referenciadas: Robert Venturi, “Cat on hot tin roof” Richard Brooks, “Everybody loves Lucy”, “The artist is present” Marina Abramovic, “Hey girl” Romeo Castelucci, “The mising link show”, Pictoplasma & Dan Deacon.
Espectáculo creado en residencia artística na Sala Roberto Vidal Bolaño e no Auditorio de Rianxo entre xuño e outubro do 2015.

Luces distinto, ¿te has hecho algo en el pelo? No recordaba esa parte de esta canción... ¿es una versión? La pata de la mesa ya no calza como antes, la puerta no cierra...
Botes de crema que no se terminan nunca, objetos que cambian de lugar misteriosamente... la realidad no es la misma cada mañana.
Heisenberg pregunta si existe el mundo cuando no lo miramos y Einstein responde que él prefiere pensar que la luna sigue allí aún cuando no le hacemos caso... pero en el medio de los dos, los protagonistas de CALYPSO: R, G y B hacen su trabajo.
Ellos son los responsables de que, cada mañana, cuando te despiertes, todo esté en tu justo lugar, tal y como tú lo dejaste anoche. Aunque, claro... como dice Billy Wilder: “Nadie es perfecto”.
La cuántica está muy bien, pero... dime, ¿Cómo nos afecta todo esto a ti y a mí ahora que parece que lo nuestro se acaba? ¿Ahora que, en verdad, todo se acaba? Y, sobre todo... ¿Cómo le afecta todo esto a nuestro perro?
Calypso es una despedida afectuosa a un sistema que se derrumba y un saludo curioso a un nuevo orden aun por descubrir.

CIRCUITO DE LA RED DE TEATROS ALTERNATIVOS 12 de noviembre a las 20:00h 13 de noviembre a las 20:00h DANZA / Estreno en Euskadi BELEN MAYA/ Sevilla ”Romnia”



Romnia es una nueva búsqueda, un nuevo interrogante en torno a dos dimensiones de mi ser: mi gitanidad y mi feminidad. Romnia son voces de mujeres gitanas no flamencas pero rebosantes de jondura. Mi cuerpo quiere dar vida a esos sonidos negros que llegan de Oriente cargados de penas amasadas por miles de desplazados a lo largo de nuestra historia.
Belén Maya.

Romnia
En esta nueva propuesta de Belén Maya, como en los versos de Juan Ramón Jiménez, las alas de la artista arraigan y sus raíces vuelan…
Romnia, mujeres, en romanó, es una celebración de la gitanidad, sin victimismos, pero con una mirada a veces compasiva, a veces alegre al infortunio de unas mujeres cuyo coraje para sobrevivir le han llevado a un nuevo compromiso ético y estético.
En Romnia está presente la biofilia romaní, las duquelas, el frío histórico, el dolor y la alegría del devenir del Pueblo Gitano a través de las mujeres tantas veces discriminadas doblemente: mujeres gitanas que siguen sufriendo, luchando, cantando y bailando.
Música gitana sin oles: los sonidos de los poderosos metales de las fanfarrias romaníes, de los violines y el cimbalón, sonoridades para unas voces de mujer que cantan su pena y sus sueños providenciales: la atávica voz de oscuro túnel de Liliana Buttler o los ecos húngaros de Mitsoura preñados de emociones que nos llevan a la historia sobresaltada de una Europa en la que las romnia han padecido la esclavitud en Rumania, el Holocausto, las limpiezas étnicas en los Balcanes, la esterilización forzosa. Huidas, exilios y fronteras y los seculares desprecios y las miradas recelosas de casi todos…
Las músicas de los Rom de la Europa del Este, el canto a capella de una vieja gitana o los sonidos electrónicos más actuales llevan a la artista, que no cree que exista un arte de mujeres, a sublimar y universalizar lo étnico y lo femenino en una catarsis transformadora y una experiencia iniciática para este viaje compartido hacia su gitanidad. Un itinerario que comenzó con su participación en la obra Lo real de Israel Galván, aquel grito, - estrenado en el Teatro Real de Madrid en 2012- frente al Samudaripen, el Holocausto olvidado en el que más de medio millón de gitanos murieron víctimas de la barbarie nazi. Después en 2014, su inquietud le llevó a participar en el ciclo Literatura y Gitanidad que programó el Hay Festival of Literature and Arts. Lo que buscó y lo que encontró Belén Maya en esos trabajos, su fascinación por las miradas de cobre de sus antepasados y el misterioso rescoldo de alquimias y fraguas seminales están ahora en las coreografías creadas para Romnia para contarnos –Belén camela naquerar - un remoto pasado en el que como dijo José Heredia Maya “al paso de la bestia / el horizonte se horadaba…”
Belén Maya ha realizado un ejercicio artístico retroprogresivo: sus movimientos –sus raíces y sus alas- van simultáneamente hacia el origen y hacia el futuro. Y es, bailando sola, también paradójicamente más Belén Maya que nunca siendo muchas mujeres a la vez: las romnia que serán y las que han sido, cuyas risas y lamentos ha convertido en movimiento y belleza. Joaquín López Bustamante


Coreografía: Belén Maya
Creación corográfica de Israel Galván para la pieza Asfalt Tango.
Idea original y dirección musical: Joaquín López Bustamante
Dirección escénica: Marilia Samper
Diseño de Iluminación: Ana Yacobi
Diseño de Vestuario: Belén Maya
Realización de Vestuario: Andrés González y Macarena Hernández

Baile – BELÉN MAYA
Técnico en gira: Ana Yacobi / Carmen Mori
Comunicación: Manuel Moraga
Dirección de producción: Guiomar Fernández Troncoso
Coordinación de producción: José Manuel Navarro
Distribución: Pablo Leira
Agradecimientos a Javier Centeno y Maritxell Yanes
Producción de la Compañía Belén Maya
Distribuye Endirecto FT S.L.
Junta de Andalucia- Consejeria de Cultura,  Unión Europea, INAEM 

10 Noviembre / 20h. / Entrada libre LA FUNDICIÓN y el TALLER DE ESPECTADORES

10  Noviembre / 20h. / Entrada libre 
LA  FUNDICIÓN  y el TALLER  DE  ESPECTADORES  
Para  este primer trimestre del año, el Taller de Espectadores, dirigido a personas interesadas en debatir y analizar temas relacionados  con artes escénicas, sigue en la línea de los oficios y para ello tenemos ya preparados nuevos temas, personajes y actividades.

“Taller de espectadores” de creaciones contemporáneas en artes escénicas.
Lo plantea como un club para personas, de todos los horizontes profesionales, interesadas en debatir y analizar temas como: artes escénicas, nuevas tendencias escénicas, nuevas tecnologías, nuevas propuestas en danza y teatro, relación con el público o la programación de La Fundición, además de otros posibles asuntos para la discusión creativa

En las reuniones, se disfrutará también de encuentros con coreógrafos, directores, bailarines, representantes de medios de comunicación, de Talleres de mediación, y expertos en la práctica teatral

Este Taller de espectadores de La Fundición se abre como un espacio para el enriquecimiento personal y la formación técnica de sus participantes como interesados en estas cuestiones artísticas de vanguardia, a través del debate, la exposición, el análisis, el descubrimiento de nuevas formas, el intercambio de opiniones y los encuentros con destacados creadores e intérpretes actuales de las diferentes ramas de las artes escénicas Los debates serán conducidos por David Barbero. En ellos, contaremos, además, con la presencia de críticos y/o periodistas especializados en cultura, creadores y/o compañías, que presenten sus estrenos y procesos y procesos de creación.

5 de noviembre a las 20:00h - 6 de noviembre a las 19:00h DANZA / Estreno en Euskadi ALBERTO CORTÉS/ Málaga ”Yo antes era mejor”


5 de noviembre a las 20:00h -  6 de noviembre a las 19:00h DANZA / Estreno en Euskadi 
ALBERTO CORTÉS/ Málaga
”Yo antes era mejor”
Lo que con la pena se puede lograr, en conjunto, tanto en el hombre como en el animal, es el aumento del temor, la intensificación de la inteligencia, el dominio de las concupiscencias: y así la pena domestica al hombre, pero no lo hace “mejor”. Con mayor derecho sería lícito afirmar incluso lo contrario.
F. Niestzsche, La genealogía de la moral

YO ANTES ERA MEJOR está configurada como un explosivo imposible. Se usan ingredientes de campos diversos y muy alejados entre sí hasta trazar la red creativa que sustenta la historia. Un recorrido donde se abrazan referentes de nuestra cultura popular y grandes figuras de la historia del pensamiento y el arte.


Pieza de flamenco experimental y teatro que reflexiona sobre la naturaleza humana a través del juicio público al artista, su moral y sus miedos.
Un cantaor flamenco toma la palabra, mira el espectador y comienza a hablar sobre el sujeto juzgado. Un recorrido por las experiencias personales de la chica basta para diseccionar su geografía humana más compleja: “Ella antes era mejor, ahora es una rata, mi nuevo iPhone es mejor que ella.” Este es el punto de partida de Yo antes era mejor. A partir de un momento de pérdida tanto personal como profesional donde los cimientos de la identidad se tambalean, nace una reflexión sobre la profesión, el paso del tiempo y la moralidad en el mundo del arte. Desde una posición de constante exposición, el sujeto intérprete se ofrece generosamente para ser juzgado por el sujeto-espectador como parte de su profesión; ponemos en tela de juicio este asentamiento profesional llevando la idea de juicio hasta las últimas consecuencias: este es el punto en el que el intérprete pasa a ser una “rata” acorralada por el juicio, un lugar en el que ha perdido, sin saber cómo, todo lo bueno que poseía. Formalmente la obra se asienta en la experimentación física y sonora del flamenco: dos bailaoras y un músico percusionista exponen el flamenco a la ruptura y a la fusión con otras disciplinas como la danza contemporánea y el teatro gestual. Inventar el flamenco no fue un objetivo sino una necesidad para contar lo que necesitábamos.

Concepto, dirección y dramaturgia: Alberto Cortés
Bailaora /Sujeto A: Mariché López
Bailaora/Sujeto B: María del Mar Suárez
Espacio sonoro: David Ojeda
Interlocutores: Omar Janaan / Alberto Cortés
Coreografía: Mariché López, María del Mar Suárez y Alberto Cortés
Música: David Ojeda
Textos: Omar Janaan y Alberto Cortés
Fotografía y video: 99páginas
Producción: Alberto Cortés / Braverío

DANTZALDIA 2016 www.dantzaldia.org 3 Noviembre / Sala BBK La Veronal / Barcelona "Russia"


DANTZALDIA 2016 www.dantzaldia.org 
3 Noviembre / Sala BBK

La Veronal / Barcelona
"Russia"

Marcos Morau circula entre la tensión lynchiana y el humor de los hermanos Coen, un paraíso surrealista estéticamente perfecto y profundamente inquietante, muy cercano también a las acciones parateatrales de Jan Lauwers.”
Avui – Catalunya

“Nuestras relaciones no se dan porque queramos que se den, porque las deseemos… No se dan porque queramos obtener placer de esas relaciones, sino porque tenemos miedo.”
Andrei Tarkovsky

El lago Baikal, situado en la región sur de Siberia, es el lago más profundo del planeta. Su volumen de aguas es tal que, si lo derramáramos en la superficie terrestre, ésta quedaría cubierta por una capa de veinte centímetros de altura. La imagen poética del lago Baikal sirve como ficción para conducirnos en un viaje que no avanzará linealmente, sino en profundidad, un viaje que llevará a conectar el estado de miedo con una aparente realidad, cercana a la idea geográfica de Rusia.

Russia es la representación geográfica del miedo.

La Veronal fija su atención en el referente cinematográfico de la road movie como punto de partida, lo que convierte a Russia en el relato de un viaje: el viaje hacia el lago Baikal. Mediante imágenes que se desprenden de la idea de Rusia y su descontextualización, la pieza se perderá en el camino entre la abstracción y la narración.

Parafraseando a Truffaut, “las películas avanzan como los trenes en la noche”, y así es como se plantea Russia: incidiendo en el proceso de eliminación de los elementos superfluos para retratar una propuesta despojada, donde todo se intuya, sin renunciar al simple recreo visual de la contemplación escénica.

El fuerte lenguaje de movimiento que La Veronal viene generando utiliza la estimulación y recreaciones de patrones y formas para tejer el movimiento en torno al intérprete.

Dirección: Marcos Morau
Coreografía: Marcos Morau en colaboración con los intérpretes
Dramaturgia y texto: Carmina S. Belda, Pablo Gisbert – El Conde de Torrefiel
Intérpretes: Lorena Nogal, Anna Hierro, Cristina Facco, Cristina Goñi, Inma Asensio, Sau Ching Wong, Manuel Rodríguez y Tanya Beyeler.
Iluminación: Enric Planas
Producción: Juan Manuel Gil Galindo
Música: Tchaikovsky, Stravinsky y música original de North Howling
Fotografía: Edu Pérez, Humberto Pich, Quevieneelcoco, Carles Martorell
Vestuario: Mariana Rocha
Russia es una producción de La Veronal en coproducción con el Mercat de les Flors y el Centre d’Arts Escèniques de Reus
Con la colaboración de El Graner Espai de Creació e Institut del Teatre – Servei de Graduats
La Veronal



Marcos Morau es Premio Nacional de Danza 2013. Además, Marcos Morau ha obtenido el Premio al Mejor Creador del año, otorgado por la revista Time Out, el apreciado premio Sebastià Gasch, otorgado por la fundación FAD de las Artes y el Diseño, y el Premio Butaca 2013.

Con sus creaciones ha conseguido ganar premios en todos los certámenes coreográficos nacionales e internacionales a los que se ha presentado: Certamen Coreográfico Internacional de Hannover, Certamen Coreográfico de Copenhague, Concurso Coreográfico de Madrid, Masdanza / Festival Internacional de Danza de Canarias, Mejor espectáculo en Fira Tàrrega…, así como una mención especial en la Feria Internacional de Danza de Huesca y una representación en la Bienal Internacional de Jóvenes Creadores de Europa.


Marcos Morau y su equipo han empezado a exportar su sello a otras compañías reconocidas internacionalmente: Compañía Nacional de Danza dirigida por José Martínez, Scapino Ballet de Rotterdam, Skånes Dansteater y Norrdans, ambas en Suecia, Ballet de la Generalitat Valenciana, el Royal Danish Theatre y Carte Blanche (Compañía Nacional de Danza de Noruega) entre muchos otros.

La Veronal está presente en algunos de los festivales y teatros más importantes del mundo, con son el Théâtre National de Chaillot de París, la Biennale di Venezia, DanceSalad Festival de Houston, Temporada Alta, Festival Roma Europa, SIDance Festival de Seúl, DansensHus de Estocolmo, JuliDans de Amsterdam, Tanz im August de Berlín y el Sadler’s Wells de Londres.

En 2005 crea La Veronal, colectivo formado por artistas procedentes de la danza, el cine, la literatura y la fotografía. La finalidad de su equipo artístico reside directamente en una constante búsqueda de nuevos soportes expresivos y referencias culturales –cine, literatura y fotografía principalmente– que apuestan por un lenguaje narrativo con la intención de formar espacios artísticos globales. La Veronal está creando una serie de trabajos que toman como punto de partida un país o ciudad del mundo, creando una analogía entre danza y geografía. Las piezas no pretenden constituirse como obras documentales que describan el país de forma directa, sino que se sirven de los elementos que el topónimo proporciona para llevar a cabo el desarrollo de una idea, de un argumento. Este imaginario ha llevado a la compañía a diferenciarse en el mapa de la creación contemporánea internacional como una voz propia.

FESTIVAL B.A.D 2016 29 de octubre - 19:30h DANZA Estreno en Euskadi ACENTRAL FOLQUE / Galicia “Os contos de Joselín”

Os
FESTIVAL B.A.D 2016
29 de octubre - 19:30h DANZA Estreno en Euskadi
ACENTRAL FOLQUE / Galicia
“Os contos de Joselín”


Os contos de Joselín es un espectáculo de aCentral Folque con los contadores Quico Cadaval,
Celso F. Sanmartín y José Luis

Gutiérrez 'Guti'.  José Rodríguez de Vicente, Joselín, es el protagonista de los primeros documentos sonoros del teatro gallego (1929-1954) y de gran popularidad en la radio y discos de Galicia y su emigración.
Tres oradores de renombre recrean en palco los cuentos de Joselín y los asociarán a los suyos propios. Quico Cadaval, director artístico de este espectáculo, en el que también participarán el lalinés Celso Fernández Sanmartín y el zamorano José Luis Gutiérrez 'Guti' que además de contar, canta, como también hacía Joselín con los cantares de ciego. Esta obra se basa en el trabajo de investigación homónima escrita por Laura Tato sobre el personaje que aCentral Folque publicó en el 2014.
aCentral Folque es un proyecto que pivota alrededor de las tradiciones contemporáneas en Galicia. Trabaja con material patrimonial de transmisión oral: músicas y literaturas; contextos y tradiciones; historias y legados para conforman una realidad artística y escénica actualizada que bebe de las fuentes trasmitidas generación tras generación. Editora de libros de personajes de la música popular y oral (colección Chave Mestra), productora de eventos singulares (Descarga ao Vivo Cuba-Galiza) o impulsora de investigaciones especiales y creación.

GUION  y DIRECCIÓN: Quico Cadaval
IDEA ORIGINAL: Ramom Pinheiro Almuinha
EQUIPO ACTORAL: Quico Cadaval, Celso Fernanadez Sanmartín, José Luis Gutierrez “Guti” 
EQUIPO TÉCNICO y PRODUCCIÓN: Mauro Sanín Leira

FESTIVAL B.A.D. 2016 27 de octubre - 19:30h DANZA JBK Company - Korea “Gynn”

FESTIVAL B.A.D. 2016
27 de octubre - 19:30h DANZA
JBK Company - Korea
“Gynn”


JBK Company (Proyecto Contemporáneo) es un grupo creativo multi-étnico de los profesionales con una variedad de las experiencias de la danza, que colabora con la fotografía y la gráfica, etc. basando en los movimientos de danza tradicional coreana.

Gyun [肩] [Hombro] 
1. Hombro 
2. Omoplatos 
3. Los animales alimentados durante 3 años
4. Padecimiento (el peso) 
5. Compromiso, la identificación de la paralización 
6. Superación
7. Rígido
8. Erguido
9. Delgado y débil
10. Delgado y pequeño

Creación, Dirección, Interpretación: Ju-bin Kim

FESTIVAL B.A.D 2016 26 de Octubre a las 19.30h. DANZA JANET NOVAS / Madrid “Si pudiera hablar de esto no haría esto”

FESTIVAL B.A.D 2016
26 de Octubre a las 19.30h. DANZA

JANET NOVAS  / Madrid 
“Si pudiera hablar de esto no haría esto”

No planteo ninguna pregunta, discurso o reflexión colectiva. Desconozco qué argumento le sería más favorable a esta obra o básicamente de que trata, esa incapacidad para describirla me impulsa y me motiva. Solo quiero accionar mi cuerpo, el tiempo y el espacio que me rodea, compartir sensaciones, iniciar un camino a través de mis experiencias y mis necesidades de expresión donde la
acción, la entrega, el compromiso y la responsabilidad serán imprescindibles para llevar a cabo este trabajo.
“Me nace, me sale, necesita salir y manifestarse. No sé qué es, ni cómo se llama, solo sé que existe y quiere ser visible. Quiere hablar y ser, ser algo tangible para poder ser cierto y verdadero a la mirada ajena y a mi propia mirada. Quiere manifestarse desde una imagen, desde el sonido, desde el silencio. Quiere nacer aunque muera en ese instante. Y yo estoy al servicio para que eso suceda”.

60 min.
Creación Y Coreografía: Janet Novás
Dramaturgia: Ricardo Santana
Acompañamiento: Lipi Hernández y Antía Díaz
Música: Haru Mori
Diseño de Iluminación: Irene Cantero
Vestuario: Panamá Díaz y Maravilla Muñoz
Foto: Virginia Rota, Manuel J. Vicente.

Agradecimientos: Frank Chartier,Garage 29,Daniel Abreu,Andrea Quintana,Antía Díaz,Sara Sampelayo y Katia Kissina.
Coproduccion: Un espectáculo coproducido por el Festival de Otoño en Primavera de la Comunidad de Madrid, Teatro Pradillo, Escenas do Cambio y Festival BAD Bilbao.
Apoyos: Graner Centro de Creació, Paso a 2 y Centro Cultural Conde Duque Agradecimientos: Carmen Fuentes y Proyecto Proyectil. 

Janet Novás 
Bailarina y creadora gallega, reside en Madrid desde el año 2001.Estudia danza contemporánea en Madrid, Bruselas y Berlín. En el año 2008 comienza  a desarrollar sus propios proyectos  dando lugar a la experimentación y a la auto-investigación. Su obra se construye desde la observación, la experiencia y el diálogo con su cuerpo como principal herramienta, apostando por un lenguaje propio, moldeando el contenido emocional y la sencillez estética que caracterizan sus trabajos. Sus creaciones se han presentado en prestigiosos festivales nacionales e internacionales como Rencontres Chorégraphiques, Festival de Otoño a Primavera, Escenas do Cambio, Festival de Marseille, Festival Nouvelles- Pole Sud, Cement Festival, Dança en Transito, MOV_S, TNT Dansa , Mes de Danza Sevilla y el XXV Festival de Madrid en Danza entre otros.
Paralelamente sigue colaborando con otros artistas como Ricardo Santana, Daniel Abreu, Pablo Esbert, Mercedes Peón o Playdramaturgia entre otros. En el año 2011 es seleccionada para desarrollar el proyecto de investigación coreográfica ChoreoRoam Europe y ese mismo año recibe el Premio Injuve con su creación Cara pintada. Janet Novás alterna su labor como bailarina y creadora con la de profesora, impartiendo clases y talleres en diferentes centros de España, Europa, Latinoamérica y Asia.

FESTIVAL B.A.D 2016 25 de octubre - 19:30h DANZA Estreno en Euskadi JANET NOVAS/ Madrid “Cara pintada”

FESTIVAL B.A.D 2016
25 de octubre - 19:30h DANZA Estreno en Euskadi
JANET NOVAS/ Madrid
“Cara pintada”


Cara pintada habla de la esencia, de lo real y verdadero que mueve al ser humano.
El cuerpo se presenta en este marco como un objeto más, como un recipiente vacío que se va llenando, cargando y transformando hasta que pierde su forma y se disuelve en su contenido. Las emociones viajan a través de ese cuerpo que se expone y se lanza al vacío con el único objetivo de experimentar lo que sucede en el momento presente. Agotando sus posibilidades y dejándolo en el abandono.
 Una serie de elementos se despliegan a lo largo de la obra introduciéndonos en un mundo personal que se ve confrontado por la fuerza y la fragilidad.
La música, las voces, los objetos, las luces y sombras forman un juego imaginario incrustándose y prolongándose en el cuerpo, desvelando de este modo las historias que surgen en él, cayendo en un estado absurdo, ridículo y surrealista que no se sostienen en ningún elemento narrativo. Es la creencia que deposito en mis acciones lo que hace que todo cobre sentido. Sin juzgar, sin esperar un resultado final. Las emociones se mezclan, se funden y se confunden, no hay límites para llegar a sentir lo que ocurre bajo la piel. Janet Novás

Dirección Interpretación: Janet Novás
Ayuntante de dirección: Ricardo Santana
Música original:Haru Mori
Vestuario: Juana Rodriguez
Diseño de iluminación; Pedro Fresneda Antón Ferreiro
Técnicode iluminación: Paloma Parra
Fotografía: Piti Prieto y Juan Adrio
Duración: 50 min.
Estreno: Teatro Ensalle 4 de junio 2010
Colaboración: Provisional Danza (Madrid) Centro Cultural García Lorca (Bruselas)
Agradecimientos_ Frank Chartier y Gabriela Carrizo, Teatro Ensalle, Garage 29, Daniel Abreu, Haru Mori, Andrea Quintana, Artía Díaz, Sara Sampelayo y Datia Kissina.


Bailarina y creadora gallega, reside en Madrid desde el año 2001.Estudia danza contemporánea en Madrid, Bruselas y Berlín. En el año 2008 comienza  a desarrollar sus propios proyectos  dando lugar a la experimentación y a la auto-investigación. Su obra se construye desde la observación, la experiencia y el diálogo con su cuerpo como principal herramienta, apostando por un lenguaje propio, moldeando el contenido emocional y la sencillez estética que caracterizan sus trabajos. Sus creaciones se han presentado en prestigiosos festivales nacionales e internacionales como Rencontres Chorégraphiques, Festival de Otoño a Primavera, Escenas do Cambio, Festival de Marseille, Festival Nouvelles- Pole Sud, Cement Festival, Dança en Transito, MOV_S, TNT Dansa , Mes de Danza Sevilla y el XXV Festival de Madrid en Danza entre otros.
Paralelamente sigue colaborando con otros artistas como Ricardo Santana, Daniel Abreu, Pablo Esbert, Mercedes Peón o Playdramaturgia entre otros. En el año 2011 es seleccionada para desarrollar el proyecto de investigación coreográfica ChoreoRoam Europe y ese mismo año recibe el Premio Injuve con su creación Cara pintada. Janet Novás alterna su labor como bailarina y creadora con la de profesora, impartiendo clases y talleres en diferentes centros de España, Europa, Latinoamérica y Asia.

FESTIVAL B.A.D 2016 / PREMIO CIRCULA 2016 24 de octubre - 19:30h DANZA Estreno en Euskadi ALBERT QUESADA/ Barcelona - Bruselas “UnDosTresUnDos”

FESTIVAL B.A.D 2016  /  PREMIO CIRCULA 2016
24 de octubre - 19:30h DANZA Estreno en Euskadi
ALBERT QUESADA/ Barcelona - Bruselas
“UnDosTresUnDos”


Ésta no es una pieza de flamenco.
En UnDosTresUnDos, un par de bailarines utilizan sus cuerpos y sus voces para preguntarse, ¿qué es el flamenco? ¿Cómo funciona esta lengua no escrita - al mismo tiempo música y danza - para crear esta comunicación tan intensa, tan inmediata?
UnDosTresUnDos se adentra y rompe el flamenco, examinando cada aspecto de su magia singular.

Dirección: Albert Quesada Direkzioa
Coreografía y Danza: Albert Quesada & Zoltán Vakulya
Música: Sabicas, Miguel Poveda, Manolo Caracol, Camarón de la Isla
Diseño de sonido: Albert Quesada
Diseño de iluminación: Bert Van Dijck
Vestuario: Sofie Durnez
Programa de mano: JS Rafaeli
Ayudante Musical: Juan Carlos Lérida
Asistente coreográfico: Petra Söör, Leo Castro
Producción: Albert Quesada / Klein Verzet vzw
Coproducción: Charleroi Danses, CCNR, Mercat de les Flors,Vooruit in the frame of the
European Network DNA (Departures and Arrivals) / Co-funded by the Creative Europe Program of the European Union
Con la ayuda de SACD, the Vlaamse Gemeenschapscommissie, the Culture Programme of the European Union, the Koning Boudewijn Stichting
En colaboración con PACT Zollverein, Kaaitheater, TAKT/Provinciaal Domein Dommelhof,
STUK, El Graner, L’animal a l’esquena

45min

Albert Quesada es un bailarín y coreógrafo español con sede entre Bruselas, Barcelona y Estados Unidos. Se formó en MDT (Amsterdam) y PARTS (Bruselas), después de sus estudios de filosofía e ingeniería multimedia en
Barcelona. La exploración y la traducción de estructuras, experiencias musicales, composiciones en la coreografía, y la invitación al público de percibir y escuchar, se situa en el corazón del trabajo coreográfico de Albert. Por otro lado, a Albert le intriga el movimiento detallado y la dinámica de grupo, presente en sus creaciones de grupo Wagner & Ligeti, Slow Sports, e inspirado en su colaboración con ZOO / Thomas Hauert.

ACME es la compañía que Albert crea como el contenedor de sus espectáculos y da nombre a la colaboración con un grupo de artistas como Marcus Baldemar, Federica Porello, Mireia de Querol y Zoltán Vakulya.
Espectáculos: Solo on Bach & Glenn (2008), Solos Bach & Gould (2010), Trilogy (2011), Ensemble (2012), Slow Sports (2012), Wagner & Ligeti (2014), Slow Sports Kids (2014), Slow Sports Outdoors (2015), UnDosTresUnDos
(2015), VIVA (2016)

Taller para profesionales y estudiantes de danza Albert Quesada: Moverse Para Escuchar


Taller para profesionales y estudiantes de danza
Albert Quesada: Moverse Para Escuchar
Domingo 23 de octubre  / 12:00 a 14:00 horas
Precio 10€ 
Nº de Plazas limitada
Información y Reserva B.A.D / http://badbilbao.eus/web/

Taller para profesionales y estudiantes de danza.
Mi enseñanza extrae sus intereses e influencias directamente de dos fuentes: por un lado, a partir de mi experiencia como bailarín e intérprete con ZOO ThomasHauert. Y, por otro lado, a partir de mi experiencia durante los últimos 8 años como creador. Todo lo que enseño ha sido parte de una creación, ha encontrado su camino en el escenario y ha demostrado ser una habilidad valiosa tanto para bailarines aficionados como para bailarines profesionales en diversos contextos educativos.

Utilizamos herramientas de improvisación de “UnDosTresUnDos”, para la investigación, el intercambio, la composición y el aprendizaje. Y entrenamos tanto el cuerpo (en busca de un cuerpo inteligente y consciente), como la mente (la apertura de posibilidades, desafiando nuestras tendencias y hábitos).

Descripción
Con el fin de ayudar a crear material de solo, en la primera parte de la clase, entramos en el conjunto de herramientas Moverse Para Escuchar: mediante la extracción de ritmo y cualidades de la música,  aprendemos una variedad de prácticas para escuchar mientras nos movemos: partituras de movimiento y juegos para ejercitar la escucha en relación al movimiento. Todas estas prácticas se desarrollaron directamente en la pieza “Solo on Bach & Glenn” y más tarde han formado parte integral de posteriores coreografías como “UnDosTresUnDos”. Éstas mejoran en gran medida la consciencia corporal y el ritmo de material improvisado. En esta parte de la clase comparto mi amor por la música y la escucha.
En la segunda parte de la clase, nuestro objetivo será apoyar un solo con el tacto y con nuestra presencia.

Lo haremos en solitario, de a dos, de a tres, y, finalmente, en un gran grupo. Cada toque que recibimos lleva información de presión, dirección y enfoque.
      - Al aprender responder el tono recibido a través del tacto, podemos dirigir la fundación de nuestro equilibrio, simplemente cambiando el tono muscular de la danza.
      - Mediante la comprensión de la dirección de cada contacto, podemos negociar la construcción y la arquitectura de nuestra danza.
      - Al reconocer el foco del soporte, podemos leer las intenciones e intereses, siempre presentes en el partnering y danza de contacto.

El apoyo a una danza conlleva el tratamiento de cada movimiento propio como danza, y dejar que la danza emerja de conversaciones. A partir de un solo siendo asistido por otro bailarín, el formato se desarrolla hasta que toda el grupo, ya sea 5, 10 o más, ayuda al solo. Los ayudantes y el solo son parte de la composición y de manera intuitiva diseñan la coreografía total, tomando decisiones para apoyar al solo. El aprendizaje dado por en este taller va más allá del aula, y nos enseña a que pedir ayuda (y soporte) puede ser una habilidad crucial en nuestras vidas.

Objetivos
El objetivo de este taller será en tomar y desarrollar consciencia de la música que utilizamos y del ritmo creado en la danza improvisada. A través de danza en diferentes formas: solo, dúos, tríos, etc.
Y mediante juegos y partituras de movimiento, jugar y bailar juntos.
Estas palabras clave están muy presentes cuando pienso en la danza y su enseñanza: posibilidades sin fin, danza sin forma, empuje, desafío y juego.

Destinatarios
Nivel:Profesionales y estudiantes de artes escénicas. Mandar breve curriculum  no más de 15 líneas al Festival BAD. http://badbilbao.eus/web

FESTIVAL B.A.D 2016 22 de octubre - 21h TEATRO Estreno en Euskadi LAGARTIJAS AL SOL/ México “Tijuana” Gabino Rodriguez

FESTIVAL B.A.D 2016
22 de octubre - 21h TEATRO Estreno en Euskadi
LAGARTIJAS AL SOL/ México
“Tijuana”
Gabino Rodriguez


Tijuana creación de Gabino Rodríguez: ¿Qué significa democracia en un país como México?  ¿Qué significa si al día de hoy unos  50 millones de personas viven con el salario mínimo? qué significa democracia para esas personas? ¿Qué esperamos de la democracia hoy en día? ¿Qué esperamos de la política más allá de la democracia? La economía condiciona la manera en que experimentamos con la política y las expectativas que tenemos. Partiendo de esa premisa, Tijuana pone en escena la experiencia de Gabino Rodríguez, convertido durante seis meses en Santiago Ramírez, habitante de Tijuana, Baja California, bajo condiciones económicas y sociales específicas que lo apartaron de su mundo habitual, del que permaneció incomunicado mientras trabajaba con el salario mínimo en una fábrica de la zona. La puesta en escena busca contar esta experiencia e indagar en las posibilidades de la representación. Ser otro, intentar vivir la vida de otra persona. Hacerse pasar por otro. ¿No es eso la actuación? 

Tijuana creación de Gabino Rodríguez: ¿Qué significa democracia en un país como México? ¿Qué significa si el día de hoy unos 50 millones de personas viven con el salario mínimo, qué significa democracia para esas personas?
¿Qué esperamos de la democracia hoy en día? ¿Qué esperamos de la política más allá de la democracia? La economía condiciona la manera en que experimentamos con la política y las expectativas que tenemos. Partiendo de esa premisa, Gabino Rodríguez vivió durante seis meses como Santiago Ramírez, habitante de Tijuana, Baja California, bajo condiciones económicas y sociales específicas que lo apartaron de su mundo habitual, del que permaneció incomunicado mientras trabajaba con el salario mínimo en una fábrica de la zona.
La puesta en escena busca indagar en las posibilidades de la representación. Ser otro, intentar vivir la vida de otra persona. Hacerse pasar por otro. ¿No es eso la actuación?

Basado en textos e ideas de: Gunter Walraff, Andrés Solano, Martin Caparrós, Arnoldo Gálvez Suárez.Un proyecto de Gabino Rodríguez
Basado en textos e ideas de: Gunter Walraff, Andrés Solano, Martin Caparrós.
Dirección adjunta: Luisa Pardo
Iluminación: Sergio López Vigueras
Video: Chantal Peñalosa 
Isadora: Carlos Gamboa
Colaboración artística: Francisco Barreiro

Somos una cuadrilla de artistas convocados por Luisa Pardo y Gabino Rodríguez. Desde 2003 comenzamos a desarrollar proyectos como mecanismo para vincular el trabajo y la vida, para borrar fronteras.
Hemos realizado 14 proyectos escénicos y participado como colectivo en diversas colaboraciones multidisciplinarias. Nuestro trabajo se ha presentado en diferentes foros y festivales nacionales e internacionales (Otoño de Paris, Kunstenfestivaldesarts, Otoño en Primavera, Festwogen Viena, FIBA Buenos Aires, etc), en más de 15 países. Dos premios universitarios en México y participación en 4 Muestras Nacionales de Teatro. En 2010 fuimos invitados a la Residence and Reflection del Kunsten Festival des Arts en Bruselas; en 2011 "Asalto al Agua Transparente" ganó el premio del público en el Festival Impatiensse en Paris, ese mismo año fuimos residentes en el Festival SISMO en Matadero, Madrid con el proyecto "Escondidos en el llano" y con la obra "El Rumor del Incendio" ganamos el ZKB Forderpreis dentro del marco del Zücher Theater Spektakel de Zürich. En 2014 hicimos una residencia de creación en CalArts con el proyecto El camino donde nosotros lloramos.
Hemos impartido el Taller "Historia, biografía y documento" en el marco de festivales como Cena Contemporanea en Brasilia, Santiago a Mil en Santiago de Chile, Kunsten Festival des Arts en Bruselas o en espacios como la Unidad de Vinculación Artística de la UNAM, el Centro Cultural de España en Guatemala, entre otros.

Festival BAD 2016 21 OCTUBRE 22h Estreno en Euskadi Igor & Moreno / Londres-Italia-Euskadi A Room For All Our Tomorrows / Una habitación para todos nuestros mañanas

Festival BAD 2016 
21 OCTUBRE 22h Estreno en Euskadi 
Igor & Moreno   / Londres-Italia-Euskadi
A Room For All Our Tomorrows / Una habitación para todos nuestros mañanas


En escenas cuerpos y un momento - entre el café y el baile - en el que la armonía nos abandona y todo lo que nos queda es el deseo de gritar. Pero no se trata sólo ellos dos, sino de de todos nosotros. Se trata de la vida secreta que todos poseemos cuando estamos cerca de los demás. Es un lugar para imaginar las cosas de otra manera.

Producción: Igor and Moreno & The Place
Creación & Intérpretes:  Igor Urzelai & Moreno Solinas
Desarrollado con: Aoife McAtamney
Dramaturgia: Simon Ellis
Diseño de Vestuario: Kasper Hansen, Sophie Bellin Hansen, Markowski 
Atelier: Marek Markowski and Sarah Poffa‎

Colaboración y Apoyos: The Place (London) & Cambridge Junction, Arts Council England con el apoyo de Centro Per La Scena Contemporanea (Bassano del Grappa), Dance Base (Edinburgh), Chelsea Theatre, Roehampton University and Nuovo Teatro Verdi (Sassari).
Igor y Moreno son dos artistas con base en Londres, aunque hacen vida allí donde les lleva la danza presentando sus obras en Europa y también en los EEUU, Chile y China. Colaboran desde 2007 y su obra se caracteriza por su interés en el cuerpo, el motor del movimiento y la inmediatez de la acción como transmisor de significados, ideas y deseos. Recientemente fueron nominados por National Dance Awards del Reino Unido.  Actualmente ambos son artistas asociados de The Place (Londres) y TIR danza (Italia).

FESTIVAL B.A.D 2016 20 de octubre - 19:30h DANZA Estreno en Euskadi VOLMIR CORDEIRO / Brasil-Francia Inês

FESTIVAL B.A.D 2016
20 de octubre - 19:30h DANZA Estreno en Euskadi
VOLMIR CORDEIRO /  Brasil-Francia
Inês


Un día me crucé con esta mujer que se llama Inés. Y no me pude conformar con mirarla. Necesitaba acercarme mucho más….. Inmediatamente empecé a reconocerme en ella. Fue en sus  ojos,  en su cara, en su magma de energía … donde aprendí a percibirme a mi mismo. Abandoné mi rol de observador y comencé a vivir con este ser de carne y hueso. No me contentaba con intentar captarla,  me hubiera gustado tragármela… Mi intención era hacerla emerger, abrir un interrogante, proponerle una pieza. Ante el mundo, crear la trama de su ausencia. ¿Cómo encontrar el sentido de su existencia en mí y dar vida en mi pequeño cuerpo a la inmensidad de su cuerpo de sanadora?. Quiero proponer al público esta experiencia mía tan íntima: la de colocarse frente a alguien desconocido, totalmente extraño, totalmente inexplorado… Tal y como es, Inés  me parece indispensable en todo lo que aporta: desde ese golpe de insolencia de pertenecer a un mundo célebre hasta los residuos de la alegría, de la malicia, de  la tristeza y la vergüenza que le hacen bailar” 
Coreografía e interpretación: Volmir Cordeiro
Iluminación: Abigail Fowler 
Sonido: Cristián Sotomayor
Vestuario: Sylvie Seguin

Co-producción: Musée de la danse, Théâtre de Vanves, Ménagerie de Verre, Centro Cultural de Belém, Materiais Diversos, Open Latitudes.
Proyecto financiado con la colaboración de: un protocolo tripartito entre l’Etat Portugais- Secrétaire à la culture / DGArtes, Materiais Diversos y las villas de Torres Novas, Alcanena y  Cartaxo.
Con el apoyo de: Montevideo, Centre National de la Danse - Pantin y los Laboratoires d’Aubervilliers con sus espacios Etapes de construction a través de las presentaciones de « Inês, car elle mérite… » ; Palais de Tokyo, CNDC d’Angers, Festival Panorama (Rio de Janeiro, Brasil) y los Laboratoires d’Aubervilliers, así como el marco "Emanticipation, un laboratoire" de la Compagnie MUA, bajo la dirección de Emmanuelle Huynh, en Lafayette Anticipation.

Nacido en Brasil en 1987, Volmir Cordeiro comienza por estudiar teatro, pero comienza muy pronto  a colaborar con coreógrafos brasileños como Alejandro Ahmad, Cristina Moura y Lia Rodrigues. En 2011 para a formar parte del grupo “Essais” del Centro Nacional de Danza Contemporánea de Angers (dirección de Emmanuelle Houynh) y actualmente está elaborando en  la Universidad Paris 8 una tesis sobre las figuras de la marginalidad en la danza contemporánea. Participa en las piezas de Xavier Leroy, Laurent Pichaud,  Rémy Héritier, Emmanuelle Houynh, Jocelyn Cottecin y Vera Mantero. En 2012 crea en Francia su primer solo, Ciel y más tarde Inés en 2104 y en marzo de 2015 el dúo Epoque con Marcela Santander Corvalan. Acaba de cerrar un primer ciclo de su trabajo compuesto por los solos Ciel, Inés y Rue (creada en octubre 2015 en el Museo del Louvre en colaboración con la FIAC). Volmir Cordeiro, durante el año 2015,  fue artista asociado a la Ménagerie de Verre.

15 de octubre a las 20:00h 16 de octubre a las 19:00h DANZA IGOR AND MORENO - Euskadi / Italia / Reino Unido “Idiot- Sincrasy”


15 de octubre a las 20:00h  16 de octubre a las 19:00h DANZA
IGOR AND MORENO - Euskadi / Italia / Reino Unido
“Idiot- Sincrasy”

Una danza con dos intérpretes muy diversos pero físicamente casi iguales. Acompañados por un pulso sónico constante, Igor y Moreno han creado una coreografía en la que el espectador entra en un mundo íntimo y a la vez universal, en el que a través de una serie de imágenes en constante cambio se activa la imaginación del espectador, invitándonos a sentir y a pensar. En este trabajo Igor y Moreno nos abren las puertas a su mundo personal, en el que podemos ver reflejado nuestro propio mundo. Idiot-Sincrasia quiere recordarnos de la capacidad del individuo para ser feliz, explorando todo aquello que deseamos y que muchas veces está al alcance de nuestras manos, en la capacidad creadora de nuestros cuerpos físicos. Una coreografía llena de repetición pero dinámica y con cambios constantes, esta pieza es un rito para los tiempos en los que vivimos. Idiot-Sincrasia es una obra seria, pero con sentido del humor; es honesta e irónica.

Interpretes, coreografia: Igor Urzelai, Moreno Solinas
Luces: Seth Roook Williams
Escenografía: David Harris
Vestuario: Kasper Hansen
Voz y canto en colaboración de: Melanie Pappenheim 
Sartoría: Sophie Bellin Hansen
Manager: Louise Jardine
Administración de giras: Helen Holden
Con la colaboración de Simon Ellis como artista asociado durante proceso creativo. Simon Ellis es director del departamento de Masters de Coreografía y Performance en la universidad Roehampton Dance.

Con el apoyo  del: Arts Council England (el Consejo para las Artes de Inglaterra) y  creado con una comisión de The Place (Londres) y el apoyo de Yorkshire Dance (Leeds), CSC-Bassano del Grappa (Italia), Cambridge Junction y BAD Festival (Bilbao). 


Igor Urzelai y Moreno Solinas, coreógrafos y bailarines con base en Londres desde donde crean obras que presentan internacionalmente. Igor y Moreno han colaboran desde el 2007, creando trabajos caracterizados por un lenguaje poético y político en partes iguales, expresando ideas y sentimientos a través del movimiento, la voz, el sonido, texto y diseño. La coreografía de Igor y Moreno es ágil y dinámica, construyendo mundos llenos de imágenes en los que la poesía y el humor no están reñidos; jugando traviesamente con la imaginación del espectador. En tiempos difíciles como los que vivimos, Igor y Moreno quieren reclamar el espacio teatral como lugar de asamblea, provocando discusión y explorando las propiedades catárticas del teatro y la danza.  Además de su trabajo en dúo, Igor y Moreno son ambos miembros fundadores del internacionalmente reconocido BLOOM! dance Collective y contribuyen a divulgar la danza contemporánea como parte de Hiru Dance Org. En el 2011 ambos fueron invitados a formar parte de Work Place, un grupo de coreógrafos asociados al centro líder para la danza The Place (Londres), y en el mismo año fueron seleccionados por el Arts Council England (Consejo Nacional para las Artes en Inglaterra) para promover su trabajo en las regiones del este de Inglaterra.

Igor & Moreno han presentado sus trabajos extensamente en Europa y también en EEUU habiendo recibido varios premios, incluyendo el Premio Rudolf Laban 2010 (Budapest), top-20 Aerowaves 2011 y una residencia artística por el Prix Jardin d’Europe(Bruselas/Estambul). En el 2012 Hiru fue nominada para el ‘h.Club100’ por Time Out London en su búsqueda por los trabajos más emprendedores, influyentes e innovadores en los medios creativos en Inglaterra. Independientemente, Moreno ha trabajado como bailarín con Rafael Bonachela, DV8, Stan Won’t Dance y Eathfall. En el 2012 Moreno recibió una comisión de Bloomberg para el The Place Price, con el cual creó su solo Life Is A Carnival, posteriormente seleccionado para Aerowaves 2013.

Por su lado Igor ha trabajado con: Peut-Être Theatre, el maestro de Butoh Katsura Kan, Jovair Longo, Sam Coren (quién creo un solo para Igor con el apoyo de la compañía Hofesh Shechter) y protagonizó el corto nominado para los BAFTA Hansel & Gretel creado para la BBC.

13 Octubre / 20h. / Entrada libre LA FUNDICIÓN y el TALLER DE ESPECTADORES

13 Octubre / 20h. / Entrada libre 
LA  FUNDICIÓN  y el TALLER  DE  ESPECTADORES  
Para  este primer trimestre del año, el Taller de Espectadores, dirigido a personas interesadas en debatir y analizar temas relacionados  con artes escénicas, sigue en la línea de los oficios y para ello tenemos ya preparados nuevos temas, personajes y actividades.

“Taller de espectadores” de creaciones contemporáneas en artes escénicas.
Lo plantea como un club para personas, de todos los horizontes profesionales, interesadas en debatir y analizar temas como: artes escénicas, nuevas tendencias escénicas, nuevas tecnologías, nuevas propuestas en danza y teatro, relación con el público o la programación de La Fundición, además de otros posibles asuntos para la discusión creativa

En las reuniones, se disfrutará también de encuentros con coreógrafos, directores, bailarines, representantes de medios de comunicación, de Talleres de mediación, y expertos en la práctica teatral

Este Taller de espectadores de La Fundición se abre como un espacio para el enriquecimiento personal y la formación técnica de sus participantes como interesados en estas cuestiones artísticas de vanguardia, a través del debate, la exposición, el análisis, el descubrimiento de nuevas formas, el intercambio de opiniones y los encuentros con destacados creadores e intérpretes actuales de las diferentes ramas de las artes escénicas Los debates serán conducidos por David Barbero. En ellos, contaremos, además, con la presencia de críticos y/o periodistas especializados en cultura, creadores y/o compañías, que presenten sus estrenos y procesos y procesos de creación.

Cláudia Dias / Lisboa "Monday - Watch Out For The Right" "Lunes - Vigila tu derecha" /DANTZALDIA 2016 www.dantzaldia.org

DANTZALDIA 2016 www.dantzaldia.org 
6  Octubre  20h. Azkuna Zentroa
Cláudia Dias / Lisboa
"Monday - Watch Out For The Right"
"Lunes - Vigila tu derecha"

En el primer año y la primera pieza de este proyecto a siete años, Cláudia Dias arranca con el formato de un combate de boxeo, cada segundo bien medido, como si la señal dada contuviera en sí misma la noción de ser capaz de cambiarlo todo, round a round, pregunta a pregunta… Cada momento irreversible en la corriente del tiempo genera miles de posibilidades. El combate de boxeo es entre nosotros y el tiempo.”
Extracto de Para memória futura, de Jorge Loureço Figueira

¡Venga, pégame!

Cuando nos dan un puñetazo algo ocurre. Con un poco de suerte, somos conscientes del momento y sabemos qué pasa. Saber algo según nos están machacando la cara es un buen primer paso, pero sería mejor todavía saber quién, cómo, por qué y qué.

En un mundo de agresividad más o menos disimulada en el hogar y en el trabajo, y más o menos disimulada también en el ocio, parece que lo que se espera es que, antes o después, alguien empiece a repartir golpes. Por lo menos metafóricamente. Lo que sorprende es que haya tanta gente que recibe los golpes sin saber por qué.

Antes de que alguien nos agreda inesperadamente, es una buena idea prever en nuestra mente las posibles consecuencias del hecho. No saber ni la motivación ni la finalidad del acto es estar en desventaja… Si el golpe nos es extraño, el conflicto puede quedar en nada tras haber ocurrido. Y entonces, ¿qué? Comparado con el antes y el después, nada. Pero si evaluamos el hecho, el antes y el después del impacto, podemos construir el tiempo, la historia y nuestra memoria del futuro.


No teniendo miedo. No teniendo miedo de nada. No dejando al miedo que lo acapare todo. No construyendo el Portugal del futuro sobre las bases del miedo.


¿Cuántos días hay entre el 25 de abril y el 31 de octubre, en 1974?
¿Cuántos días hay entre la revolución más hermosa del mundo y la más hermosa pelea de todos los tiempos?
¿Sabias que Alí se había negado a luchar en Vietnam?
¿Crees que si le dejamos que nos siga pegando así, nos afectará el cerebro?
¿Tendría que volver la pelea al cuerpo?
¿Crees que la distancia es una forma de violencia?
¿Por qué nos gusta tanto ver al mundo dividido?
¿Te parece que una parte del mundo es considerada y tratada como los negros durante la esclavitud?
¿Piensas que los colonizadores supieron alguna vez la historia de los colonizados?
¿Conoces mi historia?


Fragmentos de Monday – Watch Out For The Right!

Concepto y dirección artística: Cláudia Dias
Artista invitado: Pablo Fidalgo Lareo
Performers: Cláudia Dias, Jaime Neves, Pablo Fidalgo Lareo
Ojo externo: Seven Years, Seven Pieces: Jorge Louraço Figueira
Coach de Thai Boxing: Jaime Neves
Dirección técnica: Nuno Borda de Água
Diseño de escena e iluminación: Thomas Walgrave
Producción: Alkantara

Residencias artísticas: Espaço Alkantara, Göteborg Dance and Theatre Festival y Vitlycke Centre for Performing Arts, con el apoyo de KID Gothemburg, Teatro Extremo / Teatro – Estúdio António Assunção; Companhia de Dança de Almada; O Espaço do Tempo; Teatro Municipal do Porto
Coproducción: Alkantara, Goethe Institut, Maria Matos Teatro Municipal, Teatro Municipal do Porto, Noorderzon Performing Arts Festival Groningen
Con el apoyo de: EUROPOLY – European project for theatre and film by the Goethe Institut en cooperación con Münchner Kammerspiele, Onassis Cultural-Centre Athens, Sirenos – Vilnius International Theatre Festival, Teatro Maria Matos de Lisboa y Tiger Dublin Fringe. NXTSTP / Culture Programme ///Fundação GDA///

El proyecto Sete anos sete peças cuenta con el apoyo de la Câmara Municipal